RESEÑA: La doma de la bravía, New Wimbledon Studio ✭✭✭✭✭

La fierecilla domada

New Wimbledon Studio

27 de mayo de 2015

5 estrellas

COMPRAR ENTRADAS Un vagabundo hecho polvo y respondón, con una lata de cerveza, estaba desplomado fuera de la entrada del New Wimbledon Studio cuando llegué para la noche de prensa de esta nueva producción de La fierecilla domada. No le di más vueltas hasta que ese mismo individuo apareció dentro del teatro, antes de levantarse el telón, armando jaleo con el regidor, volcando unas cuantas sillas y dando una leve lata a algunos espectadores. Y entonces caí en la cuenta: la función ya había empezado y estábamos en plena acción, no ante un incidente con la policía, sino ante una versión brillantemente improvisada de «La inducción», el mecanismo de enmarque del teatro dentro del teatro que caracteriza a esta comedia temprana de Shakespeare. Como Christopher Sly, el borrachín al que hay que calmar y divertir, Christopher Neels nos ofreció el primero de muchos destellos nuevos y perspicaces sobre un texto que, en la tradición escénica reciente, se ha convertido más en una «obra problemática» que en una de las piezas tempranas más ligeras y espumosas de Shakespeare. Esta obra tiene un pasado turbio. Data de principios de la década de 1590 y existen dos versiones, cuya relación entre sí y la aportación exacta de Shakespeare a cada una siguen siendo objeto de disputa académica. El texto es «impuro» en sentido literal, en la medida en que podría proceder de uno de esos «malos cuartos» derivados de copias de apuntador y publicados antes del First Folio. Además, también ha tenido una recepción crítica poco amable, no en último término por parte de George Bernard Shaw, que la describió como «un vil insulto a la feminidad y a la masculinidad de principio a fin». Y en los últimos años se ha cuestionado desde perspectivas feministas que consideran imposible representar sin ironía o sin recursos de distanciamiento el enfrentamiento sostenido entre Petruchio y Katerina. A mi juicio, estos argumentos —junto con los paralelos sobre el antisemitismo en El mercader de Venecia— a veces se exageran y, en cierto modo, no dan en el blanco. En primer lugar, deberíamos reconocer que el hecho de que Shakespeare haya hecho de la Fiera una obra dentro de una obra supone ya un marco que impide tomársela con literalidad; y, en segundo lugar, que en última instancia son las decisiones del director y de la compañía las que determinarán nuestra reacción ante el texto: puede abordarse con ironía, en clave de farsa o desde lo histórico (es decir, como expresión de ideas del primer mundo moderno sobre la jerarquía social y sobre el hombre y la mujer tras la Caída). Hay muchas opciones posibles, y conviene suspender el juicio hasta el telón final. Arrows and Traps y el director Ross McGregor nos traen una versión con inversión de género como parte de una temporada sugerente dedicada al tema «El amor en tiempos de guerra». A la vista de lo innovadora y vivaz que es esta producción, sus lecturas de Tito Andrónico y Bien está lo que bien acaba serán de visionado imprescindible más adelante en verano. Nos encontramos con una escenografía simple y flexible, que funciona bien tanto para escenas de calle como para interiores, con muy poco tiempo perdido en cambios. Es una velada larga por duración, pero no lo parece por ritmo: los episodios pasan a toda velocidad, con una encomiable agilidad y economía, sin dejar de dar pleno peso a los pocos parlamentos de reflexión y reposo. Con la excepción de los protagonistas, cada actor interpreta múltiples papeles, y aquí se aprecia la ventaja de trabajar con una compañía estable, que se conoce bien y se mueve con soltura en un trabajo de conjunto flexible. Hay energía, inventiva y fluidez en el avance de la acción, y un fuerte sentido visual que construye cuadros escénicos muy efectivos. Eso hace que el presupuesto limitado no importe: por ejemplo, el coro de cocineros y sirvientes pusilánimes durante la escena del banquete está coreografiado con tanta gracia que se olvida uno de lo mínimos que son los atrezos. Este es Shakespeare con los valores y el foco donde deben estar: una relectura minuciosa del texto, con atención a cómo comunicar esa visión con ritmo, ingenio en la dicción y un movimiento escénico constantemente atractivo. También hay algunos interludios cantados encantadores, que surgen de manera natural de la obra, en la mejor tradición del teatro musical, y que sirven para condensar el tono en varios momentos de la acción. ¿Qué aprendemos, entonces, de la inversión de género? ¿Qué añade a nuestra comprensión? En primer lugar, de algún modo suaviza los bordes de los enfrentamientos, que resultan más cómicos y menos crueles. El forcejeo de los pretendientes sigue siendo venenoso, desde luego, con un trabajo excelente en particular de Jean Apps como Gremia; las madres fanfarronean y amenazan con la misma eficacia con la que lo harían los padres —aquí destaca una Vincentia imponente, con bolso en ristre (Bridget Mastrocola). Bianco (Samuel Morgan-Grahame) se reimagina como un niño mimado y consentido de mamá, y Trania (Gemma Salter), que suplanta a Lucentia (Remy Moyes) durante buena parte de la acción, brilla por su ligereza y su inventiva cómica. Pero la obra se sostiene o se hunde en el juego entre Petruchia (Elizabeth Appleby) y Cajetano (Alexander McMorran). Tuve la sensación de que McMorran podría haber sido aún más difícil e irrazonable en las primeras escenas: el camino que recorre hasta su excelente, digna y convincente interpretación del discurso final de «sumisión» necesita ser largo, se le vea o no como víctima. Pero la interpretación alocada y despreocupada de Appleby como Petruchia fue un deleite cómico total. Su negativa constante a entrar en el punto de vista y los deseos de Cajetano tenía algo de Jennifer Saunders en pleno apogeo de Absolutely Fabulous. Y al habitar un mundo cómico alternativo durante gran parte de la obra, su reconocimiento final del amor resultó aún más conmovedor —y, desde luego, fue la primera vez que me conmovió. Esto me lleva a mi segunda observación sobre el concepto invertido: el ingenio y la bravuconería competitiva de los intercambios, en cierto modo, están por encima del género, y necesitan interpretarse con una precisión casi militar en los cambios de rumbo del tono, para arrastrar al público con el chiste y la acción, en una expectación ansiosa de lo que puede venir después. Supongo que es otra versión del comentario de Noël Coward de que la comedia es más divertida cuando se interpreta con absoluta seriedad…..

El problema que siempre he tenido con esta obra en el pasado es la pura implacabilidad del proceso de «domar», que en producciones anteriores que he visto se me hacía tedioso, más que cruel, y desde luego poco gracioso. Por esa razón, en los últimos años me he sentido más atraído por los encantos afables, urbanos y seductores de la versión de Cole Porter que por el original de Shakespeare. El mejor cumplido que puedo hacerle a esta excelente producción es que me ha hecho mirar el texto original con mucha más benevolencia y ha dejado atrás muchas de mis inquietudes sobre el material. Aprovechad para verla mientras podáis.

La fierecilla domada se representa en el New Wimbledon Theatre Studio hasta el 20 de junio de 2015.