RECENSIE: The Taming Of The Shrew, New Wimbledon Studio ✭✭✭✭✭

The Taming Of The Shrew

New Wimbledon Studio

27 mei 2015

5 Sterren

BOEK TICKETS Een haveloze, luidruchtige vagebond met een blikje bier zat onderuitgezakt bij de ingang van de New Wimbledon Studio toen ik aankwam voor de persavond van deze nieuwe productie van The Taming of the Shrew. Ik dacht er verder niet bij na, totdat diezelfde persoon nog vóór het opengaan van het doek in de zaal verscheen, rumoerig de confrontatie aanging met de Stage Manager, wat stoelen omgooide en het publiek lastigviel. En toen viel het kwartje: het stuk was al begonnen. We bevonden ons niet in een incident waar de politie aan te pas moest komen, maar in een briljant geïmproviseerde versie van 'The Induction', het raamwerk voor het toneelstuk-in-het-toneelstuk dat deze vroege komedie van Shakespeare typeert. Als Christopher Sly, de zuiplap die tot bedaren gebracht en vermaakt moet worden, gaf Christopher Neels ons de eerste van vele nieuwe en scherpzinnige inzichten in wat in de moderne traditie meer een 'probleemstuk' is geworden, in plaats van een van Shakespeare's lichtere en luchtige vroege werken. Dit stuk heeft een duister verleden. Het stamt uit de vroege jaren 1590 en er bestaan twee versies van; hun onderlinge relatie en de exacte bijdrage van Shakespeare aan beide blijft een punt van wetenschappelijke discussie. De tekst is 'bezoedeld' in de letterlijke zin, omdat deze mogelijk afkomstig is van een van de 'bad quartos', gebaseerd op souffleurshandschriften en gepubliceerd vóór de First Folio. Bovendien is de kritische ontvangst eveneens 'besmet', niet in de laatste plaats door George Bernard Shaw, die het omschreef als 'één grote belediging voor zowel vrouwelijkheid als mannelijkheid van begin tot eind.' En de laatste jaren wordt het verketterd vanuit feministisch perspectief, waarbij de aanhoudende confrontatie tussen Petruchio en Katerina als onmogelijk wordt beschouwd om voluit te spelen zonder ironie of relativerende kunstgrepen. Naar mijn mening worden deze argumenten — net als de discussies over antisemitisme in The Merchant of Venice — soms iets te ver doorgevoerd en missen ze deels hun doel. We moeten allereerst erkennen dat het feit dat Shakespeare van The Shrew een toneelstuk-in-een-toneelstuk heeft gemaakt, betekent dat hij zelf al een filter heeft geplaatst tegen een te letterlijke serieusheid. Ten tweede zijn het uiteindelijk de keuzes van de regisseur en het gezelschap die onze reactie op de tekst bepalen – het kan ironisch, kluchtig of historisch (als uiting van vroegmoderne ideeën over sociale hiërarchie) gespeeld worden. Er zijn genoeg opties, en we moeten ons oordeel opschorten tot het laatste doek valt. Arrows and Traps en regisseur Ross McGregor presenteren ons een versie met omgekeerde genderrollen als onderdeel van een intrigerend seizoen gewijd aan het thema 'Liefde in Oorlogstijd'. Afgaande op deze innovatieve en levendige productie zullen hun versies van Titus Andronicus en All’s Well That Ends Well later deze zomer verplichte kost zijn. We bevinden ons in een sober, flexibel decor dat prima werkt voor zowel straatscènes als interieurs, waarbij weinig tijd verloren gaat aan scènewissels. Het is een lange avond qua tijd, maar zo voelt het niet qua tempo; de scènes flitsen voorbij met een prijzenswaardige vaart en soberheid, terwijl de spaarzame momenten van reflectie en rust volledig tot hun recht komen. Met uitzondering van de hoofdrollen speelt elke acteur meerdere personages. Hier zien we de vruchten van