REZENSION: Der Kaufmann von Venedig, Almeida Theatre ✭✭✭✭✭

Der Kaufmann von Venedig

Almeida Theatre

20. Dezember 2014

5 Sterne

„Dieses Stück hat mich schon immer fasziniert. Ich habe die Inszenierung bei der RSC nicht gesehen, aber ich habe darüber gelesen, und da ich Rupert kenne, dachte ich: ‚Was für eine gute Idee. Das wird das Stück befreien.‘ Alle Stücke brauchen einen erfinderischen Zugriff, aber die Verwicklungen dieses hier müssen wirklich herausgearbeitet werden, und es muss eine alles umspannende Idee gefunden werden, um ihnen Leben einzuhauchen … Noch etwas – John Barton redet darüber, und er hat recht – die Stücke sind voll von Widerspruch und Ambivalenz. Und wenn man eine Inszenierung an einem ganz bestimmten Griff festmacht, wird diese Ambivalenz manchmal weggewischt. Beim Kaufmann von Venedig ist einer der Reize, dass das ganze Erlebnis immer wieder aufbricht. Unser Ansatz hebt genau das hervor.“

Das sind die Worte von Ian McDiarmid, der derzeit als Shylock in Rupert Goolds Wiederaufnahme seiner vielgelobten Inszenierung von Der Kaufmann von Venedig für die RSC zu sehen ist – aktuell am Almeida Theatre. Ich sage ganz bewusst „Wiederaufnahme“, denn dies ist, in jeder Hinsicht, nicht dieselbe Produktion, die das Publikum in Stratford gesehen hat. Nein. Die alles umspannende Idee mag dieselbe sein, aber – wie McDiarmid andeutet – es gibt mehr Ambivalenz, und das Erlebnis wird immer wieder gebrochen, wenn unterschiedliche Figuren oder Themen in den Vordergrund rücken.

Das ist nichts Schlechtes. Auch wenn diese Fassung vielleicht nicht so komisch ist wie die RSC-Version, besitzt sie zugleich eine grössere Geschlossenheit. So wie nicht alles, was glänzt, Gold ist, sind die Dinge auch selten das, was sie zu sein scheinen. Ambivalenz ist hier das Fundament von Goolds Vision.

Goolds alles umspannende Idee ist, den Text in die Gegenwart zu verlegen – an den vermeintlich grössten „Geld für nichts“-/Zufalls-Mekka-Ort des Planeten: Las Vegas. Das ermöglicht Szenen der Extravaganz rund um Glücksspiel, schrille Reality-TV-Shows, Junggesellenabschiede, kommerzielle Deals, Klagen, Elvis-Imitatoren und den übrigen Unrat von Geldmacherei und Herzschmerz. Das Gefühl von Übermass, Schmierigkeit und Verschwendung ist allgegenwärtig. Und darunter: ein deutlicher Geruch von Gewalt und Gefahr.

Tom Scutts Bühnenbild ist überwältigend attraktiv. Verführerisches Blau und Gold veredeln die Strukturen, in denen das Geschehen stattfindet – ein Casino-Spielsaal, eine Brücke, ein Kanal, ein Fernsehstudio, ein Zuhause. Jeder Raum erwacht unmittelbar zum Leben vor dem unveränderlichen, aber grell fesselnden Panorama von Venedig und Las Vegas: Zeit und Raum verschmelzen im Glitzerland, in dem Antonio und Shylock ihre geschäftlichen Risiken eingehen.

So ist der Schauplatz zwar sofort vertraut, zugleich aber unwirklich – und das erlaubt, das Stück als Mahnung zu lesen, in der Motive, Moral und Monster unerwartete Gestalt annehmen können. Gier und Entscheidung rücken hier ins Zentrum.

Es ist eine geniale Idee, Portias Ehemannsuche als Reality-TV-Show anzulegen. Portia hat keine Wahl in ihrem Schicksal – der Wille ihres Vaters verfügt, dass sie den Mann heiraten muss, der das richtige Kästchen wählt, dasjenige mit ihrem Bildnis. Das Reality-Format erleichtert den Zugang zu Portias Zwangslage und sorgt zudem für echte Lacher. Ich habe diese Szenen auf der Bühne selten besser funktionieren sehen als hier – und Scutts Design ist dafür entscheidend.

