RESEÑA: Translations, Teatro Nacional ✭✭✭✭✭

Sophie Adnitt reseña Translations de Brian Friel, actualmente en cartel en el Olivier Theatre del National Theatre.

El reparto de Translations. Foto: Catherine Ashmore Translations

National Theatre, Olivier

Cinco estrellas

Comprar entradas De vuelta para una nueva temporada (aunque con un reajuste parcial del reparto), la producción de 2018 del National Theatre de Translations de Brian Friel justifica con creces su regreso al escenario del Olivier.

Ambientada en la Irlanda de la década de 1830, la obra sigue a una comunidad rural que afronta la llegada de soldados ingleses que elaboran un mapa del Ordnance Survey. Ambos grupos mantienen una distancia recelosa entre sí hasta que el hijo pródigo y díscolo Owen (Fra Fee) regresa a casa, al servicio de los ingleses, como traductor. A Owen se le encomienda, junto al teniente inglés Yolland (Jack Bardoe), anglicanizar los nombres de los lugares de la zona, desprendiéndose así de generaciones de historias que dieron origen a esos nombres. Este proceso provoca una respuesta claramente dispar en la comunidad de Owen, y todo se complica aún más cuando Yolland empieza a enamorarse de Irlanda.

Dermot Crowley y Judith Roddy en Translations. Foto: Catherine Ashmore

La excelente escenografía de Rae Smith llena el escenario del Olivier con un campo removido pero indómito por el que los personajes atraviesan a pie, y el diseño de iluminación de Neil Austin es sencillamente deslumbrante. Y, aun así, incluso en este espacio inmenso, la puesta en escena de Ian Rickson logra crear una intimidad verdaderamente extraordinaria. Especialmente el primer tramo de la obra desprende una calidez inesperada: el maestro de la escuela clandestina, Hugh (Ciarán Hinds), intenta impartir clase, hablando en latín, aludiendo a mitos griegos y lanzando preguntas al alumnado, pidiéndoles que busquen el origen de determinadas palabras. Las palabras están en el centro de esta obra. Es un homenaje al lenguaje con algo de elegía, reverente ante el pasado y ante lo desconocido (en un momento, Yolland repite en voz baja los topónimos irlandeses que Owen lee en alto como si fueran una oración).

Rufus Wright, Fra Fee, Jack Bardoe. Foto: Catherine Ashmore

Pero incluso con esa calidez y esos ritmos que parecen grabados en los huesos de la gente, la llegada de Owen lo descoloca todo. Fra Fee ofrece una interpretación extraordinaria, construyendo a Owen al principio con una jovialidad que resulta sospechosamente impostada, separándolo de inmediato de su propia familia. Más adelante, habla de su tierra natal casi con desdén, con el aire de quien escapó de su pueblo a la ciudad y jamás pensó en volver. Casi se avergüenza de su pasado y de su comunidad, y se muestra abiertamente incrédulo ante los elogios de Yolland. Es una caracterización sugerente y compleja, sobre todo cuando sus decisiones por fin le pasan factura y queda atrapado entre dos mundos: irlandés e inglés, pasado y futuro, tradición y progreso. Todo se le lee en la cara.

En el resto del reparto, Jack Bardoe dota a Yolland de sinceridad y de una apertura juvenil en su debut profesional en el teatro. Judith Roddy aporta una dignidad y una nobleza notables a la obstinada Maire, y Liadán Dunlea, como la nerviosa y esquiva Sarah, a quien sus propias palabras se le escapan cuando más las necesita, resulta enormemente cautivadora. Que Dunlea logre mostrar por completo toda una historia no contada de Sarah en segundo plano frente a sus compañeros más verbales —basta con ver cómo reacciona a quienes la rodean— es extraordinario.

Jack Bardoe y Judith Roddy. Foto: Catherine Ashmore Y luego está Ciarán Hinds: desde el instante en que aparece, crees plenamente que está ahí; está en Baile Beag, en 1833, y aquí no hay público, solo Hugh habitando por completo el mundo de la obra. Como Hugh, Hinds oscila entre la ineptitud alcohólica y una inteligencia feroz mientras su autoridad se va desmoronando, igual que la forma de vida que siempre ha conocido. Hacia el final, Hinds como Hugh mira a Fee como Owen con tanta intensidad que me sorprende que no le hiciera agujeros a través. Su monólogo final, una recitación ebria de la Eneida de Virgilio, deja en silencio y hechizado a un público que antes se removía y tosía. «Las palabras son señales», dice Hugh. «No son inmortales». Es una idea que su hijo anticipa parcialmente antes, cuando Owen protesta «Es solo un nombre» ante la insistencia del soldado inglés en llamarle mal. Esto sugiere que, aunque sea una obra sobre las palabras, es mucho más que eso. Es una obra sobre la inevitabilidad y una pérdida gradual e imparable, sobre estar desgarrado entre un lugar y otro y no ser nunca del todo “suficiente” en ninguno. Enormemente poderosa y puesta en escena con gran solvencia, Translations se confirma de sobra como una de las producciones imprescindibles de este año. No os la perdáis.

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