KRITIK: Twang!, Union Theatre ✭✭✭

Julian Eaves bespricht Lionel Barts Musical Twang!, das derzeit im Union Theatre in Southwark eine Wiederaufnahme erlebt.

Twang!!

Union Theatre

13. April 2018

3 Sterne

Tickets buchen Lionel Bart, Songwriter und Schöpfer des Musicaltheater-Megahits „Oliver!“ sowie epochaler Popsongs wie Sir Cliffs „Livin’ Doll“, war der König des britischen Songwritings.  „Twang!!“ – mit seinen doppelläufigen Ausrufezeichen – war die Show, die ihn zu Fall brachte: Sie vernichtete sein Vermögen und zerstörte seine Karriere, sodass danach nur noch künstlerische und persönliche Bedeutungslosigkeit blieb, bevor er 1999 gebrochen und weitgehend unbeachtet starb.  Es hat etwas morbide Faszinierendes, heute hingehen und den Ort des Absturzes inspizieren zu können – hier mit kaum nachvollziehbarer Begeisterung im Union Theatre wiederbelebt.

Barts Verleger und Nachlassverwalter hatten einigen Erfolg damit, die beiden auf „Oliver!“ folgenden Stücke erneut zu lancieren: „Blitz!“ (ich erfinde diese Ausrufezeichen nicht – so werden die Titel tatsächlich geschrieben) und „Maggie May“. Doch „Twang!!“ hat sich einer Wiederaufnahme widersetzt.  Bis jetzt.  Das Stück war berüchtigt chaotisch – nicht zuletzt, weil es offenbar kein erkennbares „Book“ gab, jedenfalls nicht dasselbe von Vorstellung zu Vorstellung.  Da man dies als gravierende Schwäche des Materials erkannte, lud der Nachlass klugerweise eine Auswahl geschätzter Branchenköpfe ein, Angebote abzugeben, um es zu reparieren.  Wer die übrigen Kandidaten waren, darf ich nicht sagen, aber ich kann verraten, dass Julian Woolford das Verfahren gewonnen hat – derzeit Head of Musical Theatre an der für die Branche führenden Schauspielschule Guildford School of Acting.  Woolford schreibt Stücke und Musicals und hat an einigen Standardtiteln mitgewirkt, die erklären, wie man in diesem anspruchsvollen Genre arbeitet.

Seine Entscheidungen verdienen Respekt.  Hier hat er – soweit man das sagen kann – die Songs der Originalpartitur beibehalten und zudem nicht nur „Livin’ Doll“ (ich weiss nicht, warum) hineingezwängt, sondern auch eine Fülle an Zitaten – teils sehr umfangreich – aus diesem, jenem und noch einem anderen Musical, sodass das Ganze nun zu einer Art „Parodie der Parodien“ wird.  Wenn so etwas genau Ihr Ding ist, lesen Sie ruhig weiter.

Gepaart mit einem unablässigen Schwall an Musicaltheater-Insiderwitzen scheint der grösste Teil des ersten „Acts“ auch danach zu streben, eine Art Humor zu erreichen, die weniger „niedrig“ als vielmehr „unterkellert“ ist: Das erinnert stark an späte Carry On-Filme – mit einer penetranten, sehr, sehr offensichtlichen Fixierung auf leicht verkrampften Schmuddelkram, der an die plastikartige Leere von Robin Asquiths „Confessions“-Reihe denken lässt.  Wenn das für Sie purer Weltgenuss ist, dann bitte: bleiben Sie dran.  Während wir Richtung Pause taumeln, schält sich so etwas wie eine „Handlung“ heraus – und sie kommt uns aus dem Errol-Flynn-Film ziemlich bekannt vor.  In der zweiten Hälfte bekommt dieses erzählerische Element einen willkommenen Schub, und die Show gewinnt tatsächlich zumindest etwas, das an dramatisches Interesse erinnert.  Höchste Zeit, würden manche sagen.  Allerdings reflektiert es nicht gerade schmeichelhaft auf diese Fassung, wenn man dabei an eine gelungenere Adaption derselben Geschichte erinnert wird.

