CRITIQUE : La Mégère Apprivoisée, New Wimbledon Studio ✭✭✭✭✭

La Mégère Apprivoisée

New Wimbledon Studio

27 Mai 2015

5 Étoiles

RÉSERVER DES BILLETS Un sdf agressif, canette de bière à la main, s'était affalé devant l'entrée du New Wimbledon Studio lorsque je suis arrivé pour la soirée de presse de cette nouvelle production de La Mégère Apprivoisée. Je n'y avais plus repensé jusqu'à ce que le même individu surgisse dans le théâtre avant le lever du rideau, interagissant bruyamment avec le régisseur, renversant quelques chaises et perturbant légèrement les spectateurs. Et puis le déclic : la pièce avait déjà commencé et nous étions au cœur d'une version brillamment improvisée de ‘L'Induction’, le dispositif encadrant la pièce dans la pièce de cette comédie shakespearienne précoce. En tant que Christopher Sly, le poivrot à apaiser et divertir, Christopher Neels nous a offert le premier de nombreux aperçus neufs et perspicaces de ce qui est devenu une ‘pièce à problème’ dans la tradition récente des productions, plutôt qu'une des œuvres légères et pétillantes du jeune Shakespeare. Cette pièce a un passé trouble. Datant du début des années 1590, il existe deux versions dont la relation l'une à l'autre et la contribution exacte de Shakespeare à chacune demeure un sujet de dispute érudite. Le texte est ‘médiocre’ au sens littéral car il pourrait provenir de l'un des ‘quartos défectueux’ tirés de copies de prompt et publiés avant le Premier Folio. De plus, il a également reçu un accueil critique médiocre, notamment de George Bernard Shaw, qui l'a qualifié de ‘une insulte vile de bout en bout envers la femme et l'homme’. Et ces dernières années, il a été décrié par les perspectives féministes qui voient la confrontation soutenue entre Petruchio et Katerina comme impossible à jouer pleinement sans ironie ou dispositifs encadrants. Selon moi, ces arguments, ainsi que leurs parallèles concernant l'antisémitisme dans Le Marchand de Venise, peuvent être exagérés et parfois manquent leur cible. Nous devrions d'abord reconnaître que le fait que Shakespeare ait fait de la Mégère une pièce dans la pièce signifie qu'il a lui-même placé un dispositif d’encadrement autour de celle-ci pour en éviter une interprétation littérale, et qu'il appartient ensuite au directeur et à la troupe de faire les choix qui détermineront nos réactions à ce texte – il peut être joué avec ironie, farcesque, ou historiquement (c'est-à-dire comme une expression des idées modernes sur la hiérarchie sociale et l'homme et la femme après leur chute du Paradis). Il y a de nombreuses options disponibles, et nous devons suspendre notre jugement jusqu'au baisser de rideau. Arrows and Traps et le metteur en scène Ross McGregor nous proposent une version à inversion de genre de la pièce dans le cadre d'une saison intrigante consacrée au thème de « L'Amour au Temps de la Guerre ». Sur la base de cette production innovante et vivante, leurs interprétations de Titus Andronicus et Tout est bien qui finit bien seront incontournables plus tard cet été. Nous nous retrouvons dans un décor simple et flexible qui fonctionne bien tant pour les scènes de rue qu’en intérieur, avec peu de temps perdu à changer les décors. C’est une longue soirée en termes de temps, mais cela ne se ressent pas dans le rythme, car les épisodes s’enchaînent avec une rapidité et une économie dignes d’éloges, tout en accordant un plein poids aux quelques discours de réflexion et de repos. À l’exception des rôles principaux, chaque acteur joue de multiples rôles et ici nous voyons l’avantage de travailler avec une troupe de base régulière où tous se connaissent bien et sont à l’aise dans le travail d’ensemble flexible. Il y a de l'énergie, de la créativité et de la fluidité dans le déroulement de l'action et un sens visuel fort pour créer des tableaux efficaces. Cela signifie qu'il n'importe pas que le budget soit limité : par exemple, le chœur de cuisiniers et de serviteurs timorés lors de la scène du banquet est si magnifiquement chorégraphié que l'on en oublie presque que seuls des accessoires des plus simples sont en scène. C’est du Shakespeare où les valeurs et la concentration sont parfaitement placées, à savoir une relecture analytique du texte, avec un œil sur la façon dont cette vision peut être mieux communiquée avec rythme et esprit de livraison et un mouvement scénique continuellement captivant. Il y a aussi de charmants interludes chantés qui émergent naturellement de la pièce, dans la meilleure tradition du théâtre musical, servant à encapsuler l’humeur à plusieurs moments de l’action. Alors, qu’apprenons-nous de l’inversion des genres dans la pièce ? Que cela ajoute-t-il à notre compréhension ? D’abord, les confrontations sont en quelque sorte adoucies, semblant plus humoristiques et moins cruelles. La bousculade des prétendants reste bien sûr acerbe, avec un excellent travail en particulier de Jean Apps en tant que Gremia ; les mères se vantent et menacent aussi efficacement que les pères le feraient - ici une impressionnante Vincentia armée de son sac à main (Bridget Mastrocola) se distingue. Bianco (Samuel Morgan-Grahame) est réinterprété en enfant gâté et dorloté par sa mère, et Trania, (Gemma Salter), personnifiant Lucentia (Remy Moyes) pendant la majorité de l’action, brille par son invention comique et capricieuse. Mais la pièce repose ou tombe sur l’interaction entre Petruchia (Elizabeth Appleby) et Cajetano (Alexander McMorran). J'ai pensé que McMorran aurait pu se montrer encore plus difficile et déraisonnable dans son jeu des premières scènes – le chemin parcouru de là à son interprétation du discours final de « soumission », à la fois noble et convaincante, doit être long, qu'on le considère ou non comme une victime. Mais le portrait décalé et léger d’Appleby en Petruchia fut un délice comique complet. Son refus constant d'adhérer au point de vue et aux souhaits de Kajetano avait quelque chose de Jennifer Saunders en plein Ab Fab. Et puis en habitant un monde comique alternatif pour une grande partie de la pièce, sa déclaration finale d'amour était d'autant plus touchante – et certainement la première fois qu'elle m'avait touché. Cela m’amène à ma seconde observation sur le concept inversé de la pièce - qui est que l'esprit et la brio compétitifs des échanges sont, d'une certaine manière, au-dessus du genre, et doivent être joués avec une sorte de précision militaire déterminée dans l'exécution des volte-face de l'humeur pour amener le public dans la plaisanterie et l’action dans un sens d’anticipation impatiente de ce qui pourrait arriver. Je suppose qu'il s'agit d'une autre version de la remarque de Noel Coward selon laquelle la comédie est à son plus drôle lorsqu'elle est jouée avec un sérieux mortel...

Le problème que j'ai toujours eu avec cette pièce c'est l'acharnement pur et simple du processus de « dressage », qui dans les productions précédentes que j'ai vues, semblait simplement fastidieux, plutôt que cruel, sans parler de drôle. Pour cette raison, ces dernières années, j’ai été plus attiré par les charmes chaleureux, urbains et séduisants de la version de Cole Porter plutôt que par l'original de Shakespeare. Le meilleur compliment que je puisse faire à cette belle production est qu’elle m’a fait penser bien plus aimablement à la pièce originale et m'a permis de surmonter de nombreuses de mes anxiétés concernant le matériel. Ne la manquez pas tant que vous le pouvez.

La Mégère Apprivoisée se joue au New Wimbledon Theatre Studio jusqu'au 20 juin 2015.