CRITIQUE : Ce Soir à 8h30, Théâtre de Jermyn Street ✭✭✭✭✭

Julian Eaves critique Tonight at 8h30 de Noel Coward, actuellement à l'affiche au Jermyn Street Theatre de Londres.

La troupe de Star Chamber. Photo : Robert Workman Tonight at 8h30

Jermyn Street Theatre,

22 avril 2018

5 Étoiles

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Quelle chance nous avons de découvrir ce cycle de neuf pièces en un acte de Noel Coward (il en a écrit une dixième, mais elle n'est pas incluse ici) offert par ce théâtre de premier plan inlassable, niché au cœur du West End, juste à côté de Piccadilly. Ce recueil d'aperçus du milieu des années 1930 est l'un des ouvrages les plus rarement joués du Maître, mais l'infréquence de ses apparitions n'indique en rien sa qualité. Le directeur artistique, le jeune et immensément talentueux Tom Littler, en tire une magie abondante, avec une distribution superbe et une splendide production, le tout à un prix très abordable. C'est tout un voyage : un démarrage un peu lent au début, mais une fois que ça démarre, c'est imparable et ça enchaîne les succès. Vous seriez fou de rater ça. Et certains jours, vous pouvez voir toutes les pièces d'un coup, ce qui est un régal immense.

Il y a trois groupes de trois pièces. Les festivités commencent avec ce que les producteurs appellent ici 'Secret Hearts', et cela commence avec 'Star Chamber' – la seule pièce qui est souvent retirée des productions (à sa place, nous avons 'Fumed Oak'). C'est un lever de rideau assez amusant, si vous aimez les exercices de méchanceté théâtrale, mais il est rendu un peu plus intéressant par l'interpolation d'épisodes de dialogues superposés intelligemment écrits. Si c'est plus que cela, alors toute substance majeure m'a échappé. Nous avons ici une distribution solide, mais cette pièce n'est guère plus qu'un agréable échauffement pour eux. Curieusement, c'est toutefois la seule pièce où Boadicea Ricketts a réellement assez à faire : c'est un nouveau talent brillant au début de sa carrière et une excellente découverte en tant que diva vaine et égocentrique qui est la maîtresse du non-séquitur dévastateur. Je suis sûr que nous la reverrons en temps voulu.

Jeremy Rose et Rosemary Ashe dans Red Peppers. Photo : Robert Workman

Ensuite, 'Red Peppers' est une représentation vieillissante et grinçante d'artistes de variétés douteux de dixième ordre. Même Rosemary Ashe et Jeremy Rose (dans les rôles de Lily et George Pepper) ne parviennent pas tout à fait à obtenir le bon ton dans les numéros musicaux pastiches de music-hall et les querelles en coulisse. Coward a écrit ce matériau comme un véhicule pour des stars comme lui-même et Gertrude Lawrence, à une époque où ils avaient à peu près le même âge que le siècle lui-même ; entre les mains de performeurs beaucoup plus âgés, cela gagne en profondeur, devenant un portrait de la déception et des vies gâchées, mais les chansons sont pleines d'esprit et de gaieté et s'intègrent étrangement dans un milieu plus âgé.

Nick Waring et Miranda Foster dans Still Life. Photo : Robert Workman

Le premier 'trilogie' se termine par peut-être le récit le plus connu du groupe : 'Still Life' est l'histoire courte dramatique qui est devenue 'Brève Rencontre' de David Lean, actuellement également sur scène juste à côté à Haymarket au cinéma Empire dans la réécriture radicale de l'histoire par Emma Rice avec Kneehigh. La comparaison est intéressante. Contrairement à ici, Rice fait tout sauf livrer l'œuvre 'directement', et l'effet est immédiatement galvanisant. En revanche, Miranda Foster et Nick Waring jouent Laura et Alec presque comme le texte les décrit, et nous semblons flotter à la surface du monde de Coward, sans jamais vraiment entrer en contact avec lui.

