CRÍTICA: A Importância de Ser Sério, Union Theatre ✭✭

A Importância de Ser Ernesto Union Theatre 13 de outubro de 2014 2 Estrelas

Há um momento, perto do fim do Segundo Acto do musical vencedor do Prémio Pulitzer How To Succeed In Business Without Really Trying, em que J B Biggley e Wally Womper discutem a má ideia de uma caça ao tesouro. Womper está furioso e Biggley tenta desviar as culpas, concentrando-se em J Pierrepont Finch, afirmando que, quando Finch lhe trouxe a ideia de uma caça ao tesouro, lhe pareceu uma ideia péssima. Womper pergunta então por que razão Biggley avançou com isso, e ele responde: “Parece que era uma boa ideia.”

Enquanto via a produção de Jaq Bessell da obra-prima cómica de Oscar Wilde, A Importância de Ser Ernesto, agora em curta temporada no Union Theatre (em dias em que o teatro, de outra forma, estaria às escuras durante a temporada de Love Story), essa sequência não parava de se repetir na minha cabeça.

Bessell é frontal quanto à sua intenção de “fazer algo” com a peça, em forte contraste com a recente temporada no West End da mais recente paródia de Lucy Bailey que usou o nome da peça de Wilde — e isso é louvável. Pelo menos o público sabe, à partida, o que é provável que vá ver.

O conceito de Bessell envolve o seguinte: dois actores homens a interpretarem todas as personagens; os actores com acesso ao texto em palco; os actores aparentemente a atirarem moeda ao ar para decidir quem fica com que conjunto de personagens (essencialmente Jack e todos os que interagem com Algernon e, em grande medida, o inverso); uso mínimo de adereços e cenografia; toques absurdistas para “espremer” um momento; anacronismos modernos; mímica de canto; a dança ocasional (e digo mesmo ocasional, no sentido estranho do termo); quebra da quarta parede; introdução de referências sexuais de mau gosto.

E, na verdade, não há razão para que muitas dessas ideias não possam resultar. O teatro contemporâneo está cheio de exemplos de elencos reduzidos a fazerem múltiplos papéis ao serviço do espírito do texto ou da encenação: a produção reveladora de Cymbeline da Fiasco Theatre, com seis intérpretes, no Barrow Street Theatre em Nova Iorque, ou as temporadas muito bem-sucedidas de Potted Potter e The Reduced Works of William Shakespeare são exemplos óbvios de um conceito que pode funcionar de forma espectacular.

Não é a primeira vez que homens assumem os papéis femininos nesta peça — Hinge e Brackett fizeram-no há muito, e houve outros antes e depois — Geoffrey Rush interpretou a sua Lady Bracknell recentemente em Melbourne.

A ideia de decidir um papel ao lançar uma moeda pode acrescentar um frisson extra à apresentação, mas é preciso que fique claro que o resultado é, de facto, uma surpresa para os actores e não apenas parte da graçola. Aqui, não foi possível perceber.

Mas essa não é a verdadeira má ideia. O estilo — ou a sua ausência — é aqui a bête noire intransigente e implacável.

Wilde escreveu um diálogo cintilante, que exige uma entrega rápida e perfeitamente ritmada para alcançar o prazer a que se propõe. Inexplicavelmente, Bessell permitiu uma dicção contemplativa, quase pastosa, das falas — não sempre, mas quase sempre. Há melancolia, uma falsa profundidade que asfixia o humor. As falas não são um detalhe irrelevante, Sr. Bessell.

A falta de estilo — ou talvez a adopção de uma abordagem anti-estilo — devasta os aspectos físicos da produção como Aníbal devastou os Romanos nas margens do Lago Trasimeno. Não há coesão — é o Anything Goes de Wilde. As vinhetas musicais e de dança são desconcertantes, com um propósito impossível de discernir. Tudo o que fazem é interromper o fluxo da narrativa.

As referências sexuais explícitas são desnecessárias e, fatalmente, comprometedoras para esta peça, que é toda sobre desejo e emoções reprimidos. Uma “posição semi-reclinada” não implica um jovem com as calças a meio pau, boxers justos a chamar a atenção para um rabo empinado. Ver Gwendolen como obcecada por sexo é não compreender a personagem. Transformar Miss Prism de solteirona austera e glacial no equivalente à “bicicleta” do lar de idosos à vista de um Chasuble coxo, talvez corcunda, retira o encanto desses momentos tão certamente e tão completamente como um vampiro rapace suga a força vital das suas vítimas.

Os figurinos não ajudam. Percebe-se como isto poderia funcionar como ideia se cada actor estivesse impecavelmente apresentado em traje de noite, com acessórios adequadamente glamorosos a assinalar as outras personagens: uma bandeja de prata para Lane, um guardanapo sobre o braço para Merriman, uma saia para Cecily, um casaco de brocado para Lady Bracknell, uma coleira clerical para o Reverendo Chasuble, um pince-nez para Prism e jóias e luvas para Gwendolen (por exemplo). Mas não. Aqui os actores aparecem, de forma curiosa, descalços, com camisas de vestir amarrotadas e calças de smoking, com chapéus, cachecóis, bengalas e caretas em rostos lustrosos a marcarem diferenças entre personagens.

Nada nesta produção funciona. Falta-lhe coesão, frescura ou perspicácia. Assim, como tantas vezes acontece, o peso recai directamente sobre o elenco.

Simon Stallard revela-se o intérprete mais dotado, com uma leveza de toque e um encanto perplexo e sardónico que se adequa ao leque de papéis que assume. A sua Cecily foi o seu melhor trabalho, mas também houve vislumbres de um verdadeiro Jack. Dentro dos limites da visão de Bessell, lutou com bravura para encontrar um caminho que servisse o texto e a personagem, com os olhos sempre vivos de possibilidade e o corpo carregado de energia. É um actor a acompanhar.

Bryan Hodgson — não, infelizmente, um adepto da abordagem “menos é mais” na caracterização cómica — debatia-se aqui e ali, mas sobretudo por causa da encenação. Pô-lo a fazer de Algernon na primeira cena em boxers de seda garantiu que qualquer compreensão da personagem se perdesse, como se fosse engolida por um Buraco Negro; e as tentativas de Hodgson (talvez compreensíveis) de compensar as pernas ao léu com volume e ferocidade na entrega não ajudaram. Esteve no seu melhor como Lady Bracknell, embora tenha desperdiçado muitas oportunidades de comédia que o silêncio oferece a esse papel, e no seu pior como a Prism fogosa.

Dos dois, Hodgson tem uma voz de maior sonoridade teatral, mas Stallard usa a sua voz com melhor efeito. Ainda assim, é evidente que gostam de trabalhar juntos e as suas tentativas, sem pudor e sem contenção, de concretizar a visão de Bessell estão cheias de garra e vigor.

Dois actores promissores, uma má ideia e uma grande peça. A minha cadeira ficou gelada de tristeza.

A Importância de Ser Ernesto está em cena a 19 e 20 de outubro.

Reserve bilhetes em www.uniontheatre.biz