RECENSIONE: L'Importanza di Chiamarsi Ernesto, Union Theatre ✭✭

L’importanza di chiamarsi Ernesto Union Theatre 13 ottobre 2014 2 stelle

C’è un momento verso la fine del secondo atto del musical vincitore del Premio Pulitzer How To Succeed In Business Without Really Trying in cui J B Biggley e Wally Womper discutono della pessima idea di una caccia al tesoro. Womper è furioso e Biggley cerca di scaricare la colpa concentrandosi su J Pierrepont Finch, sostenendo che quando Finch gli portò l’idea della caccia al tesoro lui la ritenne un’idea del tutto sciocca. Womper gli chiede allora perché abbia deciso di portarla avanti e lui risponde: «Sembrava una buona idea».

Mentre guardavo la produzione di Jaq Bessell del capolavoro comico di Oscar Wilde, L’importanza di chiamarsi Ernesto, ora in scena per una breve tenitura all’Union Theatre (nei giorni in cui, altrimenti, il teatro resterebbe chiuso durante la programmazione di Love Story), quella battuta continuava a ripetersi nella mia testa.

Bessell dichiara apertamente l’intenzione di “fare qualcosa” con il testo, in netta contraddizione con la recente tournée nel West End della discutibile versione di Lucy Bailey che portava il nome del dramma di Wilde—e questo è ammirevole. Almeno il pubblico sa, più o meno, che cosa sta per vedere.

Il concept di Bessell prevede: due attori uomini che interpretano tutti i ruoli; gli attori con il copione a disposizione in scena; gli attori che sembrano tirare a sorte chi interpreterà quale gruppo di personaggi (in sostanza Jack e tutti quelli che interagiscono con Algernon e, in larga parte, viceversa); uso minimo di oggetti di scena e scenografia; tocchi assurdi per “spremere” un momento; anacronismi moderni; canto mimato; qualche danza (e intendo davvero strana); rottura della quarta parete; inserimento di riferimenti sessuali di cattivo gusto.

E, a dire il vero, non c’è motivo per cui molte di queste idee non possano funzionare. Il teatro contemporaneo è pieno di esempi di compagnie ridotte che interpretano più ruoli al servizio dello spirito della scrittura o della messa in scena: la rivelatoria produzione a sei interpreti di Cymbeline firmata Fiasco Theatre al Barrow Street Theatre di New York, oppure i fortunatissimi Potted Potter e The Reduced Works of William Shakespeare, sono esempi evidenti di un’idea che può funzionare in modo spettacolare.

Non è la prima volta che degli uomini affrontano i ruoli femminili del testo: Hinge and Brackett lo fecero già molti anni fa, e altri sia prima sia dopo—Geoffrey Rush ha dato la sua Lady Bracknell di recente a Melbourne.

L’idea di tirare una moneta per assegnare un ruolo può aggiungere un brivido ulteriore alla recita, ma deve essere chiaro che l’esito sorprenda davvero gli attori e non sia soltanto parte del giochetto. Qui, non era possibile capirlo.

Ma questa non è la vera pessima idea. Il nemico giurato, implacabile, qui è lo stile—o, meglio, la sua assenza.

Wilde ha scritto dialoghi scintillanti, che richiedono un ritmo rapido e una precisione millimetrica per raggiungere il piacere per cui sono nati. Incomprensibilmente, Bessell ha permesso un’interpretazione riflessiva, quasi torpida delle battute—non sempre, ma quasi sempre. C’è malinconia, una falsa profondità che soffoca l’umorismo. Le battute non sono un dettaglio trascurabile, signor Bessell.

La mancanza di stile—o forse l’adozione di un approccio anti-stile—devasta gli aspetti fisici della messinscena come Annibale devastò i Romani sulle rive del lago Trasimeno. Non c’è coesione: è il Anything Goes di Wilde. I quadretti musicali e di danza sono spiazzanti, di scopo indecifrabile. L’unico effetto è interrompere il flusso del racconto.

I riferimenti sessuali espliciti sono superflui e, per questo testo, fatalmente compromettenti, perché l’opera parla di desideri ed emozioni repressi. Una “posizione semi-reclinata” non significa un giovane con i pantaloni a mezz’asta, boxer attillati che attirano l’attenzione su un fondoschiena svelto. Vedere Gwendolyn come una ninfomane significa fraintendere completamente il personaggio. Trasformare Miss Prism da zitella cupa e glaciale nell’equivalente della “bicicletta del villaggio” di una casa di riposo alla vista di un Chasuble zoppo, forse gobbo, toglie fascino a quei momenti con la stessa certezza e completezza con cui un vampiro rapace succhia la linfa vitale alle sue vittime.

I costumi non aiutano. Si potrebbe capire come questa idea potrebbe funzionare se ciascun attore fosse presentato in modo impeccabile in abito da sera, con accessori adeguatamente glamour a segnalare gli altri personaggi: un vassoio d’argento per Lane, un tovagliolo sul braccio per Merriman, una gonna per Cecily, una giacca di broccato per Lady Bracknell, un collarino da prete per il reverendo Chasuble, un pince-nez per Prism e gioielli e guanti per Gwendolyn (per esempio). Ma no. Qui gli attori sono stranamente scalzi, con camicie eleganti stropicciate e pantaloni da smoking, con cappelli, sciarpe, bastoni e smorfie su volti lucidi a indicare le differenze fra i personaggi.

Niente, in questa produzione, funziona. Manca di coesione, freschezza o intuizione. Così, come troppo spesso accade, il peso ricade interamente sul cast.

Simon Stallard si rivela l’interprete più dotato, con una leggerezza di tocco e un fascino perplesso e sardonicamente irresistibile che ben si adatta alla gamma di ruoli che affronta. La sua Cecily è stato il lavoro migliore, ma si sono intravisti anche sprazzi di un vero Jack. Nei confini della visione di Bessell, ha lottato con coraggio per trovare una strada che funzionasse per testo e personaggio, con gli occhi sempre accesi di possibilità e il corpo carico di energia. È un interprete da tenere d’occhio.

Bryan Hodgson—non, ahimè, un adepto del principio “less is more” nella caratterizzazione comica—ha arrancato a tratti, ma soprattutto per colpa della regia. Farlo interpretare Algernon nella prima scena in boxer di seta ha fatto sì che qualsiasi comprensione del personaggio andasse perduta, come risucchiata da un buco nero, e i tentativi di Hodgson (forse comprensibili) di compensare le gambe scoperte con volume e ferocia nel dire le battute non hanno aiutato. Era al suo meglio come Lady Bracknell, anche se ha mancato molte occasioni comiche che quel ruolo offre grazie ai silenzi; e al suo peggio come Prism in calore.

Dei due, Hodgson ha una voce teatralmente più bella, ma Stallard usa la propria con maggiore efficacia. Detto questo, è evidente che si divertono a lavorare insieme e i loro tentativi, sfacciati e senza freni, di realizzare la visione di Bessell sono pieni di brio ed energia.

Due attori promettenti, una cattiva idea e un grande testo. La mia poltrona si è fatta gelida dal dispiacere.

L’importanza di chiamarsi Ernesto va in scena il 19 e 20 ottobre.

Biglietti su www.uniontheatre.biz