KRITIK: Translations, National Theatre ✭✭✭✭✭

Sophie Adnitt bespricht Brian Friels Translations, derzeit im Olivier Theatre am National Theatre zu sehen.

Das Ensemble von Translations. Foto: Catherine Ashmore Translations

National Theatre, Olivier

Fünf Sterne

Tickets buchen Zurück für eine weitere Spielserie (wenn auch mit teilweise neu besetzter Besetzung) rechtfertigt die 2018er Inszenierung des National Theatre von Brian Friels Translations ihre Rückkehr auf die Olivier-Bühne mehr als eindrucksvoll.

Das Stück spielt im Irland der 1830er-Jahre und folgt einer ländlichen Gemeinschaft, die mit der Ankunft englischer Soldaten konfrontiert ist, die eine Karte für die Landesvermessung (Ordnance Survey) anfertigen. Die beiden Gruppen halten zunächst vorsichtig Abstand, bis der umherirrende verlorene Sohn Owen (Fra Fee) nach Hause zurückkehrt – im Dienst der Engländer, als Übersetzer. Owen soll gemeinsam mit dem englischen Leutnant Yolland (Jack Bardoe) die Ortsnamen der Gegend anglisieren und damit die über Generationen gewachsenen Geschichten abschneiden, aus denen diese Namen überhaupt erst entstanden sind. In Owens Gemeinschaft löst dieser Prozess sehr unterschiedliche Reaktionen aus – und zusätzlich verkompliziert sich alles, als Yolland beginnt, sich in Irland zu verlieben.

Dermot Crowley und Judith Roddy in Translations. Foto: Catherine Ashmore

Rae Smiths hervorragendes Bühnenbild füllt die Olivier-Bühne mit einem aufgewühlten, aber ungezähmten Feld, das die Figuren durchqueren, und Neil Austins Lichtdesign ist schlicht atemberaubend. Und doch entsteht irgendwie – selbst in diesem riesigen Raum – in Ian Ricksons Regie ein bemerkenswertes Gefühl von Intimität. Vor allem der erste Teil des Stücks hat eine unerwartete Wärme, wenn der Hecken-Schulmeister Hugh (Ciarán Hinds) versucht, den Unterricht zu leiten: Er spricht Latein, verweist auf griechische Mythen und stellt den Schülern Fragen, fordert sie auf, die Ursprünge bestimmter Wörter zu finden. Wörter stehen im Mittelpunkt dieses Stücks. Es ist eine Hommage an die Sprache, die fast etwas Nachrufhaftes hat – ehrfürchtig gegenüber der Vergangenheit und dem Unbekannten (an einer Stelle wiederholt Yolland leise die irischen Ortsnamen, die Owen laut vorliest, als wären sie ein Gebet).

Rufus Wright, Fra Fee, Jack Bardoe. Foto: Catherine Ashmore

Doch selbst mit dieser Wärme und diesen Rhythmen, die sich wie in die Knochen der Menschen eingegraben haben, gerät alles aus dem Gleichgewicht, als Owen erscheint. Fra Fee liefert eine herausragende Leistung ab und spielt Owen zunächst mit einer Geselligkeit, die spürbar nicht ganz stimmt – und ihn sofort von der eigenen Familie abhebt. Später spricht er über seine Heimat fast mit einem Hauch von Verachtung, mit der Attitüde eines Menschen, der seine Kleinstadt für die Stadt hinter sich gelassen hat und nie vorhatte zurückzukehren. Er schämt sich beinahe für seine Vergangenheit und seine Gemeinschaft und reagiert offen ungläubig auf Yollands Lob. Es ist eine faszinierende und vielschichtige Darstellung – besonders dann, wenn ihn seine Entscheidungen schließlich einholen und er zwischen Welten feststeckt: irisch und englisch, Vergangenheit und Zukunft, Tradition und Fortschritt. Die Gedanken stehen ihm klar ins Gesicht geschrieben.

Auch sonst ist das Ensemble stark: Jack Bardoe verleiht Yolland Aufrichtigkeit und jugendliche Offenheit – in seinem professionellen Theaterdebüt. Judith Roddy gibt der eigensinnigen Maire eine bemerkenswerte Würde und Noblesse, und Liadán Dunlea als schreckhafte, nervöse Sarah, der die eigenen Worte ausgerechnet dann entgleiten, wenn sie sie am dringendsten braucht, ist ungemein fesselnd. Dass Dunlea im Hintergrund der wortreicheren Mitspielenden eine ganze ungesagte Geschichte für Sarah miterzählt – achten Sie nur darauf, wie sie auf alle um sich herum reagiert – ist außergewöhnlich.

Jack Bardoe und Judith Roddy. Foto: Catherine Ashmore Und dann ist da Ciarán Hinds: Von dem Moment an, in dem er auftritt, glaubt man ihm vollkommen, dass er dort ist – in Baile Beag, im Jahr 1833, und es gibt hier kein Publikum, nur Hugh, der die Welt des Stücks vollständig bewohnt. Als Hugh schwankt Hinds zwischen trunkener Unzulänglichkeit und scharfem Intellekt, während seine Autorität langsam entgleitet – zusammen mit der Lebensweise, die er immer kannte. Gegen Ende schaut Hinds als Hugh Fee als Owen so intensiv an, dass ich mich wundere, dass er ihm nicht buchstäblich Löcher in die Haut brennt. Seine letzte Rede, eine berauschte Rezitation aus Vergils Aeneis, lässt ein zuvor noch raschelndes und hustendes Publikum verstummen – gebannt und verzaubert. „Wörter sind Signale“, sagt Hugh, „sie sind nicht unsterblich.“ Es ist ein Gedanke, der zuvor teilweise von seinem Sohn angedeutet wird, wenn Owen protestiert: „Es ist doch nur ein Name“ – über die wiederholte falsche Benennung seiner Person durch den englischen Soldaten. Das deutet an, dass dies zwar ein Stück über Wörter ist, aber eben so viel mehr. Es geht um Unvermeidlichkeit und einen allmählichen, unaufhaltsamen Verlust; darum, zwischen einem Ort und einem anderen zerrissen zu sein und nie ganz von beidem „genug“ zu sein. Überwältigend kraftvoll und beeindruckend auf die Bühne gebracht, beweist Translations mehr als deutlich, dass es zu den besten Produktionen gehört, die man in diesem Jahr sehen kann. Nicht verpassen.

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