CRITIQUE : Le Marchand de Venise, Théâtre Almeida ✭✭✭✭✭

Le Marchand de Venise

Théâtre Almeida

20 décembre 2014

5 Étoiles

« Cette pièce m'a toujours fasciné. Je n'ai pas vu la production au RSC mais j'en ai lu des critiques, et connaissant Rupert, je me suis dit : "Quelle bonne idée. Cela va libérer la pièce." Toutes les pièces nécessitent une approche inventive, mais les complications de celle-ci doivent vraiment être mises en avant, et il faut trouver une idée globale pour leur donner vie... Une autre chose - John Barton en parle et il a raison - les pièces sont remplies de contradictions et d'ambiguïtés. Et si on se fixe sur une approche précise d'une production, parfois l'ambiguïté disparaît. Avec Le Marchand de Venise, l'un des plaisirs est que l'ensemble de l'expérience est régulièrement fracturé. Notre approche met cela en avant."

Ce sont les mots d'Ian McDiarmid, actuellement dans le rôle de Shylock dans la reprise très acclamée par Rupert Goold de sa production du Marchand de Venise pour le RSC, actuellement joué au Théâtre Almeida. Je dis reprise spécifiquement car ce n'est, sous aucun aspect, la même production que celle vue par les spectateurs à Stratford. Non. Ici, l'idée englobante peut être la même, mais, comme l'indique McDiarmid, il y a une plus grande ambiguïté et l'expérience est répétitivement fracturée, à mesure que différents personnages ou thèmes prennent le devant de la scène.

Ce n'est pas une mauvaise chose. Bien que cette version ne soit pas aussi drôle que celle du RSC, elle a aussi une plus grande cohérence. Tout ce qui brille n'est pas or, et les choses ne sont que rarement ce qu'elles semblent être. L'ambiguïté est le fondement de la vision de Goold ici.

L'idée englobante de Goold est de situer le texte à l'époque moderne dans le plus grand Mecca perçu du hasard et de l'argent facile sur la planète : Las Vegas. Cela permet des scènes d'extravagance centrées autour du jeu, des émissions de télé-réalité criardes, des enterrements de vie de garçon, des transactions commerciales, des procès, des imitateurs d'Elvis et d'autres débris du gain d'argent et des peines de cœur. Le sens de l'excès, de la crasse et de la prodigalité est omniprésent. Et sous tout cela, une odeur claire de violence et de danger.

La scénographie de Tom Scutt est incroyablement séduisante. Le bleu et l'or séduisants rehaussent les structures où se déroule l'action - une salle de jeu de casino, un pont, un canal, un studio de télévision, une maison. Chaque espace prend immédiatement vie devant le sentiment inaltérable, mais irrésistiblement attirant, de Venise et Las Vegas : le temps et l'espace se fusionnent dans le pays de pacotille où Antonio et Shylock prennent leurs risques commerciaux.

Donc, bien que le décor soit immédiatement familier, il est également irréel, ce qui permet l'idée que la pièce soit un conte moral, où motivations, morales et monstres peuvent prendre une forme inattendue. La cupidité et le choix deviennent ici le centre d'intérêt.

C'est une idée inspirée de définir la quête de Portia pour un mari comme une émission de télé-réalité. Portia n'a pas de choix dans son destin - le testament de son père a décrété qu'elle doit épouser l'homme qui sélectionne le bon coffret, celui contenant son image. Le format de l'émission permet un accès facile à la situation de Portia, tout en fournissant de véritables rires. Je n'ai jamais vu ces scènes mieux fonctionner sur scène que ici, et la scénographie de Scutt y joue un rôle clé.

Il y a d'autres choix centraux à la vision de Goold : le choix de Bassanio de demander à Antonio 3 millions de dollars comme prêt pour courtiser Portia et ainsi sécuriser sa fortune ; le choix d'Antonio d'aider Bassanio, de se porter garant et de sécuriser le prêt aux conditions spécifiques de Shylock ; le choix de Jessica de fuir son père, Shylock, et d'épouser Lorenzo ; le choix de coffret de Bassanio ; le choix de Shylock de faire appliquer le contrat ; le choix de Portia d'offrir à Shylock une issue de secours et son refus de cette offre ; le choix d'Antonio d'offrir "miséricorde" à Shylock et celui de ce dernier de l'accepter ; le choix de Bassanio de céder la bague de Portia et son choix de le faire souffrir pour cela ; le choix d'Antonio de tourner le dos à Bassanio.

Chacun de ces choix est également un pari, et chacun a des répercussions durables. Le décor de Las Vegas aide à permettre au public de se concentrer sur le jeu de vie qu'insuffle la pièce. Ce n'est en aucun cas subtil, mais c'est un dispositif de cadrage solide. Vous ne pouvez pas vous empêcher de penser à l'argent et à la chance à chaque déroulement de scène. Le cadre grotesque et exotique vous fait également penser davantage à la nature de la vilenie telle que Shakespeare l'explore ici.