Alle üblichen, formelhaften und wenig überraschenden Schritte werden abgearbeitet, und wir erreichen eine Art Auflösung – die allerdings eher auf Komfort als auf Tempo gepolstert ist: mit einer finalen – und endlich vollständigen – Darbietung einer mühsam erarbeiteten Durchlaufversion von Sir Cliffs grosser Nummer.  Unterwegs gibt es nur einen Bart-Song, der unsere Aufmerksamkeit wirklich verdient: „I’ve Got A Handful Of Songs To Sing You“ ist eine wirklich schöne Nummer, und wäre sie nicht unter einem Berg aus Camp und schäbiger Zweideutigkeit vergraben, könnten wir sie vielleicht sogar als das würdigen, was sie ist.  So wie es ist, lässt uns das Buch kaum Luft dafür.  Stattdessen dienen die ständigen Erinnerungen an andere – viel bessere – Musicals vor allem dazu, uns immer und immer wieder vor Augen zu führen, dass genau das, was sie wertvoll macht, hier so auffällig fehlt.  Auch wenn die Pastiches und Referenzen oft mit gewandter Präzision gespielt werden, erzeugen sie Lacher auf Kosten von „Twang!!“ selbst – und das klingt zunehmend hohl.

Das ist wirklich schade.  Es gibt viele Momente, in denen man denkt: „Oh, der Witz war eigentlich ziemlich gut.“  Doch das Problem mit Woolfords prall gefüllter Trickkiste ist, dass kein Raum zum Atmen bleibt.  Bryan Hodgsons Regie setzt die Vorgaben des Textes brav so um, wie sie festgeschrieben sind, aber er schafft es nicht, diesem gut konservierten, jedoch vollkommen trägen Körper den Atem des Lebens einzuhauchen.  Als Jahresabschluss-Sketch an einer Schauspielschule mag das durchaus Charme haben – und ich verstehe, dass ein früherer Workshop des Textes tatsächlich an der GSA unter Woolfords eigener Leitung stattfand.  Als eigenständiges Werk liefert diese Version, falls man je wissen wollte, warum es beim ersten Mal ein derart kolossaler und schädlicher Misserfolg war, reichlich Hinweise.

Immerhin gibt es die zupackende Lebendigkeit von Mitchell Harpers Choreografie zu bewundern und Ben Jacobs’ stilvolles Lichtdesign.  Justin Williams und Jonny Rust liefern ein weiteres ansehnliches Bühnenbild für dieses Haus – sie werden zu Experten darin, wie man den Raum hier nutzt.  Penn O’Garas Kostüme sind vielleicht der einfallsloseste Teil des Produktionsdesigns: Die frühe Zeile „Willkommen in den Sechzigern… den 1160ern“ deutet verführerisch eine andere Richtung an, die man hätte einschlagen können (nebenbei: Es ist nicht das richtige Jahrzehnt für diese Figuren, aber ich nehme an, das ist hier ohnehin niemandem wirklich wichtig).  Leider wird die Besetzung trotz aller unermüdlichen Anstrengungen von grobem Stoff und Polsterung, Perücken und ausgesprochen unsexy, bodenlangen historischen Kleidern beschwert.  Bei all der überschäumenden Derbheit des Textes bekommen diese bezaubernd fleissigen und sympathischen jungen Leute einfach nicht die Gelegenheiten, das zu tun, was das Buch offenbar versucht: uns eine Anschauungsstunde über den Wert des Musicaltheaters zu geben.  Spätere Produzenten dieser Show (falls es welche geben sollte – und wir haben 53 Jahre auf diese Wiederaufnahme gewartet) könnten den reduzierten Ansatz von etwa „Chicago“ (kein Ausrufezeichen – keines nötig) studieren, um zu erkennen, dass im Theater wie im Leben weniger oft mehr ist… sehr viel mehr.