Weitere Entscheidungen stehen im Zentrum von Goolds Vision: Bassanios Entscheidung, Antonio um 3 Millionen Dollar als Darlehen zu bitten, damit er Portia umwerben und so sein Vermögen sichern kann; Antonios Entscheidung, Bassanio zu helfen, als Bürge einzustehen und den Kredit zu Shylocks speziellen Bedingungen abzusichern; Jessicas Entscheidung, vor ihrem Vater Shylock zu fliehen und Lorenzo zu heiraten; Bassanios Wahl des Kästchens; Shylocks Entscheidung, den Schuldschein durchzusetzen; Portias Entscheidung, Shylock einen Ausweg anzubieten – und seine Entscheidung, das Angebot abzulehnen; Antonios Entscheidung, Shylock „Gnade“ anzubieten – und seine, sie anzunehmen; Bassanios Entscheidung, Portias Ring wegzugeben – und ihre Entscheidung, ihn dafür büssen zu lassen; Antonios Entscheidung, Bassanio den Rücken zu kehren.

Jede dieser Entscheidungen ist zugleich ein Wagnis – und jede hat nachhaltige Folgen. Der Las-Vegas-Schauplatz hilft, den Blick des Publikums auf das Spiel mit dem Leben zu lenken, das dieses Stück antreibt. Subtil ist das nicht, aber als Rahmen funktioniert es hervorragend. Man kann kaum anders, als bei jeder Szene an Geld und Zufall zu denken. Das groteske, exotische Umfeld lässt einen ausserdem genauer über das Wesen der Schurkerei nachdenken, wie Shakespeare es hier auslotet.

Wer ist hier der wahre Schurke? Shylock gilt meist als Bösewicht des Stücks, weil er ein Pfund tatsächliches Fleisch aus Antonios Brust fordern will. Aber Antonio hat dem Geschäft zugestimmt, kannte die Bedingungen und wollte Bassanio beeindrucken und sich bei ihm einschmeicheln. Warum sollte Shylock nicht bekommen, was Antonio freiwillig angeboten hat? Warum sollte Shylock, der seinen Teil des Geschäfts eingehalten hat, sich dem öffentlichen Druck beugen und seinen rechtsgültigen Vertrag nicht erfüllt sehen? Zumal Antonio Shylock – vor und nach Vertragsabschluss – mit derart brutaler Verachtung behandelt?

Ist Bassanio der wahre Schurke? Sein verschwenderischer Lebensstil und die Jagd nach dem schnellen Geld bringen erst die Schicksale der anderen in diese Gefahr. Er kokettiert mit Antonio, der ihm offenkundig begehrlich verfallen ist, und er wirbt um Portia nicht aus Liebe, sondern wegen ihres Geldes. In der berühmten Gerichtsszene erklärt er, er liebe Antonio mehr als sein eigenes Leben – mehr als seine eigene Frau. Er scheint bereit, alles zu sagen und zu tun, um gut dazustehen.

Portia liefert die Lösung für Antonios Schicksal – aber was sagt diese Lösung über sie aus? Das Gesetz, das sie enthüllt und das Shylock zu Fall bringt und ihn seines Besitzes beraubt, betrifft nur „Fremde“ – ein rassistisches Gesetz –, sodass Antonio im umgekehrten Fall Shylocks Fleisch hätte fordern können, ohne Gefahr zu laufen. Portia, oft als Dienerin von Recht und Moral gesehen, lässt dieses ungerechte Gesetz bereitwillig zu Shylocks Nachteil wirken, obwohl es nicht nötig wäre – es gibt keinen juristischen Grund, weshalb sie Shylock nicht widerrufen lassen und die Rückzahlung der Hauptsumme akzeptieren könnte. Sie ist bereits als geldgetrieben entlarvt (sonst: warum widerruft sie nicht das Erbe des Vaters und sucht sich ihren Mann selbst? Diesen Weg geht Jessica schliesslich) und als rassistisch („Mögen alle von seiner Hautfarbe sich so eine wählen.“). Die Gerichtsszene zeigt sie in ihrer beweglichsten und zugleich bösartigsten Form; und sie zeigt auch ihr Verständnis der öden Zukunft, die sie als Bassanios Ehefrau erwartet.

Das sind Fragen, auf die Goold in seiner lebendigen, energiegeladenen Inszenierung fokussiert und die er gründlich auslotet. Er weicht den antisemitischen Aspekten des Stücks nicht aus – und er weicht überhaupt nichts aus. Die Bandbreite der verhandelten Themen ist faszinierend; die Art, wie sie verhandelt werden, nicht minder.

