CRITIQUE : L'Importance d'être Constant, Union Theatre ✭✭

L'Importance d'être Constant Union Theatre 13 octobre 2014 2 étoiles

Il y a un moment vers la fin du deuxième acte de la pièce primée par le prix Pulitzer, Comment réussir en affaires sans vraiment essayer, où J B Biggley et Wally Womper discutent de la mauvaise idée d'une chasse au trésor. Womper est furieux et Biggley essaie de détourner la faute en se concentrant sur J Pierrepont Finch en prétendant que lorsque Finch lui a apporté l'idée d'une chasse au trésor, il a pensé que c'était une idée idiote. Womper demande pourquoi Biggley a poursuivi alors et il répond : « Cela avait l'air d'une bonne idée. »

Alors que je regardais la production de Jaq Bessell du chef-d'œuvre comique d'Oscar Wilde, L'Importance d'être Constant, actuellement joué pour une saison limitée à l'Union Theatre (les jours où le théâtre serait autrement fermé pendant la saison de Love Story), cette séquence tournait en boucle dans mon esprit.

Bessell est franc quant à son intention de "faire quelque chose" avec la pièce, en contradiction flagrante avec la récente représentation du West End de la récente parodie de Lucy Bailey qui portait le nom de la pièce de Wilde, et cela est admirable. Au moins, le public sait ce qu'il est susceptible de voir.

Le concept de Bessell implique les éléments suivants : deux acteurs masculins jouant tous les rôles; les acteurs ayant accès à un script sur scène; les acteurs semblant tirer à pile ou face pour savoir qui jouera quel ensemble de personnages (essentiellement Jack et tous ceux qui interagissent avec Algernon et, en grande partie, vice versa); utilisation minimale d'accessoires et de décors; touches absurdes pour faire ressortir un moment; anachronismes modernes; mime chantant; la danse étrange (et je veux dire étrange); la rupture du quatrième mur; l'introduction de références sexuelles de mauvais goût.

Et, en réalité, il n'y a aucune raison pour que nombre de ces notions ne puissent pas être efficaces. Le théâtre moderne regorge d'exemples de petites distributions jouant plusieurs rôles au service de l'esprit de l'écriture ou de la production : la production révélatrice à six personnes de Cymbeline par Fiasco Theatre au Barrow Street Theatre à New York ou les représentations très réussies de Potted Potter et The Reduced Works of William Shakespeare sont des exemples évidents de ce concept qui fonctionne spectaculairement bien.

Ce n'est pas la première fois que des hommes s'attaquent aux rôles féminins de la pièce - Hinge et Brackett l'ont fait il y a longtemps, et d'autres l'ont fait avant et après - Geoffrey Rush a récemment joué sa Lady Bracknell à Melbourne.

L'idée de tirer à pile ou face pour un rôle peut apporter un frisson supplémentaire d'excitation à la performance, mais il faut que ce soit clair que le résultat est vraiment une surprise pour les acteurs et non simplement une partie du spectacle. Ici, on ne pouvait pas savoir.

Mais ce n'est pas vraiment une mauvaise idée. Le style, ou son absence, est ici le bête noire intransigeant et implacable.

Wilde a écrit des dialogues qui scintillent, qui nécessitent une rapidité et une synchronisation parfaites pour atteindre ses sommets de plaisir prévus. Inexplicablement, Bessell a permis une livraison réfléchie, presque languissante des lignes, pas toujours, mais presque toujours. Il y a de la mélancolie, une fausse profondeur qui asphyxie l'humour. Les répliques de dialogue ne sont pas insignifiantes, M. Bessell.

Le manque de style - ou peut-être l'adoption d'une approche anti-style - ravage les aspects physiques de la production tout comme Hannibal a ravagé les Romains sur les rives du lac Trasimène. Il n'y a pas de cohésion - c'est du Wilde à tout va. Les scènes musicales et dansantes sont déconcertantes, leur but indiscernable. Tout ce qu'elles font, c'est interrompre le flux de la narration.

Les références sexuelles apparentes sont inutiles, et fatalement compromettantes, pour cette pièce, qui traite de la luxure et des émotions réprimées. Une « position semi-couchée » n'implique pas un jeune homme avec son pantalon à mi-hauteur, des boxers serrés attirant l'attention sur un derrière rebondi. Voir Gwendolyn comme obsédée par le sexe c'est complètement méconnaître le personnage. Transformer Miss Prism de vieille fille austère et glaciale à l'équivalent du vélo du Village de Retraite à la vue d'un Chasuble estropié, peut-être bossu, vide ces moments de leur charme aussi sûrement et complètement qu'un vampire rapace suce la force vitale de ses victimes.

Les costumes n'aident pas. On pourrait voir comment cela pourrait fonctionner comme une idée si chaque acteur était impeccablement présenté en tenue de soirée, avec des accessoires suffisamment glamour pour indiquer d'autres personnages : un plateau en argent pour Lane, une serviette sur le bras pour Merriman, une jupe pour Cecily, un manteau broché pour Lady Bracknell, un col blanc pour le Révérend Chasuble, des lunettes pince-nez pour Prism et bijoux et gants pour Gwendolyn (par exemple). Mais non. Ici, les acteurs sont curieusement pieds nus, avec des chemises de soirée froissées et des pantalons de smoking, avec des chapeaux, écharpes, cannes et des visages soyeux grimacés indiquant des différences entre les personnages.

Rien dans la production ne fonctionne. Cela manque de cohésion, de fraîcheur ou d'intuition. Alors, comme c'est trop souvent le cas, le fardeau repose totalement sur les épaules des acteurs.

Simon Stallard s'avère être le plus talentueux des interprètes, avec une légèreté de touche et un charme perplexe et sarcastique qui convient à la gamme de rôles qu'il incarne. Son Cecily était son meilleur travail, mais il y avait des aperçus d'un vrai Jack aussi. Dans les limites de la vision de Bessell, il a lutté virilement pour trouver un chemin qui fonctionne pour le texte et le personnage, ses yeux toujours vivants avec des possibilités, son corps chargé d'énergie. C'est un interprète à suivre.

Bryan Hodgson, hélas, pas un diplômé de l'approche "moins c'est plus" pour la caractérisation comique, a quelque peu pataugé, mais principalement à cause de la production. Le faire incarner Algernon dans la première scène en boxer de soie assurait que toute compréhension du personnage était perdue, comme si elle avait été avalée par un Trou Noir, et les tentatives (peut-être compréhensibles) de Hodgson de compenser ses jambes nues par le volume et la férocité de la livraison n'ont pas aidé. Il était à son meilleur en tant que Lady Bracknell, bien qu'il ait raté les nombreuses opportunités de silence comique qu'offre cette partie, et à son pire en tant que Prism lubrique.

Des deux, Hodgson a le meilleur son vocal théâtral mais Stallard utilise sa voix de manière plus efficace. Pourtant, ils aiment visiblement travailler ensemble et leurs tentatives non dissimulées et effrénées pour réaliser la vision de Bessell sont pleines de vitalité et de vigueur.

Deux acteurs prometteurs, une mauvaise idée et une grande pièce. Ma chaise est devenue toute froide de chagrin.

L'Importance d'être Constant est joué les 19 et 20 octobre.

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