Schliesslich muss man dieser beherzten Truppe Respekt zollen, die Herz und Seele in dieses Projekt legt.  Peter Noden ist ein angenehmer Robin, Kweeva Garvey eine strahlende Marian, Joe Rose gewinnt als Much im Verlauf willkommen an Tempo, und Jessica Brady setzt als Delphina Leuves-Dick (verstanden?) einen selbstbewussten Akzent.  Christopher Hewitt ist ein Sheriff von Nottingham, der ein wenig an Victor Spinetti erinnert.  Christian Lunn spielt Little John auf angenehme Art im Stil von Peter Gilmore, und Kane Verrall dreht jederzeit alle Zylinder hoch, um Will Scarlett mit mehr als nur menschlicher Energie zu füttern (und ist mit einem der wenigen auffälligen Kostüme in einer insgesamt recht tristen Show gesegnet).  Stephen Patrick bleibt – wenn auch nicht unbedingt akustisch – als der eigenartige Hob of the Hill im Gedächtnis, und Victoria Nicol ist eine sehr „Joan-Collins“-hafte Lady Elpheba.  Ed Court macht eine spritzige Figur in der alten Basil-Rathbone-Rolle des Sir Guy of Gisbourne.  Die kluge Komödiantin Francesca Pim hat als Lady Dolly vielleicht nicht ganz genug zu tun, und Micah Holmes sorgt als Dance Captain für Diversität – ach, wie schade, dass wir seinen grossartigen Spagatsprung erst ganz am Schluss zu sehen bekommen!  Louie Westwood liefert eine weitere sehr solide Neuauflage seiner campen Persona als Friar Tuck, Chris Draper ist im Ensemble stets nützlich, und James Hudson ist angenehm als Alan-A-Dale.  Am eindrücklichsten ist allerdings wohl die Charakterzeichnung von Lewis McBeans schamloser Plünderung von Oliviers Henry V als Prince John – eine interessante Intertextualität.  Wirklich eine sehr ansehnliche Truppe.

Und Henry Brennan hält die Musik auf ihrem „Rent-a-Quote“-Kurs am Laufen, investiert in Barts meist eher schwächere Nummern mehr Liebe und Aufmerksamkeit, als sie wirklich verdienen, und springt in letzter Minute auch noch als Richard I. ein.  Am Schlagzeug sitzt Nick Anderson, und James Hudson spielt Gitarre.

Niemand kann dieser Kompanie vorwerfen, nicht ihr verdammt Möglichstes zu versuchen, um das Ganze zum Leben zu erwecken.  Man hört, dass das Publikum bei der ersten Preview auf ihrer Seite war und die Kost aus Dreckigkeiten und Klischees dankbar verschlungen hat.  Vielleicht folgen weitere Zuschauerinnen und Zuschauer, die genauso ticken.  Ich hoffe es – ihnen zuliebe.  Am Presseabend jedoch habe ich selten erlebt, dass sich ein Theater so schnell und so leise leert wie hier: Es war, als könnten die Leute es kaum erwarten, wegzukommen.  Das ist wirklich unfair gegenüber einer Truppe, die versucht, vielleicht das Unmögliche zu leisten: aus Liebe zu einem der grössten Autoren des Musicaltheaters ein – vielleicht zum letzten Mal – verlorenes Kind zurückzubringen, das es nie geschafft hat, ihm ein neues Buch zu geben, es bis unter die Dachkante mit wissendem Humor zu füllen und es fest zu umarmen.  Das mag am Ende nicht ausreichen, unsere Sicht auf das Werk zu verändern, aber es ist ein heroischer Versuch – und ich frage mich, ob unter den Umständen irgendjemand das wirklich besser hätte machen können.

Bis 5. Mai 2018. Fotos:  Anton Belmonté

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