Ian McDiarmid ist ein aussergewöhnlicher, einzigartiger Shylock. Er ist so monströs, wie man es sich nur vorstellen kann – sein Akzent erst recht. Irgendwie umfasst dieser Akzent jede vorstellbare Art von Juden; manchmal ist er fast unverständlich, aber der Sinn bleibt immer klar. Er verkörpert den fantasierenden Horror-Juden, als den ihn offenbar alle „christlichen“ Figuren des Stücks sehen – und zugleich ist er ein vollendeter Geschäftsmann, ein makelloser Verhandler, ein scharfzüngiger, ironischer Erzähler und ein harter Vater.

Durch den gesamten ersten Akt hindurch erleidet McDiarmids Shylock Demütigung um Demütigung; er wird beschimpft und gedemütigt, ausgegrenzt – und von seiner Tochter zurückgewiesen. Doch die ganze Zeit wahrt er eine Ambivalenz darüber, ob er Antonios Schuldschein wirklich durchsetzen wird. Erst als er ganz unten angekommen ist – nachdem Jessica aus seinem Haus und aus seiner Religion geflohen ist und er begreift, wie er ausgetrickst wurde, damit sie das schaffen konnte –, verhärtet er sich, vor den Augen des Publikums, und beschliesst, Antonio buchstabengetreu an den Vertrag zu binden. Sein Weg zum Messer an Antonios Brust ist also nicht in dem Moment festgeschrieben, in dem die Tinte trocknet – es sind die Handlungen der anderen, einschliesslich Antonios, die ihn dazu treiben, „Gerechtigkeit“ zu fordern.

In der Gerichtsszene ist er elektrisierend – so packend und aufmerksamkeitsheischend, wie man es erwarten würde. Er ist unerbittlich widerwärtig und zahlt seinen Peinigern – von denen Antonio der lautstärkste ist – mit „Auge um Auge“ zurück. Sein langsames, methodisches Schärfen des Messers; der Moment, in dem McDiarmid mit schwarzem Stift die Linien des geplanten Schnitts auf Antonios nackter Brust nachzeichnet – das ist schauderhaft bis ins Mark. Genauso wie seine Zerschlagung erst durch Portia, dann durch Antonio und schliesslich durch den Herzog. Er wird buchstäblich von seinen Gegnern angespuckt und schleppt sich in einer erschütternden Demonstration von Qual und Elend aus dem Gerichtssaal, stösst einen seelenerschütternden Schrei aus Wut und Reue aus. Es ist, denke ich, unmöglich, für diesen Shylock nicht ein gewisses Mitgefühl zu empfinden.

Susannah Fielding ist eine Portia wie keine andere. Ein verpeiltes Glamour-Girl aus dem Showbiz im Reality-TV-Modus, verzweifelt und getrieben, sobald die Kameras aus sind. Wenn Bassanio das richtige Kästchen wählt (Portias Hinweisen folgend), nimmt Goold alle grellen Studio-Lichter heraus – während Bassanio seine Braut und ihr Geld bekommt, sehen Portia und das Publikum ihn zum ersten Mal so, wie er wirklich ist. Sich windend, abstossend, unsicher. Doch dieser Moment entblösst auch Portia, und Fielding spielt meisterhaft die widersprüchlichen Gefühle und Traumata, die diese Portia ausmachen.

Ihre Arbeit in der Gerichtsszene ist magisch. Fielding ist verzweifelt und grossartig – sie reitet die Wellen, während sie unermüdlich versucht, erst Shylock zu retten, dann Antonio und schliesslich das, was von ihrer Ehe übrig ist. Der Blick in Fieldings Gesicht, als sie begreift, dass ihr Bassanio nichts liebt ausser sich selbst, ist bemerkenswert – ebenso ihr Abgleiten in den Wahnsinn, wenn das alberne Ring-Spiel in der letzten Szene vorbei ist: Fielding zeigt einen rohen, gebrochenen Schrecken, den Geist ihres kommenden Lebens, während sie in fragmentierter, monströser Verzweiflung tanzt, nachdem sie verstanden hat, dass Bassanios Selbstbesessenheit ihr Lebenspartner ist – während Jamie Beamishs Elvis-Imitator Lancelot Gobbo „Are You Lonsesome Tonight?“ singt.

