RESEÑA: La importancia de llamarse Ernesto, Union Theatre ✭✭

La importancia de llamarse Ernesto Union Theatre 13 de octubre de 2014 2 estrellas

Hay un momento hacia el final del segundo acto del musical ganador del Pulitzer How To Succeed In Business Without Really Trying en el que J B Biggley y Wally Womper están hablando de la mala idea de una búsqueda del tesoro. Womper está furioso y Biggley intenta desviar la culpa centrándose en J Pierrepont Finch, afirmando que cuando Finch le planteó la idea de una búsqueda del tesoro pensó que era una idea pésima. Womper le pregunta entonces por qué siguió adelante y él responde: «Parecía una buena idea».

Mientras veía la producción de Jaq Bessell de la obra maestra cómica de Oscar Wilde, La importancia de llamarse Ernesto, que ahora ofrece una breve temporada en el Union Theatre (en los días en que el teatro, de otro modo, estaría a oscuras durante la temporada de Love Story), esa secuencia no dejaba de repetirse en mi cabeza.

Bessell es claro respecto a su intención de “hacer algo” con la obra, en marcado contraste con la reciente temporada en el West End de la última aberración de Lucy Bailey que llevaba el nombre de la pieza de Wilde, y eso es de agradecer. Al menos el público sabe, más o menos, qué es lo que probablemente va a ver.

El concepto de Bessell incluye lo siguiente: dos actores masculinos interpretando todos los papeles; los actores con acceso a un libreto en escena; los actores aparentando echarlo a suertes para decidir quién interpretará qué conjunto de personajes (básicamente Jack y todos los que se relacionan con Algernon, y en gran medida a la inversa); uso mínimo de atrezzo y escenografía; toques absurdistas para exprimir un momento; anacronismos modernos; mímica de canto; algún baile (y cuando digo alguno, quiero decir verdaderamente raro); ruptura de la cuarta pared; e introducción de referencias sexuales de mal gusto.

Y, en realidad, no hay razón para que muchas de esas ideas no pudieran funcionar. El teatro contemporáneo está lleno de ejemplos de elencos reducidos que interpretan varios papeles al servicio del espíritu del texto o del montaje: la reveladora producción de Cymbeline de Fiasco Theatre, con seis intérpretes, en el Barrow Street Theatre de Nueva York, o las exitosísimas temporadas de Potted Potter y The Reduced Works of William Shakespeare son ejemplos evidentes de este concepto funcionando de manera espectacular.

No es la primera vez que hombres se enfrentan a los papeles femeninos de la obra: Hinge y Brackett lo hicieron hace mucho, y otros lo han hecho antes y después; Geoffrey Rush dio recientemente su Lady Bracknell en Melbourne.

La idea de lanzar una moneda para adjudicar un papel puede aportar un plus de emoción a la función, pero hace falta que quede claro que el resultado es realmente una sorpresa para los actores y no simplemente parte del numerito. Aquí era imposible saberlo.

Pero esa no es la verdadera mala idea. El estilo —o la ausencia de él— es aquí el enemigo implacable y sin concesiones.

Wilde escribió un diálogo chispeante, que requiere una dicción rápida y con un tempo perfecto para alcanzar el placer que pretende. De forma inexplicable, Bessell ha permitido una entrega reflexiva, casi plúmbea, de las frases: no siempre, pero casi siempre. Hay melancolía, una falsa profundidad que asfixia el humor. Las líneas de diálogo no son algo accesorio, señor Bessell.

La falta de estilo —o quizá la adopción de un enfoque antiestilo— arrasa los aspectos físicos de la producción del mismo modo que Aníbal arrasó a los romanos a orillas del lago Trasimeno. No hay cohesión: es el Anything Goes de Wilde. Las viñetas musicales y de baile desconciertan; su propósito es indescifrable. Lo único que hacen es frenar el flujo de la narración.

Las referencias sexuales explícitas son innecesarias y, para esta obra, fatalmente perjudiciales, porque trata precisamente del deseo y las emociones reprimidas. Una “posición semi-recostada” no implica a un joven con los pantalones a media asta, con bóxers ajustados llamando la atención sobre un trasero respingón. Ver a Gwendolyn como una obsesionada por el sexo es no entender en absoluto al personaje. Transformar a Miss Prism de solterona adusta y glacial en el equivalente a la bicicleta comunitaria de un complejo de jubilados al ver a un Chasuble tullido, quizá jorobado, le roba el encanto a esos momentos tan seguramente y tan por completo como un vampiro voraz succiona la vida de sus víctimas.

El vestuario no ayuda. Se podría ver cómo esta idea podría funcionar si cada actor estuviera impecablemente presentado de etiqueta, con los complementos adecuados para señalar a otros personajes: una bandeja de plata para Lane, una servilleta sobre el brazo para Merriman, una falda para Cecily, un abrigo de brocado para Lady Bracknell, un alzacuellos para el reverendo Chasuble, unos quevedos para Prism y joyas y guantes para Gwendolyn (por ejemplo). Pero no. Aquí los actores van, curiosamente, descalzos, con camisas de vestir arrugadas y pantalones de esmoquin, con sombreros, bufandas, bastones y muecas de caras sedosas marcando las diferencias entre personajes.

Nada en la producción funciona. Le falta cohesión, frescura o perspectiva. Así que, como ocurre con demasiada frecuencia, la carga recae de lleno sobre el reparto.

Simon Stallard resulta ser el intérprete con más talento, con una ligereza de toque y un encanto perplejo y sardónico que se ajusta al abanico de papeles que aborda. Su Cecily fue su mejor trabajo, aunque también hubo destellos de un Jack auténtico. Dentro de los límites de la visión de Bessell, luchó con valentía por encontrar un camino que funcionara para el texto y el personaje, con la mirada siempre despierta a la posibilidad y el cuerpo cargado de energía. Es un intérprete a tener en cuenta.

Bryan Hodgson —que, ay, no es precisamente un adepto del “menos es más” en la caracterización cómica— se vio algo perdido, aunque principalmente por culpa de la producción. Hacerle interpretar a Algernon en la primera escena con bóxers de seda garantizó que cualquier comprensión del personaje se perdiera, como si la hubiera tragado un agujero negro, y los intentos de Hodgson (quizá comprensibles) de compensar sus piernas al aire con volumen y ferocidad en la dicción no ayudaron. Estuvo mejor como Lady Bracknell, aunque desaprovechó muchas de las oportunidades cómicas que ofrece el silencio en ese papel, y peor como la Prism salida.

De los dos, Hodgson tiene una voz con mejor proyección teatral, pero Stallard utiliza la suya con mayor eficacia. Con todo, es evidente que disfrutan trabajando juntos y sus intentos, sin pudor y sin freno, por cumplir la visión de Bessell están llenos de brío y energía.

Dos actores prometedores, una mala idea y una gran obra. Mi butaca se quedó helada de pena.

La importancia de llamarse Ernesto se representa los días 19 y 20 de octubre.

Reserva entradas en www.uniontheatre.biz