Qui est le véritable méchant ici ? Shylock est généralement considéré comme le méchant de la pièce, parce qu'il cherche à extraire une livre de chair réelle de la poitrine d'Antonio. Mais Antonio a accepté l'accord, connaissant ses termes, voulant impressionner et attirer la faveur de Bassanio. Pourquoi Shylock ne devrait-il pas avoir ce qu'Antonio a offert volontairement ? Pourquoi Shylock, qui a respecté sa part du marché, devrait-il céder à la pression publique et ne pas voir son contrat légal rempli ? Surtout là où, avant et après que l'accord ait été conclu, Antonio traite Shylock avec un tel mépris vicieux ?

Est-ce Bassanio le vrai méchant ? C'est son style de vie prodigue et sa recherche d'un gain rapide qui causent la mise en péril de toutes les fortunes des autres. Il est une tentation pour Antonio, qui le désire clairement, et il cherche la main de Portia, non par amour mais pour son argent. Il dit à la Cour lors de la célèbre scène de procès qu'il aime Antonio plus que sa propre vie, sa propre femme. Il semble prêt à dire et à faire n'importe quoi pour être bien perçu.

Portia fournit la solution au destin d'Antonio, mais que dit cette solution d'elle ? La loi qu'elle révèle, qui conduit à la ruine de Shylock, à la perte de ses biens, est celle qui affecte uniquement les « étrangers » - une loi raciste - donc Antonio aurait pu demander la chair de Shylock si les rôles étaient inversés sans aucun danger. Portia, souvent vue comme la servante de la loi et de la moralité, laisse volontiers cette loi injuste fonctionner au détriment de Shylock quand cela n'est pas nécessaire - il n'y a aucune raison légale pour qu'elle ne laisse pas Shylock revenir sur sa décision et accepter le retour de son capital. Elle a déjà été révélée comme étant motivée par l'argent (sinon pourquoi ne renonce-t-elle pas à l'héritage de son père et trouve-t-elle elle-même un mari ? C'est d'ailleurs le choix de Jessica) et raciste ("Que tous ceux de son teint choisissent comme moi."). La scène du procès la montre à son maximum d'agilité et de cruauté ; et elle montre aussi sa compréhension de l'avenir stérile qui l'attend comme épouse de Bassanio.

Ce sont là des questions sur lesquelles Goold se concentre et qu'il explore de manière approfondie dans sa production animée et énergétique. Il ne se détourne pas des aspects antisémites de la pièce, mais il ne cherche pas non plus à les éviter - la gamme des questions explorées est fascinante ; la façon dont elles sont explorées l'est tout autant.

Ian McDiarmid est un Shylock extraordinaire et unique. Il est aussi monstrueux que possible, son accent en particulier. D'une manière ou d'une autre, son accent englobe tout type de Juif imaginable ; parfois il est presque incohérent mais le sens est toujours clair. Il incarne le type de Juif d'horreur fantastique que semblent être la manière dont tous les personnages "chrétiens" de la pièce le voient ; pourtant, en même temps, il est un homme d'affaires accompli, un négociateur impeccable, un raconteur spirituel et ironique et un père sévère.

Tout au long du premier acte, le Shylock de McDiarmid subit indignité après indignité ; il est abusé et humilié, ostracisé, et rejeté par sa fille. Mais tout le temps, il maintient une ambivalence quant à savoir s'il fera respecter la caution d'Antonio. Ce n'est que lorsqu'il a touché le fond, après que Jessica a fui son foyer et sa religion, et qu'il a réalisé comment il a été berné pour qu'elle puisse y parvenir, qu'il se durcit - sous vos yeux - et décide de tenir Antonio à la lettre du contrat. Ainsi, son chemin vers le couteau sur la poitrine d'Antonio n'est pas fixé une fois que l'encre est sèche sur le papier - ce sont les actions des autres, y compris Antonio, qui le poussent à exiger la "justice".

Il est électrisant dans la scène du procès, qui est aussi excitante et captivante qu'on pourrait s'y attendre. Il est implacablement vil, rendant à ses tortionnaires - dont Antonio est le plus vocal - œil pour œil. Son lent et méthodique aiguisage de son couteau ; le moment où McDiarmid trace au stylo noir les lignes de l'incision proposée sur la poitrine nue d'Antonio est terriblement morbide. Tout comme sa démolition par, d'abord, Portia, puis Antonio et ensuite le Duc. Il est littéralement couvert de crachats par ses adversaires et dans un étourdissant affichage d'angoisse et de douleur, il se traîne hors de la salle d'audience, exhalant un hurlement déchirant de rage et de regret. Il est, je pense, impossible de ne pas ressentir quelque compassion pour ce Shylock.

Susannah Fielding est une Portia comme aucune autre. Glamour de showbiz écervelé en mode émission de télé-réalité, désespérée et déterminée quand elle est hors caméra. Lorsque Bassanio choisit le bon coffret (suivant ses indices), Goold enlève toutes les lumières flashy du studio TV - alors que Bassanio obtient sa mariée et son argent, Portia et le public le voient tel qu'il est réellement pour la première fois. Désagréable, répugnant, incertain. Mais ce moment dépouille également Portia à nu et Fielding excelle à jouer les émotions conflictuelles et les traumatismes qui caractérisent cette Portia.

