KRITIK: Der Widerspenstigen Zähmung, New Wimbledon Studio ✭✭✭✭✭

Der Widerspenstigen Zähmung

New Wimbledon Studio

27. Mai 2015

5 Sterne

TICKETS BUCHEN Als ich zur Press Night dieser neuen Produktion von Der Widerspenstigen Zähmung im New Wimbledon Studio ankam, kauerte draußen am Eingang ein heruntergekommener, großmäuliger Penner mit einer Bierdose. Ich dachte mir nichts weiter dabei – bis dieselbe Person im Zuschauerraum kurz vor Beginn auftauchte, lärmend mit dem Stage Manager interagierte, ein paar Stühle umwarf und einigen Zuschauenden leichten Ärger machte. Dann fiel der Groschen: Das Stück hatte längst begonnen, und wir steckten mitten in einer Szene – nicht in einem Vorfall, der die Polizei auf den Plan rufen würde, sondern in einer brillant improvisierten Fassung von „The Induction“, jenem Rahmenprolog für das „Stück im Stück“, als das diese frühe Shakespeare-Komödie angelegt ist. Als Christopher Sly, der trinkfeste Zecher, den man besänftigen und unterhalten muss, schenkte uns Christopher Neels den ersten von vielen neuen, klugen Blicken auf ein Werk, das in der jüngeren Aufführungstradition eher zur „problematischen“ Komödie geworden ist – und weniger als eines von Shakespeares leichteren, schäumenden Frühwerken gilt. Dieses Stück hat eine trübe Vorgeschichte. Es stammt aus den frühen 1590er-Jahren; es existieren zwei Versionen, deren Verhältnis zueinander und Shakespeares genauer Anteil an jeder bis heute Gegenstand gelehrter Debatten ist. Der Text ist im wörtlichen Sinn „verderbt“ („foul“), da er womöglich aus einem der „bad quartos“ stammt – also aus nach Promptbüchern rekonstruierten, fehlerhaften Druckfassungen, die noch vor dem First Folio erschienen. Außerdem hatte er auch eine „verderbte“ kritische Rezeption – nicht zuletzt durch George Bernard Shaw, der ihn als „eine einzige üble Beleidigung der Weiblichkeit und der Männlichkeit von Anfang bis Ende“ bezeichnete. Und in den letzten Jahren wurde das Stück aus feministischer Perspektive angegriffen, die die dauerhafte Konfrontation zwischen Petruchio und Katerina für praktisch unspielbar hält, wenn man sie ohne Ironie oder klammernde Verfremdungsstrategien vollständig ernst nimmt. Meines Erachtens lassen sich diese Argumente – ebenso wie die parallelen Debatten über Antisemitismus in Der Kaufmann von Venedig – bisweilen überstrapazieren und zielen in mancher Hinsicht am Kern vorbei. Wir sollten zunächst anerkennen, dass Shakespeare die Shrew als Stück-im-Stück konstruiert und damit selbst eine Klammer setzt, die eine wörtlich-ernste Lektüre relativiert; und zweitens, dass es letztlich die Entscheidungen von Regie und Ensemble sind, die unsere Reaktion auf den Text bestimmen. Man kann ihn ironisch spielen, farcenhaft oder historisch (also als Ausdruck frühneuzeitlicher Vorstellungen von sozialer Hierarchie sowie von Mann und Frau nach dem Sündenfall). Es gibt viele Möglichkeiten – und bis zum Schlussapplaus sollten wir das Urteil aussetzen. Arrows and Traps und Regisseur Ross McGregor präsentieren eine geschlechterverkehrte Version des Stücks als Teil einer reizvollen Spielzeit unter dem Motto „Love in Time of War“. Nach dieser innovativen, lebendigen Produktion werden ihre Sichtweisen auf Titus Andronicus und All’s Well That Ends Well später im Sommer Pflichttermine sein. Wir befinden uns in einem schlichten, flexibel bespielbaren Bühnenraum, der sowohl für Straßenszenen als auch für Innenräume hervorragend funktioniert, und es geht kaum Zeit für Umbauten verloren. Es ist zwar ein langer Abend, doch das Tempo fühlt sich keineswegs lang an: Die Episoden flitzen mit lobenswerter Präzision und Ökonomie vorbei, während die wenigen Momente von Reflexion und Ruhe dennoch ihr volles Gewicht erhalten. Mit Ausnahme der Hauptrollen übernimmt jede*r mehrere Parts – und hier zeigt sich der Vorteil einer eingespielten Kerntruppe, die