Et puis quelque chose de remarquable se produit. Soudain, au milieu d'une conversation autour de leurs tasses de thé à une table dans le café de la gare, nous plongeons au cœur de leurs vies. Comment cela se produit, il est difficile de le dire, mais tout à coup, chaque mot est illuminé de l'intérieur et tout ce qu'ils disent est incroyablement important. Les acteurs ont manifestement travaillé très soigneusement pour en arriver là, mais à partir de là, ce n'est pas seulement cette pièce mais tout l'événement qui change de direction et d'humeur. Tout commence à se mettre en place. La magie de tous les éléments qui travaillent ensemble commence à se produire. Et cela continue d'arriver, tout au long des pièces restantes.

Ian Hallard et Sara Crowe dans We Were Dancing. Photo : Robert Workman

Après le premier long entracte (il n'y a que des pauses de 15 minutes entre les deuxième et troisième pièces de chaque set, et des intermèdes musicaux intelligents entre la première et la deuxième - la brillante repartie de Stefan Bednarczyk est un délice ici), la production ne semble jamais faire un faux pas. Le deuxième groupe de pièces (ici appelé 'Bedroom Farces') débute avec l'approche presque surréaliste de la comédie légère, 'We Were Dancing'. Sara Crowe gère les rebondissements fous du personnage de Louise avec le même aplomb et la même vigueur que nous attendons d'Amanda et de toutes les meilleures rôles féminins de Coward ; Ian Hallard est un excellent faire-valoir lunaire pour elle en tant que parvenu Karl, tandis que Waring est réinventé ici en mari outragé, Hubert, avec un défaut d'élocution George VI, et Rosemary Ashe capture parfaitement la bonne note en tant que sa sœur mégère, Clara. Les scènes de ce quatuor ensemble, des batailles acharnées d'intellect et de passion, sont exécutées avec un contrôle et une énergie à la Shaw, donnant une beauté formelle éblouissante à ce contenu farfelu.

Non moins dans l'effet de tout cela sont : les délicieuses créations de Louie Whitemore (qui remplit la scène encore et encore avec de magnifiques illustrations de l'époque - et dans ce petit espace souterrain, on ne peut que se demander où ils parviennent à ranger tout le décor) ; la fantastique collection de costumes (des dizaines !) de l'impossible talentueuse Emily Stuart ; et, l'éclairage parfait de Tim Mascall. En outre, Tom Attwood maîtrise la scénographie sonore, nous guidant à travers des émissions de radio, des récitals classiques, et des bruits ambiants, augmentant l'ampleur épique du cycle.

Miranda Foster, Nick Waring et Ian Hallard dans Ways and Means. Photo : Robert Workman

Si 'We Were Dancing' vous laisse penser qu'à lui seul il vaut le prix du billet - et c'est le cas - alors des gloires encore plus grandes sont à venir. 'Ways and Means' est une autre arabesque extraordinairement conçue et magnifiquement réalisée d'une idée, tirée d'une imagination divinement espiègle ; Foster et Waring jouent ici un tout autre type de couple, financièrement tendu et poussé au crime de la manière la plus mélodramatiquement coïncidente, avec un autre nouvel arrivant, Ben Waring, brillant brièvement dans le rôle de Stevens, l'ancien chauffeur. Dans ces pièces, comme ailleurs, Coward se permet de considérer l'argent comme un ennemi extérieur à la paix humaine : cependant, le contexte historique plus large est à peine pris en compte : il y a quelques plaisanteries mentionnant de manière fugace Mussolini ou Hitler, mais elles disparaissent aussi vite qu'elles arrivent. Dans des pièces si fermement ancrées dans la 'réalité' des vies des gens, il est difficile de savoir quoi en penser. Avec 'les années 30' abordées sous tant d'angles différents ici, il semble étrange de ne pas avoir plus de lumière sur la société au-delà des portes du salon.