Son travail dans la scène du procès est magique. Fielding est désespérée et merveilleuse - elle surfe sur les différentes vagues alors qu'elle essaie inlassablement de sauver, d'abord, Shylock, puis, Antonio, et, enfin, ce qu'il reste de son mariage. Le regard sur le visage de Fielding lorsqu'elle réalise que son Bassanio n'aime rien d'autre que lui-même est tout à fait remarquable, tout comme sa descente dans la folie lorsque la stupide affaire des bagues est terminée dans la scène finale : Fielding montre une horreur brute et brisée, le fantôme de sa vie à venir, alors qu'elle danse dans un désespoir fragmenté et monstrueux, ayant compris que l'égocentrisme de Bassanio est son partenaire de vie, tandis que Lancelot Gobbo, l'imitateur d'Elvis de Jamie Beamish, chante "Are You Lonesome Tonight ?"

Fielding est une actrice lumineuse. Elle verse son âme dans chaque phrase ; sa Portia vous restera longtemps après, tant la nuance, le soin et la précision de son jeu impressionnent. Ce n'est pas seulement le discours sur la qualité de la miséricorde (superbement fait) mais chaque aspect du rôle. Sa Portia est-elle aussi idiote qu'elle en a l'air, ou est-ce simplement la façade qu'elle érige pour s'en sortir, de la même manière qu'Antonio et Shylock affectent des façades ? C'est une bonne question - et Goold et Fielding vous font vraiment y réfléchir.

Tom Weston-Jones excelle en tant que Bassanio. Il est suffisamment beau pour arrêter Antonio dans son élan et flirte avec tout le monde sans effort. Il est le gigolo omnisexuel, narcissique et capable de tout. Cela semble parfaitement compréhensible quand il se présente habillé en Hercule pour choisir le coffret et gagner la main de Portia. Weston-Jones est en pleine forme et entre ses mains, Bassanio se présente ici comme le véritable personnage méprisable.

Complétant le quatuor central, l'Antonio de Scott Handy est le banquier arrogant archétypal, sûr que ses investissements lui rapporteront de l'argent, croyant qu'il peut tout acheter, y compris l'amour et le corps de Bassanio, et tellement imprégné de racisme et d'arrogance qu'il est prêt à donner sa vie en caution à un homme qu'il méprise simplement à cause de sa race. Rigide, désagréable, puis misérable mais fier, même à l'approche de la mort, Handy donne une vraie vie âcre et déplaisante à l'éponyme Marchand. C'est un moment de pouvoir véritable lorsque qu'il tourne le dos au Bassanio avide.

Caroline Martin fait une bonne Jessica, offrant un véritable aperçu de la vie de ceux qui tournent le dos à leur propre famille et à leur propre religion pour se "changer". Son travail avec le Lorenzo de Finlay Robertson est excellent ; offrant un contrepoint féroce et réaliste aux vies de Portia et Bassanio. Deux couples qui pensent obtenir ce qu'ils veulent - mais le regrettent presque instantanément. C'est une prise intéressante.

Il y a également un excellent travail de la part d'Anthony Welsh en tant que Gratiano, Emily Plumtree en tant qu'Americas, Vinta Morgan en tant que Prince du Maroc et Mary Holden dans le rôle de la Conscience.

Rick Fisher éclaire les événements avec soin et assurance et Adam Cork fournit une bonne musique pour la pièce. L'interpolation des chansons d'Elvis offre de bonnes occasions de rire et de commenter, pratiquement à parts égales ; et Beamish attaque tout cela avec gourmandise.

Ce n'est pas un Marchand de Venise ordinaire ; il est distinctif à bien des égards. Personne n'a été plus surpris que moi que l'utilisation des accents américains n'ait pas gêné le récit ou les vers ; mais ce n'était pas le cas. En effet, d'une certaine manière, le cadre et l'approche rendent l'expérience beaucoup plus accessible.

Cela peut ne pas convenir à tout le monde, mais si vous l'embrassez selon ses propres termes, c'est une réalisation palpitante et perspicace d'une pièce que tout le monde pense connaître et de personnages qu'ils pensent comprendre. Des jours plus tard, des scènes, des images et même des bribes de dialogues résonnent encore en moi, me forçant à réfléchir à ce que la production a accompli.

2015 voit à la fois Le Globe et le RSC aborder le Marchand de Venise. Il ne fait aucun doute que cela est un signe que le moment est bon pour cette démolition des transactions commerciales et des horreurs de traiter les gens différemment à cause de leur différence. Mais ces deux productions devront être remarquables en effet pour dépasser les souvenirs et les impressions durables du travail de Goold ici. Aimez-le, aimez-le ou détestez-le - la production du Théâtre Almeida est une grande réalisation, un jalon ; un qui sera discuté et débattu pendant longtemps.

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