RECENSION: The Taming Of The Shrew (Så tuktas en argbigga), New Wimbledon Studio ✭✭✭✭✭

Så tuktas en argbigga

New Wimbledon Studio

den 27 maj 2015

5 stjärnor

BOKA BILJETTER En sliten, högljudd lodis med en ölburk i handen satt hopsjunken utanför entrén till New Wimbledon Studio när jag anlände till pressvisningen av denna nyuppsättning av Så tuktas en argbigga. Jag tänkte inte mer på det förrän samma person dök upp inne i salongen före föreställningens början, bökade runt med scenmästaren, välte stolar och gav publiken ett och annat tjuvnyp. Sedan föll polletten ner: pjäsen hade redan börjat och vi befann oss inte i ett polisärende, utan mitt i en briljant improviserad version av ”The Induction” (ramberättelsen), det knep som ramar in pjäsen-i-pjäsen i denna tidiga Shakespeare-komedi. Som Christopher Sly, suputen som ska blidkas och underhållas, gav Christopher Neels oss den första av många nya och insiktsfulla inblickar i vad som i modern tid kommit att betraktas mer som ett ”problemstycke” än ett av Shakespeares lättsammare tidiga verk. Den här pjäsen har ett dunkelt förflutet. Den dateras till tidigt 1590-tal och det finns två versioner; relationen dem emellan och Shakespeares exakta bidrag till respektive version är fortfarande föremål för akademisk tvist. Texten är ”oren” i den bemärkelsen att den kan härstamma från en av de sämre kvartoutgåvorna som publicerades före First Folio. Dessutom har den fått ett bryskt kritiskt mottagande, inte minst från George Bernard Shaw som beskrev den som ”en enda stor förolämpning mot både kvinno- och manssläktet från början till slut”. På senare år har den förkastats ur feministiska perspektiv som menar att den utdragna konfrontationen mellan Petruchio och Katerina är omöjlig att framföra rakt av utan ironi eller distansering. Enligt min mening kan dessa argument, liksom de parallella diskussionerna om antisemitism i Köpmannen i Venedig, ibland dras för långt och missa målet. Vi bör först och främst erkänna att det faktum att Shakespeare har gjort Argbiggan till en pjäs-i-pjäsen innebär att han själv har lagt in en distansering mot att ta den på bokstavligt allvar. För det andra är det i slutändan de val som regissören och ensemblen gör som avgör vår reaktion på texten – den kan spelas ironiskt, farsartat eller historiskt (det vill säga som ett uttryck för tidigmoderna idéer om social hierarki). Det finns gott om alternativ, och vi bör vänta med vårt omdöme till sista ridåfall. Companiet Arrows and Traps och regissören Ross McGregor ger oss här en könsomvänd version av pjäsen som en del av en spännande säsong på temat ”Kärlek i krigstid”. Att döma av denna innovativa och livliga produktion kommer deras tolkningar av Titus Andronicus och Slutet gott, allting gott att vara obligatorisk läsning senare i sommar. Vi möter en enkel, flexibel scenografi som fungerar väl för både gatuscener och interiörer, utan att tid går förlorad i scenbyten. Det är en lång kväll tidsmässigt, men tempot gör att det inte känns så; scenerna svischar förbi med imponerande driv och ekonomi, samtidigt som de få ögonblicken av reflektion och vila får full tyngd. Med undantag för huvudrollerna spelar varje skådespelare flera roller, och här ser vi fördelen med att arbeta med en fast kärntrupp där alla känner varandra väl och är bekväma i det flexibla ensemblespelet. Det finns energi, uppfinningsrikedom och ett flöde i handlingen, samt en stark visuell känsla som skapar effektiva tablåer. Detta gör att den begränsade budgeten inte spelar någon roll: till exempel är kören av ängsliga kockar och tjänare under bankettscenen så underhållande koreograferad att man glömmer bort hur minimal rekvisitan faktiskt är. Detta är Shakespeare där värdena och fokuset ligger på rätt ställe, nämligen i en noggrann omtolkning av texten med blick för hur den visionen bäst kommuniceras med tempo, kvickhet och ständigt fängslande scenrörelser. Det bjuds även på charmiga sånginslag som växer naturligt ur pjäsen, helt i musikalteaterns bästa tradition, vilket hjälper till att fånga stämningen vid flera tillfällen. Så vad lär vi oss av könsomvändningen? Vad tillför den vår förståelse? För det första slipas de vassa kanterna av i konfrontationerna, som på något sätt känns mer humoristiska och mindre grymma. Rivaliteten mellan friarna är fortfarande syrlig, med utmärkt insats av särskilt Jean Apps som Gremia; mödrarna dundrar och hotar precis lika effektivt som fäder – här utmärker sig Bridget Mastrocola som en imponerande handväskviftande Vincentia. Bianco (Samuel Morgan-Grahame) görs om till en bortskämd morsgris, och Trania (Gemma Salter), som utger sig för att vara Lucentia (Remy Moyes) under stora delar av handlingen, glänser med yvig, komisk uppfinningsrikedom. Men pjäsen står och faller med samspelet mellan Petruchia (Elizabeth Appleby) och Cajetano (Alexander McMorran). Jag kände att McMorran kunde ha varit ännu svårare och mer orimlig i sitt agerande i de tidiga scenerna – resan därifrån till hans fina, värdiga och övertygande framförande av det slutgiltiga ”underkastelsetalet” behöver vara lång, oavsett om man ser honom som ett offer eller ej. Men Applebys virriga och sorglösa porträtt av Petruchia var en ren komisk fröjd. Hennes ständiga vägran att bry sig om Kajetanos åsikter hade något av Jennifer Saunders i högform från Helt hysteriskt över sig. Genom att befinna sig i sin egen komiska värld under stora delar av pjäsen blev hennes slutgiltiga erkännande av kärlek så mycket mer berörande – och det var ärligt talat första gången det faktiskt berörde mig. Detta leder mig till min andra observation om det omvända konceptet – att kvickheten och den tävlingsinriktade glöden i replikskiftena på sätt och vis står över kön, och behöver spelas med en slags militärisk precision för att få med publiken på skämtet och handlingen i ivrig förväntan på vad som ska hända härnäst. Jag antar att det är en annan version av Noël Cowards kommentar om att komedi är som roligast när den spelas med blodigt allvar...

Det problem jag alltid haft med den här pjäsen tidigare är den obevekliga ”tuktningsprocessen”, som i tidigare uppsättningar jag sett bara framstått som tjatig snarare än grym, och definitivt inte rolig. Av den anledningen har jag på senare år dragits mer till den gemytliga och urbana charmen i Cole Porters version (Kiss Me, Kate) än till Shakespeares original. Det bästa betyg jag kan ge denna fina uppsättning är att den har fått mig att se betydligt blidare på originalpjäsen och lagt många av mina farhågor till vila. Se den medan du har chansen.

Så tuktas en argbigga spelas på New Wimbledon Theatre Studio till och med den 20 juni 2015.