KRITIK: Tonight at 8.30, Jermyn Street Theatre ✭✭✭✭✭

Julian Eaves bespricht Noel Cowards Tonight at 8.30, derzeit im Londoner Jermyn Street Theatre zu sehen.

Das Ensemble von Star Chamber. Foto: Robert Workman Tonight at 8.30

Jermyn Street Theatre,

22. April 2018

5 Sterne

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Wie glücklich wir uns schätzen können, dass uns dieses Paket aus neun Einaktern von Noel Coward (er schrieb noch einen zehnten, der hier jedoch nicht dabei ist) von diesem unermüdlichen erstklassigen Off-Haus präsentiert wird – kuschelig eingebettet mitten im West End, gleich um die Ecke von Piccadilly. Diese Sammlung von Momentaufnahmen aus der Mitte der 1930er-Jahre gehört zu den am seltensten gespielten Werken des Meisters, doch die seltenen Aufführungen sagen nichts über ihre Qualität aus. Der junge, immens begabte Artistic Director Tom Littler zaubert aus den Stücken jede Menge Magie heraus – mit einem hervorragenden Ensemble und einer glänzenden Produktion, und das zu einem erstaunlich günstigen Preis. Es ist eine echte Reise: anfangs baut es sich etwas langsam auf, doch sobald es Fahrt aufnimmt, ist es nicht mehr zu stoppen und landet Treffer um Treffer. Wer das verpasst, ist selbst schuld. Und an bestimmten Tagen kann man sogar alle Stücke am Stück sehen – ein Riesengenuss.

Es gibt drei Dreierblöcke. Los geht’s mit dem, was die Macher hier „Secret Hearts“ nennen, und eröffnet wird mit Star Chamber – dem einen Stück, das bei Produktionen oft gestrichen wird (anstelle dessen bekommt man dann Fumed Oak). Es ist ein durchaus amüsanter Auftakt, wenn man Freude an theatrales Gezicke hat, und gewinnt zusätzlich durch die Einschübe klug geschriebener Passagen mit überlappenden Dialogen. Falls mehr dahintersteckt, ist mir die größere Substanz entgangen. Das Ensemble ist stark, doch dieses Stück ist kaum mehr als ein entzückendes Warm-up. Merkwürdigerweise ist es aber gerade das Stück, in dem Boadicea Ricketts wirklich genug zu tun bekommt: ein brillantes neues Talent am Anfang ihrer Laufbahn – ein echter Glücksgriff als eitle, selbstverliebte Diva, die das vernichtende Non Sequitur zur Meisterschaft bringt. Wir werden sie ganz sicher bald wiedersehen.

Jeremy Rose und Rosemary Ashe in Red Peppers. Foto: Robert Workman

Als Nächstes wirkt Red Peppers wie eine ächzend altmodische Darstellung windiger, drittklassiger Varieté-Nummern. Selbst Rosemary Ashe und Jeremy Rose (als Lily und George Pepper) treffen den Ton in den pastichierten Music-Hall-Nummern und dem giftigen Backstage-Gezänk nicht immer ganz. Coward schrieb das Material als Vehikel für Stars wie ihn selbst und Gertrude Lawrence, als sie ungefähr so alt waren wie das Jahrhundert; in den Händen deutlich älterer Darsteller gewinnt es an Tiefe und wird zum Porträt von Enttäuschung und vergeudeten Leben – doch die Songs sind voller Schwung und Fröhlichkeit und wirken in einem reiferen Umfeld seltsam deplatziert.

Nick Waring und Miranda Foster in Still Life. Foto: Robert Workman

Die erste „Trilogie“ endet mit der wohl bekanntesten Geschichte der Reihe: Still Life ist die dramatische Kurzgeschichte, aus der David Lean später Brief Encounter machte – derzeit übrigens ebenfalls gleich um die Ecke auf der Bühne, im Haymarket im Empire Cinema, in Emma Rices radikaler Neubearbeitung mit Kneehigh. Der Vergleich ist spannend. Anders als hier liefert Rice das Werk alles andere als „geradeaus“, und die Wirkung ist sofort elektrisierend. Im Gegensatz dazu spielen Miranda Foster und Nick Waring Laura und Alec weitgehend so, wie es die Zeilen vorgeben, und man hat das Gefühl, wir gleiten über die Oberfläche von Cowards Welt, ohne wirklich mit ihr in Berührung zu kommen.

