CRÍTICA: A Megera Domada, New Wimbledon Studio ✭✭✭✭✭

A Megera Domada

New Wimbledon Studio

27 de maio de 2015

5 Estrelas

COMPRAR BILHETES Uma desalinhada insolente e arrasada, com uma lata de cerveja na mão, estava descaída do lado de fora da entrada do New Wimbledon Studio quando cheguei para a noite de imprensa desta nova produção de A Megera Domada. Não liguei muito até que a mesma pessoa surgiu no interior do teatro, antes de subir o pano, a interagir de forma ruidosa com o director de cena, a virar algumas cadeiras e a causar um ligeiro incómodo a membros do público. E então caiu-me a ficha: a peça já tinha começado e estávamos no meio não de um incidente que exigisse a polícia, mas de uma versão brilhantemente improvisada de “The Induction”, o dispositivo de enquadramento para a peça-dentro-da-peça que é esta comédia shakespeareana inicial. Como Christopher Sly, o bêbedo que deve ser apaziguado e entretido, Christopher Neels deu-nos o primeiro de muitos olhares novos e perspicazes sobre aquilo que, na tradição recente de encenação, se tornou mais uma “peça-problema” do que uma das primeiras obras leves e espumosas de Shakespeare. Esta peça tem um passado sombrio. Datada do início da década de 1590, existem duas versões, cuja relação entre si e a contribuição exacta de Shakespeare para cada uma continua a ser matéria de disputa académica. O texto é “impuro” no sentido literal, na medida em que pode derivar de um dos “maus quartos” obtidos a partir de cópias de ensaio e publicados antes do First Folio. Além disso, teve também uma recepção crítica pouco simpática, desde logo por George Bernard Shaw, que a descreveu como “um insulto vil à feminilidade e à masculinidade do princípio ao fim”. E, nos últimos anos, tem sido criticada a partir de perspectivas feministas que consideram impossível representar sem ironia ou sem dispositivos de distanciamento o confronto sustentado entre Petruchio e Katerina. A meu ver, estes argumentos — tal como os paralelos sobre o anti-semitismo em O Mercador de Veneza — podem ser exagerados e, em certos aspectos, falham o alvo. Devemos reconhecer, antes de mais, que o facto de Shakespeare ter feito de A Megera uma peça-dentro-da-peça significa que ele próprio colocou um dispositivo de distanciamento em torno de uma leitura literal; e, em segundo lugar, que são, em última instância, as escolhas do encenador e da companhia que determinam as nossas reacções a este texto — pode ser representado de forma irónica, farsesca ou histórica (isto é, como expressão de ideias do início da modernidade sobre hierarquia social e sobre o homem e a mulher após a Queda). Há muitas opções disponíveis, e precisamos de suspender o juízo até ao pano final. A companhia Arrows and Traps e o encenador Ross McGregor trazem-nos uma versão com inversão de género da peça, como parte de uma temporada intrigante dedicada ao tema “Amor em Tempo de Guerra”. À luz desta produção inovadora e cheia de vida, as suas abordagens a Tito Andrónico e a Bem Está o Que Bem Acaba serão de visão obrigatória mais tarde no verão. Encontramo-nos num cenário simples e flexível, que funciona bem tanto para cenas de rua como para interiores, com pouco tempo perdido em mudanças de cena. É uma noite longa em duração, mas não em ritmo: os episódios passam a correr, com louvável rapidez e economia, permitindo ainda que os poucos discursos de reflexão e repouso tenham todo o seu peso. Com excepção dos protagonistas, cada actor interpreta múltiplos papéis, e aqui vê-se a vantagem de trabalhar com um núcleo regular, em que todos se conhecem bem e estão à vontade num trabalho de ensemble flexível. Há energia, inventividade e fluidez na progressão da acção, e um forte sentido visual a criar tableaux eficazes. Isto significa que não importa o orçamento ser limitado: por exemplo, o coro de cozinheiras e criadas tímidas durante a cena do banquete está coreografado de forma tão deliciosamente cómica que nos esquecemos de que quase não há adereços em cena. Isto é Shakespeare com os valores e o foco no sítio certo: uma reinterpretação forense do texto, com atenção a como essa visão pode ser melhor comunicada com ritmo e sagacidade na dicção e um movimento em palco continuamente apelativo. Há também alguns encantadores interlúdios cantados que surgem naturalmente da peça, na melhor tradição do teatro musical, e que ajudam a condensar o ambiente em vários momentos da acção. Então, o que aprendemos com a inversão de género? O que acrescenta à nossa compreensão? Em primeiro lugar, de algum modo suavizam-se as arestas dos confrontos, que parecem mais humorísticos e menos cruéis. A disputa entre pretendentes continua mordaz, sem dúvida, com excelente trabalho, em particular, de Jean Apps como Gremia; as mães fanfarronam e ameaçam com a mesma eficácia que os pais — aqui destaca-se uma impressionante Vincentia (Bridget Mastrocola) de mala na mão. Bianco (Samuel Morgan-Grahame) é reinventado como um menino mimado e estragado pela mamã, e Trania (Gemma Salter), que se faz passar por Lucentia (Remy Moyes) durante grande parte da acção, brilha com uma invenção leve e cómica. Mas a peça vive ou morre na dinâmica entre Petruchia (Elizabeth Appleby) e Cajetano (Alexander McMorran). Senti que McMorran poderia ter sido ainda mais difícil e irrazoável nas cenas iniciais — o percurso até à sua interpretação final, nobre, digna e convincente, do discurso de “submissão” precisa de ser longo, quer o vejamos como vítima quer não. Mas a interpretação tresloucada e despreocupada de Appleby como Petruchia foi um deleite cómico absoluto. A sua recusa constante em levar a sério o ponto de vista e os desejos de Kajetano tinha algo de Jennifer Saunders em pleno fluxo de Absolutely Fabulous. E depois, ao habitar um mundo cómico alternativo durante grande parte da peça, o seu reconhecimento final do amor tornou-se ainda mais comovente — e, certamente, a primeira vez que alguma vez me comoveu. Isto leva-me à minha segunda observação sobre o conceito invertido: a sagacidade e o brilho competitivo das trocas estão, de certo modo, acima do género e precisam de ser interpretados com uma espécie de precisão militar determinada na execução das mudanças bruscas de humor, para levar o público com a piada e a acção, numa antecipação ansiosa do que poderá acontecer a seguir. Suponho que é outra versão da observação de Noël Coward de que a comédia é mais engraçada quando é interpretada com a maior seriedade…..

O problema que sempre tive no passado com esta peça é a pura implacabilidade do processo de “domar”, que em produções anteriores que vi acabou por soar aborrecida, mais do que cruel — quanto mais engraçada. Por essa razão, nos últimos anos tenho-me sentido mais atraído pelos encantos afáveis, urbanos e sedutores da versão de Cole Porter do que pelo original de Shakespeare. O melhor elogio que posso fazer a esta excelente produção é que me fez olhar com muito mais simpatia para a peça original e apaziguou muitas das minhas ansiedades em relação ao material. Aproveite enquanto pode.

A Megera Domada está em cena no New Wimbledon Theatre Studio até 20 de junho de 2015.