het werken met een vaste kern van acteurs die elkaar goed kennen en goed op elkaar ingespeeld zijn als ensemble. Er zit energie, vindingrijkheid en souplesse in het verloop van de actie, en een sterk visueel gevoel zorgt voor effectieve tableaus. Hierdoor maakt het niet uit dat het budget beperkt is: het koor van schichtige koks en bedienden tijdens de banketscène is bijvoorbeeld zo vermakelijk gechoreografeerd dat je vergeet dat er nauwelijks rekwisieten aanwezig zijn. Dit is Shakespeare waarbij de focus op de juiste plek ligt: een grondige heroverweging van de tekst, met oog voor hoe die visie het best kan worden overgebracht met een snelle, gevatte dictie en constant boeiende bewegingen op het toneel. Er zijn ook enkele charmante gezongen intermezzo's die natuurlijk uit het stuk voortvloeien, in de beste traditie van musicaltheater, en die op verschillende momenten de sfeer treffend samenvatten. Wat leren we dan van deze gender-omdraaiing? Wat voegt het toe? Ten eerste worden de scherpe randjes enigszins van de confrontaties gehaald, die op de een of andere manier humoristischer en minder wreed overkomen. Het gekonkel van de aanbidders is nog steeds venijnig, met uitstekend spel van met name Jean Apps als Gremia; de moeders razen en tieren net zo effectief als vaders zouden doen – waarbij Bridget Mastrocola als een indrukwekkende, met een handtas zwaaiende Vincentia opvalt. Bianco (Samuel Morgan-Grahame) is hier een verwend moederskindje, en Trania (Gemma Salter), die het grootste deel van de tijd Lucentia (Remy Moyes) imiteert, schittert met haar lichtvoetige, komische invulling. Maar het stuk staat of valt met de wisselwerking tussen Petruchia (Elizabeth Appleby) en Cajetano (Alexander McMorran). Ik vond dat McMorran in het begin nog wel wat lastiger en onredelijker had mogen zijn – de weg die hij aflegt naar zijn ingetogen, waardige en overtuigende slottoespraak over 'onderwerping' moet lang zijn, of je hem nu als slachtoffer ziet of niet. Maar Appleby's maffe en onbezorgde vertolking van Petruchia was een puur komisch genot. Haar voortdurende weigering om in te gaan op Kajetano's wensen deed aan Jennifer Saunders denken in haar beste Ab Fab-dagen. Juist doordat ze een groot deel van het stuk in een alternatieve komische wereld vertoeft, was haar uiteindelijke liefdesverklaring des te ontroerender – en het was oprecht de eerste keer dat die scène me echt raakte. Dit brengt me bij mijn tweede observatie over het 'inverted' concept: het vernuft en de competitieve bravoure van de dialogen overstijgen in zekere zin het geslacht. Het moet gespeeld worden met een militaire precisie in de stemmingswisselingen om het publiek mee te slepen in de grap en de actie, vol spanning over wat er nu weer gaat gebeuren. Het is een beetje zoals Noël Coward ooit zei: komedie is op zijn grappigst als het met doodse ernst gespeeld wordt...

Het probleem dat ik in het verleden altijd met dit stuk had, was het onverbiddelijke van het 'temmen', wat in eerdere producties die ik zag eerder saai overkwam dan wreed, laat staan grappig. Om die reden voelde ik me de laatste jaren meer aangetrokken tot de charmante, urbane en verleidelijke versie van Cole Porter dan tot Shakespeare's origineel. Het mooiste compliment dat ik deze uitstekende productie kan geven, is dat ik nu veel milder denk over het oorspronkelijke stuk en dat mijn bedenkingen bij het bronmateriaal grotendeels zijn weggenomen. Ga het zien zolang het kan.

The Taming Of The Shrew is nog tot 20 juni 2015 te zien in de New Wimbledon Theatre Studio.