Und dann passiert etwas Bemerkenswertes. Plötzlich, mitten in einem Gespräch bei Tee an einem Tisch im Bahnhofscafé, stürzen wir direkt ins Herz ihres Lebens. Wie genau das geschieht, lässt sich schwer sagen – doch auf einmal leuchtet jedes Wort von innen, und alles, was sie sagen, hat ungeheures Gewicht. Die Schauspieler haben offensichtlich sehr sorgfältig darauf hingearbeitet; aber ab hier verändert sich nicht nur dieses Stück, sondern der ganze Abend in Richtung und Stimmung. Alles beginnt, sich zu fügen. Die Magie, wenn alle Elemente zusammenspielen, setzt ein. Und sie bleibt – durch alle verbleibenden Stücke hindurch.

Ian Hallard und Sara Crowe in We Were Dancing. Foto: Robert Workman

Nach der ersten längeren Pause (zwischen dem zweiten und dritten Stück in jedem Block gibt es nur 15 Minuten Unterbrechung, und zwischen dem ersten und zweiten clevere musikalische Überleitungen – Stefan Bednarczyks brillantes Wortgefecht ist hier eine Freude) scheint die Produktion keinen Fehltritt mehr zu machen. Der zweite Dreierblock (hier „Bedroom Farces“ genannt) beginnt mit der fast surrealen Variante der leichten Komödie, We Were Dancing. Sara Crowe meistert die schusseligen Wendungen von Louises Partie mit derselben Souveränität und Verve, die wir bei Amanda und all Cowards besten Frauenrollen erwarten; Ian Hallard ist ihr als Emporkömmling Karl ein herrlich mondgesichtiger Gegenpart, während Waring hier als empörter Ehemann Hubert neu erfunden wird – mit einer an George VI erinnernden Sprachstörung – und Rosemary Ashe den richtigen Ton als seine zänkische Schwester Clara perfekt trifft. Die gemeinsamen Szenen dieses Quartetts, Kopf-an-Kopf-Schlachten aus Intellekt und Leidenschaft, werden mit shavianischer Kontrolle und Energie gespielt und verleihen dem durchgeknallten Stoff eine atemberaubende formale Schönheit.

Nicht zuletzt tragen dazu bei: die köstlichen Entwürfe von Louie Whitemore (der die Bühne immer wieder mit prachtvollen Bildern der Epoche füllt – und in diesem winzigen unterirdischen Raum fragt man sich nur, wo sie all das Bühnenbild lagern); die hinreißende Vielfalt an Kostümen (Dutzende!) der unfassbar begabten Emily Stuart; und das perfekte Licht von Tim Mascall. Zudem beherrscht Tom Attwood die Klanglandschaft meisterhaft, indem er uns in und aus Radioübertragungen, klassischen Rezitals und Umgebungsgeräuschen hinein- und herausblendet – was dem Zyklus zusätzliche epische Weite verleiht.

Miranda Foster, Nick Waring und Ian Hallard in Ways and Means. Foto: Robert Workman

Wenn We Were Dancing einen schon glauben lässt, allein dafür lohne sich der Ticketpreis – und das tut es –, dann kommen noch größere Glanzstücke. Ways and Means ist ein weiterer außerordentlich erdachter und exquisit realisierter Arabeskenwurf einer Idee, entsponnen aus einer göttlich schelmischen Fantasie; Foster und Waring spielen hier ein völlig anderes Paar, finanziell überfordert und in der melodramatischsten Koinzidenz zu einem Verbrechen getrieben, während ein weiterer relativer Neuzugang, Ben Waring, kurz als Stevens, der ehemalige Chauffeur, aufleuchtet. In diesen Stücken, wie auch sonst, erlaubt sich Coward durchaus, Geld als äußeren Feind des menschlichen Friedens zu betrachten; der größere historische Hintergrund jedoch kommt kaum vor: Es gibt ein paar flüchtige Spitzen, die Mussolini oder Hitler erwähnen, doch sie sind wieder weg, sobald sie da sind. In Stücken, die so fest in der „Wirklichkeit“ der Menschenleben verankert sind, ist schwer zu sagen, was man daraus machen soll. Wenn hier „die Dreißiger“ aus so vielen Blickwinkeln betrachtet werden, wirkt es seltsam, nicht mehr von der Gesellschaft jenseits der Salon­türen zu spüren.

