RECENSION: The Importance Of Being Earnest, Union Theatre ✭✭

The Importance Of Being Earnest Union Theatre 13 oktober 2014 2 stjärnor

Det finns ett ögonblick i slutet av andra akten i den Pulitzerprisvinnande musikalen How To Succeed In Business Without Really Trying där J B Biggley och Wally Womper diskuterar den dåliga idén om en skattjakt. Womper är rasande och Biggley försöker avleda skulden genom att fokusera på J Pierrepont Finch och hävda att när Finch presenterade idén för honom tyckte han att den var usel. Womper frågar varför Biggley då gick vidare med den och han svarar: ”Det verkade som en bra idé.”

När jag såg Jaq Bessells uppsättning av Oscar Wildes komiska mästerverk, The Importance Of Being Earnest (Mister Ernest), som nu spelas under en begränsad period på Union Theatre (dagar då teatern annars skulle hålla stängt under spelsäsongen av Love Story), så fortsatte den repliken att loopa i mitt huvud.

Bessell är tydlig med sin avsikt att ”göra något” med pjäsen, i skarp kontrast till Lucy Baileys nyligen genomförda West End-parodi som bar Wildes namn, och det är beundransvärt. Átminstone vet publiken vad de sannolikt kommer att få se.

Bessells koncept innefattar följande: två manliga skådespelare som spelar alla roller; skådespelare som har tillgång till manus på scenen; skådespelare som verkar singla slant om vem som ska spela vilken uppsättning karaktärer (i huvudsak Jack och alla som interagerar med Algernon, och vice versa); minimal användning av rekvisita och scenografi; absurdistiska inslag för att förstärka ögonblick; moderna anakronismer; mimad sång; en och annan dans (och då menar jag udda); brott mot den fjärde väggen; samt introduktionen av tarvliga sexuella anspelningar.

Och egentligen finns det ingen anledning till varför många av dessa idéer inte skulle kunna vara effektiva. Modern teater är full av exempel på små ensembler som spelar flera roller i syfte att tjäna manusets eller produktionens anda: Fiasco Theatres uppenbarande sexpersonersuppsättning av Cymbeline på Barrow Street Theatre i New York eller de extremt framgångsrika uppsättningarna av Potted Potter och The Reduced Works of William Shakespeare är självklara exempel på att detta koncept kan fungera fantastiskt väl.

Det är inte första gången män tar sig an kvinnorollerna i pjäsen – Hinge och Brackett gjorde det för länge sedan, och andra har gjort det både före och efter – Geoffrey Rush spelade nyligen Lady Bracknell i Melbourne.

Idén att singla slant om en roll kan bidra med en extra gnista av spänning till föreställningen, men det måste vara tydligt att resultatet genuint är en överraskning för skådespelarna och inte bara en del av showen. Här gick det inte att avgöra.

Men det är inte det som är den riktigt dåliga idén. Stil, eller bristen på den, är här den kompromisslösa och obevekliga stötestenen.

Wilde skrev dialog som gnistrar, som kräver ett snabbt och perfekt tajmat framförande för att nå sina avsedda komiska höjder. Oförklarligt nog har Bessell tillåtit ett reflekterande, nästan tungfotat levererande av replikerna, inte alltid, men nästan jämt. Det finns ett svårmod, ett konstlat djup som kväver humorn. Replikerna är inte oviktiga, Mr Bessell.

Bristen på stil – eller kanske valet av en ”anti-stil” – ödelägger produktionens fysiska aspekter lika grundligt som Hannibal besegrade romarna vid Trasimenosjön. Det saknas sammanhang – det är Wildes motsvarighet till Anything Goes. De musikaliska och dansanta vinjetterna är förvirrande och deras syfte är omöjligt att urskilja. Allt de gör är att stoppa upp berättelsens flöde.

Övertydliga sexuella referenser är onödiga och ödesdigert kompromitterande för denna pjäs, som helt handlar om undertryckt lust och känslor. En ”halvliggande ställning” involverar inte en ung man med byxorna halvvägs nere, där tajta kalsonger drar uppmärksamhet till en nätt bakdel. Att se Gwendolyn som sexgalen är att helt missförstå karaktären. Att förvandla Miss Prism från en butter och kylig ungmö till motsvarigheten till seniorboendets mest lättflörtade vid åsynen av en haltande, kanske puckelryggig, Chasuble suger charm ur dessa ögonblick lika säkert och grundligt som en girig vampyr suger livsblodet ur sina offer.

Kostymerna hjälper inte till. Man skulle kunna se hur idén fungerade om varje skådespelare var oklanderligt klädd i frack, med passande glamorösa tillbehör för att markera andra karaktärer: en silverbricka för Lane, en servett över armen för Merriman, en kjol för Cecily, en brokadkappa för Lady Bracknell, en prästkrage för Reverend Chasuble, pincené för Prism och juveler och handskar för Gwendolyn (till exempel). Men nej. Här är skådespelarna märkligt nog barfota, i skrynkliga smokingskjortor och smokingbyxor, med hattar, halsdukar, käppar och förvridna miner för att markera skillnader mellan karaktärerna.

Ingenting i produktionen fungerar. Den saknar sammanhang, fräschör och insikt. Så, som alltför ofta är fallet, faller hela bördan direkt på ensemblen.

Simon Stallard visar sig vara den mest begåvade aktören, med en lätthet och en förundrad, ironisk charm som passar de olika roller han tar sig an. Hans Cecily var hans bästa insats, men det fanns glimtar av en verklig Jack där också. Inom ramarna för Bessells vision kämpade han manhaftigt för att hitta en väg som fungerade för både text och karaktär; hans ögon var ständigt levande av möjligheter och hans kropp laddad med energi. Han är en skådespelare att hålla ögonen på.

Bryan Hodgson, som tyvärr inte verkar vara skolad i ”less is more”-skolan för komisk karaktärisering, kämpade i motvind, men främst på grund av regin. Att låta honom gestalta Algernon i första scenen i silkeskalsonger gjorde att all förståelse för karaktären gick förlorad, som om den slukats av ett svart hål. Hodgsons (kanske förståeliga) försök att kompensera sina bara ben med volym och ett aggressivt spelsätt hjälpte inte. Han var som bäst som Lady Bracknell, även om han missade de många komiska möjligheter som tystnaden erbjuder den rollen, och som sämst som den kåta Prism.

Av de två har Hodgson den starkare scentekniska rösten, men Stallard använder sin röst med bättre effekt. De verkar dock genuint uppskatta att arbeta tillsammans, och deras ohämmade och hängivna försök att förverkliga Bessells vision är fulla av liv och energi.

Två lovande skådespelare, en dålig idé och en fantastisk pjäs. Jag lämnade salongen fylld av ett visst vemod.

The Importance Of Being Earnest spelas den 19 och 20 oktober.

Boka biljetter på www.uniontheatre.biz