Nick Waring, Sara Crowe, Ian Hallard, Miranda Foster dans Shadow Play. Photo : Robert Workman

Peu importe. Ensuite, dans l'incroyable 'Shadow Play', nous avons un autre coup direct : façon opérette, Coward fusionne dialogue et action d'une manière que la sagesse conventionnelle dit ne pas s'être produite avant Rodgers et Hammerstein en 1943. Mais la dramaturgie de théâtre musical de Coward est impeccable. Nous poussant hors du monde 'réel' et nous emmenant dans un épisode de fantaisie des décennies avant les 'ballets de rêve' des années 40 et 50, nous anticipons 'Lady in the Dark' et même 'Follies' d'une manière qui est simplement éblouissante et électrisante. (Au moins une figure contemporaine du monde de la comédie musicale parle avec condescendance des réalisations de Coward, mais je me demande si elle n'a pas trouvé plus à aimer, et peut-être à apprendre, de ses œuvres qu'elle ne veut bien l'admettre ?)

Jeremy Rose, Rosemary Ashe dans Family Album. Photo : David Monteith-Hodge

Pour le début du dernier tour de pièces (ici appelé, 'Nuclear Families') nous avons l'originalité : 'Family Album' - un aperçu des jours révolus des années 1860. Cela commence par un autre coup d'éclat : un tableau ravissant d'une scène d'enterrement de famille de mi-victorien, parée de la plus splendide des œuvres de deuil. Le dialogue est merveilleusement guindé, et Coward renchérit en l'inclinant vers quelques morceaux pastiches de Gilbert & Sullivan. Envoûtant. L' 'intention' de la pièce est toujours très en harmonie avec le reste du spectacle, et c'est agréable de voir Wiggins, en tant qu'étranger marié dans la famille, faire plus ici.

Miranda Foster et Sara Crowe dans Hands Across The Sea. Photo : David Monteith Hodge

L'avant-dernière pièce, 'Hands Across The Sea', n'est pas tant un coup contre les classes supérieures qu'une mise en pièces soutenue. Il ne retient rien. Ashe en particulier saisit son personnage de Belgravia, la formidable Clare Wedderburn, à la perfection, avec une excellente collaboration de Foster dans le rôle de l'également merveilleusement horrible Lady Maureen Gilpin ('Piggie' pour ses amis), Bednarczyk est en pleine forme en tant que redoutable Commandant Peter Gilpin, RN, et Rose dans le rôle de son aussi terrible acolyte, le Lieutenant Commander Alastair Corbett, RN, avec Waring faisant de même pour le Major Gosling. Quel groupe. Dans leur établissement farfelu s'égarent le malheureux couple de classe moyenne Mr et Mrs Wadhurst de Malaisie (Hallard et Crowe), se retrouvant littéralement empêtrés dans le monde des riches.

Mais la pièce de clôture est peut-être la plus étrange. Comme une histoire atténuée de Somerset Maugham, c'est un examen très sobre et lucide des choses qui tournent mal. Et puis empirent. Il y a peu de rires. L'air semble se clarifier et nous nous retrouvons à nous regarder très attentivement. Malgré toute la gaieté, il y a peu d'amusement à voir la vie dérailler, à ne pas obtenir ce que vous croyez vouloir plus profondément que tout. C'est froid, détaché, sobre, et impitoyable, et cela nous assène un coup de poing en traître pour nous renvoyer chez nous avec plus de pensées dans nos têtes que de blagues mémorables. Est-ce cela la vie ? Coward ne s'attarde pas un instant de plus que nécessaire pour nous faire comprendre cela. Et le reste, semble-t-il impliquer, c'est à nous, de partir et de résoudre par nous-mêmes.

Un ensemble remarquable, qui fera l'envie de bien d'autres théâtres de la ville, et du pays. Génie.

À l'affiche au Jermyn Street Theatre Jusqu'au 20 mai 2018

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