Nick Waring, Sara Crowe, Ian Hallard, Miranda Foster in Shadow Play. Foto: Robert Workman

Aber egal. Dann bekommen wir in dem unglaublichen Shadow Play den nächsten Volltreffer: Operettenhaft verschmilzt Coward Dialog und Handlung auf eine Weise, von der die gängige Lehrmeinung behauptet, sie sei erst 1943 mit Rodgers und Hammerstein entstanden. Doch Cowards Musical-Theatre-Dramaturgie ist makellos. Er schubst uns aus der „realen“ Welt hinaus und führt uns in eine Fantasie-Episode, Jahrzehnte vor den „Dream Ballets“ der 1940er und 1950er – und man ahnt Lady in the Dark und sogar Follies auf eine Art voraus, die schlicht überwältigend und mitreißend ist. (Mindestens ein zeitgenössischer Musicalmacher spricht abfällig über Cowards Leistungen – aber ich frage mich, ob er nicht mehr daran finden und vielleicht auch lernen könnte, als er zugeben mag.)

Jeremy Rose, Rosemary Ashe in Family Album. Foto: David Monteith-Hodge

Zum Auftakt der letzten Runde (hier „Nuclear Families“ genannt) kommt die Kuriosität: Family Album – ein Blick in die längst vergangenen Tage der 1860er. Es beginnt mit einem weiteren Coup: einem betörenden Tableau einer mittviktorianischen Familienbegräbnisszene, herausgeputzt in der prächtigsten, opulentesten Trauerornat. Der Dialog ist wunderbar steif, und Coward setzt dem die Krone auf, indem er ihn in einige herrlich pastichierte Gilbert-&-Sullivan-Nummern kippen lässt. Bezaubernd. Die „Absicht“ des Stücks passt dennoch ganz und gar zum Rest des Abends, und es ist schön zu sehen, dass Wiggins – als Außenseiter, der in die Familie eingeheiratet hat – hier mehr zu tun bekommt.

Miranda Foster und Sara Crowe in Hands Across The Sea. Foto: David Monteith Hodge

Das vorletzte Stück, Hands Across The Sea, ist weniger ein Seitenhieb auf die Upper Class als eine anhaltende, genüssliche Demontage. Coward hält sich nicht zurück. Vor allem Ashe trifft ihre Belgravia-Kampfaxt, die Honourable Clare Wedderburn, punktgenau, mit feiner Unterstützung von Foster als der ebenso und wunderbar entsetzlichen Lady Maureen Gilpin („Piggie“ für ihre Freunde). Bednarczyk ist in Höchstform als der einschüchternde Commander Peter Gilpin, RN, und Rose als dessen ebenso furchtbarer Kumpan, Lieutenant Commander Alastair Corbett, RN – und Waring steht ihnen als Major Gosling in nichts nach. Was für ein Haufen. In dieses durchgedrehte Establishment stolpern die unglückseligen bürgerlichen Mr und Mrs Wadhurst aus Malaya (Hallard und Crowe) hinein – und verheddern sich buchstäblich in der Welt der Smart Set.

Doch das Schlussstück ist vielleicht das seltsamste. Wie eine gedämpfte Somerset-Maugham-Erzählung ist es eine sehr nüchterne, klarblickende Untersuchung darüber, wie Dinge schiefgehen. Und dann noch schiefer. Es gibt kaum Lacher. Die Luft scheint sich zu klären, und wir bleiben zurück und schauen sehr genau auf uns selbst. Bei aller Heiterkeit ist wenig komisch daran, wenn das Leben aus den Gleisen gerät – wenn man nicht bekommt, was man tiefer als alles andere zu wollen glaubt. Es ist kühl, distanziert, knapp und unerbittlich, und es verpasst uns einen Kinnhaken, der uns mit mehr Gedanken im Kopf nach Hause schickt als mit gemerkten Pointen. Ist es das, worum es im Leben geht? Coward verweilt keinen Moment länger als nötig, um diesen Gedanken in uns landen zu lassen. Und den Rest – so scheint er zu sagen – müssen wir selbst übernehmen, hinausgehen und für uns sortieren.

Ein bemerkenswertes Gesamtpaket – eines, um das viele andere Theater in der Stadt und im ganzen Land dieses Haus beneiden werden. Genial.

Im Jermyn Street Theatre zu sehen bis 20. Mai 2018

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