Fielding ist eine leuchtende Schauspielerin. Sie legt in jede Phrase ihre Seele; ihre Portia wird einem lange nachgehen, so nuanciert, sorgfältig und präzise ist ihre Leistung. Es ist nicht nur die „Quality of Mercy“-Rede (wunderschön gestaltet), sondern jeder Aspekt der Rolle. Ist ihre Portia wirklich so dumm, wie sie wirkt – oder ist das nur die Fassade, die sie errichtet, um zu überleben, so wie auch Antonio und Shylock Fassaden annehmen? Eine gute Frage – und Goold und Fielding bringen einen wirklich dazu, darüber nachzudenken.

Tom Weston-Jones glänzt als Bassanio. Er ist gut genug aussehend, um Antonio glaubhaft aus dem Tritt zu bringen, und flirtet mühelos mit allen. Er ist der pansexuelle Gigolo: narzisstisch und zu allem fähig. Es wirkt völlig plausibel, wenn er als Herkules verkleidet auftaucht, um das Kästchen zu wählen und Portias Hand zu gewinnen. Weston-Jones ist in Bestform, und in seinen Händen erscheint Bassanio hier als die eigentlich verabscheuungswürdige Figur.

Als Vierter im zentralen Quartett ist Scott Handys Antonio der archetypische arrogante Banker: sicher, dass seine Investments ihm Geld einbringen, überzeugt, alles kaufen zu können – auch Bassanios Liebe und Körper –, und so erfüllt von Rassismus und Überheblichkeit, dass er bereit ist, sein Leben als Sicherheit gegenüber einem Mann zu verpfänden, den er allein wegen dessen Herkunft verachtet. Steif, unerquicklich und dann elend, aber stolz, selbst am Rand des Todes, verleiht Handy dem titelgebenden Kaufmann ein wirklich scharfes, unangenehmes Leben. Es ist ein ungemein kraftvoller Moment, wenn er dem gierigen Bassanio den Rücken kehrt.

Caroline Martin ist eine gute Jessica und gibt einen echten Einblick in das Leben jener, die ihrer eigenen Familie und Religion den Rücken kehren, um sich „zu verändern“. Ihre Arbeit mit Finlay Robertsons Lorenzo ist hervorragend und bildet einen schonungslos realen Gegenpol zu den Leben von Portia und Bassanio. Zwei Paare, die glauben, zu bekommen, was sie wollen – und es beinahe sofort bereuen. Ein interessanter Zugriff.

Ausgezeichnet sind auch Anthony Welsh als Gratiano, Emily Plumtree als Americas, Vinta Morgan als Prinz von Marokko und Mary Holden als Conscience.

Rick Fisher beleuchtet das Geschehen sorgfältig und sicher, und Adam Cork liefert gute Musik für das Stück. Die eingestreuten Elvis-Songs bieten reichlich Gelegenheit für Lacher und Kommentar – nahezu im gleichen Mass; und Beamish stürzt sich darauf mit sichtlichem Vergnügen.

Das ist kein gewöhnlicher Kaufmann von Venedig; er ist in vielerlei Hinsicht unverwechselbar. Niemand war überraschter als ich, dass die amerikanischen Akzente weder der Erzählung noch dem Vers im Weg standen – aber sie taten es nicht. Im Gegenteil: Irgendwie machen der Schauplatz und der Ansatz das gesamte Erlebnis sogar noch zugänglicher.

Es wird nicht allen gefallen, aber wenn man es zu seinen eigenen Bedingungen annimmt, ist es eine aufregende und scharfsinnige Vergegenwärtigung eines Stücks, das angeblich jeder kennt – und von Figuren, die man zu verstehen glaubt. Tage später hallen Szenen und Bilder und sogar Gesprächsfetzen noch in mir nach und zwingen mich, darüber nachzudenken, was diese Inszenierung erreicht hat.

2015 nehmen sich sowohl The Globe als auch die RSC Der Kaufmann von Venedig vor. Das ist zweifellos ein Zeichen, dass die Zeit reif ist für diese Demontage kommerzieller Transaktionen und für den Schrecken, Menschen wegen ihrer Andersartigkeit anders zu behandeln. Aber beide Produktionen werden schon aussergewöhnlich sein müssen, um die Erinnerungen und bleibenden Eindrücke von Goolds Arbeit hier zu verdrängen. Ob man es liebt, mag oder hasst – die Almeida-Produktion ist eine grosse Leistung, ein Meilenstein; einer, über den man noch lange sprechen und streiten wird.

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