einander gut kennt und souverän im wandelbaren Ensemble-Spiel ist. Der Ablauf der Handlung hat Energie, Einfallsreichtum und Fluss; zugleich arbeitet eine starke visuelle Handschrift, die wirkungsvolle Tableaus entstehen lässt. So fällt es auch nicht ins Gewicht, dass das Budget begrenzt ist: Der Chor aus furchtsamen Köch*innen und Bediensteten in der Bankettszene ist so hinreißend choreografiert, dass man glatt vergisst, wie minimal die Requisiten sind. Das ist Shakespeare, bei dem die Werte und der Fokus am richtigen Ort liegen: eine akribische Neubefragung des Textes, mit einem Blick dafür, wie sich diese Vision am besten durch Tempo, pointierte Sprechweise und ständig fesselnde Bühnenbewegung vermitteln lässt. Dazu kommen einige charmante gesungene Zwischenspiele, die organisch aus dem Stück herauswachsen – ganz in der besten Tradition des Musical Theatre – und an mehreren Stellen die Stimmung prägnant bündeln. Was also lernen wir aus der Geschlechterumkehr im Stück? Was trägt sie zu unserem Verständnis bei? Erstens werden die Kanten der Konfrontationen gewissermaßen abgeschliffen; sie wirken humorvoller und weniger grausam. Das Gerangel der Verehrer*innen bleibt natürlich bissig, mit hervorragender Arbeit besonders von Jean Apps als Gremia; die Mütter poltern und drohen genauso wirksam, wie es Väter täten – hier sticht eine beeindruckende, handtaschenschwingende Vincentia (Bridget Mastrocola) heraus. Bianco (Samuel Morgan-Grahame) wird als verhätschelter, verwöhnter Muttersöhnchen-Typ neu gezeichnet, und Trania (Gemma Salter), die über weite Strecken Lucentia (Remy Moyes) imitiert, glänzt mit flatterhafter, komischer Erfindungslust. Doch das Stück steht und fällt mit dem Zusammenspiel zwischen Petruchia (Elizabeth Appleby) und Cajetano (Alexander McMorran). Ich fand, McMorran hätte in den frühen Szenen noch schwieriger und unvernünftiger sein können – der Weg von dort zu seiner feinen, würdevollen und überzeugenden Darstellung der abschließenden „Unterwerfungs“-Rede muss ein langer sein, ganz gleich, ob man ihn als Opfer betrachtet oder nicht. Aber Applebys schusselige, unbeschwerte Interpretation der Petruchia war eine durch und durch komische Wonne. Ihre beständige Weigerung, sich auf Cajetanos Sichtweise und Wünsche einzulassen, hatte etwas von Jennifer Saunders in voller Ab Fab-Hochform. Und gerade weil sie über weite Strecken in einer eigenen komischen Welt lebte, war ihr finales Eingeständnis von Liebe umso berührender – und ganz sicher das erste Mal, dass es mich je berührt hat. Das führt mich zu meiner zweiten Beobachtung zur umgekehrten Anlage des Stücks: Der Witz und der wettbewerbliche Esprit der Wortgefechte stehen in gewisser Weise über dem Geschlecht. Man muss sie mit einer Art entschlossener, militärischer Präzision spielen – die abrupten Stimmungswechsel müssen punktgenau sitzen, damit das Publikum den Gag und die Handlung in gespannter Vorfreude darauf mitvollzieht, was als Nächstes passieren könnte. Es ist wohl eine weitere Variante von Noël Cowards Bemerkung, dass Komödie am komischsten ist, wenn sie todernst gespielt wird…..

Das Problem, das ich mit diesem Stück früher immer hatte, ist die schiere Unerbittlichkeit des „Zähmungs“-Prozesses, der in den früheren Inszenierungen, die ich gesehen habe, eher unerquicklich als grausam wirkte – geschweige denn lustig. Aus diesem Grund haben mich in den letzten Jahren die herzlichen, urbanen und verführerischen Reize von Cole Porters Version stärker angezogen als Shakespeares Original. Das schönste Kompliment, das ich dieser gelungenen Produktion machen kann, ist: Sie hat mich deutlich freundlicher über das Original denken lassen und viele meiner Befürchtungen gegenüber dem Stoff zerstreut. Schauen Sie es sich an, solange Sie können.

Der Widerspenstigen Zähmung läuft im New Wimbledon Theatre Studio bis zum 20. Juni 2015.