RECENSIONE: Twang!, Union Theatre ✭✭✭

Julian Eaves recensisce il musical di Lionel Bart Twang!, ora in ripresa all’Union Theatre di Southwark.

Twang!!

Union Theatre

13 aprile 2018

3 stelle

Prenota i biglietti Lionel Bart, autore-compositore dietro il fenomeno colossale del musical ‘Oliver!’ e canzoni pop che hanno segnato un’epoca come ‘Livin’ Doll’ di Sir Cliff, era il Re della canzone britannica.  ‘Twang!!’, con i suoi punti esclamativi doppi, è stato lo spettacolo che l’ha fatto crollare, annientandone la ricchezza e distruggendone la carriera, lasciandogli davanti solo un’oblio artistico e personale, prima della morte nel 1999, nell’anonimato e a pezzi.  C’è una certa morbosa fascinazione nel poter oggi andare a ispezionare il luogo dell’incidente, qui riproposto con un entusiasmo difficile da comprendere all’Union Theatre.

Gli editori e gli esecutori testamentari di Bart hanno avuto qualche successo nel rilanciare i due spettacoli successivi a ‘Oliver!’, ‘Blitz!’ (non mi sto inventando tutti questi punti esclamativi: è così che sono scritti i titoli) e ‘Maggie May’, ma ‘Twang!!’ ha resistito alle riprese.  Fino ad ora.  Lo spettacolo era famosamente caotico, non da ultimo perché privo di un vero e proprio copione riconoscibile, o almeno non lo stesso da una replica all’altra.  Ritenendo che questa fosse una grave debolezza del titolo, l’eredità ha saggiamente invitato a presentare “offerte” una selezione di figure del settore molto stimate per rimetterlo in sesto.  Chi fossero gli altri concorrenti non posso dirlo, ma posso rivelare che a vincere è stato Julian Woolford, attualmente responsabile del Musical Theatre presso una delle principali scuole di recitazione per l’industria, la Guildford School of Acting.  Woolford scrive testi teatrali e musical e ha contribuito ad alcuni dei titoli di riferimento su come lavorare in questo genere tanto impegnativo.

Le sue scelte vanno rispettate.  Qui ha mantenuto le canzoni della partitura originale — per quanto possiamo capire — e ci ha anche infilato a forza non solo ‘Livin’ Doll’ (non so perché) ma anche una miriade di citazioni — alcune lunghissime — da questo, quello e quell’altro musical, trasformando il tutto in una specie di “parodia di parodie”.  Se è il genere di cosa che potrebbe fare al caso vostro, continuate a leggere.

Legata a un torrente ininterrotto di battute interne da musical, la maggior parte del primo “atto” di questo intrattenimento sembra anche impegnata a raggiungere un tipo di umorismo non tanto “basso” quanto “da scantinato”: ricorda piuttosto i Carry On “tardi”, con un’ossessione insistente e fin troppo evidente per una salacità un po’ impacciata che richiama il vuoto di plastica della serie ‘Confessions’ con Robin Asquith.  Anche qui, se per voi tutto ciò è una gioia terrena, allora perseverate pure.  Mentre barcolliamo verso l’intervallo, affiora una sorta di “trama”, che ci sembra piuttosto familiare dal film con Errol Flynn.  Nella seconda parte questo elemento narrativo riceve una gradita spinta, e lo spettacolo comincia a prendere almeno qualcosa che assomiglia a un interesse drammatico.  Non era ora, direbbe qualcuno.  Tuttavia, essere rimandati a un adattamento più riuscito di questa storia non giova affatto a questo.

Vengono eseguite tutte le mosse consuete, formulaiche e per nulla sorprendenti, e arriviamo a una sorta di scioglimento, anche se viene imbottito per offrire più comodità che rapidità da una resa finale — e finalmente completa — del pezzo forte di Sir Cliff, faticosamente preparata.  Lungo il percorso, c’è una sola canzone di Bart che si sia guadagnata davvero la nostra attenzione: ‘I’ve Got A Handful Of Songs To Sing You’ è un numero davvero delizioso e, se non fosse sepolto sotto una montagna di camp e di allusioni dozzinali, potremmo persino apprezzarlo come merita.  Così come stanno le cose, il testo quasi non ce ne dà occasione.  Invece, i continui richiami ad altri musical — molto migliori — servono solo a ricordarci, ancora e ancora, che ciò che li rende validi sono proprio tutte le cose che qui mancano in modo così vistoso.  Anche quando eseguiti con notevole abilità, pastiche e riferimenti strappano risate a spese di ‘Twang!!’ stesso, e questo suona sempre più vuoto.

È un vero peccato.  Ci sono molti momenti in cui ci si ritrova a pensare: “Oh, quella battuta in realtà era piuttosto buona”.  Ma il problema della scatola di trucchi strapiena di Woolford è che non c’è spazio per respirare.  La regia di Bryan Hodgson si limita diligentemente a mettere in pratica i precetti del testo nel modo in cui sono prescritti, ma non riesce a far entrare il soffio della vita in questo corpo ben conservato ma completamente inerte.  Come sketch di fine anno di una scuola di recitazione, la cosa potrebbe anche avere un certo fascino, e capisco che un precedente workshop del copione sia stato effettivamente realizzato alla GSA sotto la supervisione dello stesso Woolford.  Come opera autonoma, però, se vi siete mai chiesti perché la prima volta sia stata un fallimento così colossale e dannoso, questa versione offre indizi in abbondanza.

Nel frattempo, c’è da ammirare la frizzante vivacità delle coreografie di Mitchell Harper e le luci eleganti di Ben Jacobs.  Justin Williams e Jonny Rust firmano un’altra bella scenografia per questo spazio — stanno diventando esperti nel valorizzarlo.  I costumi di Penn O’Gara sono forse l’aspetto meno immaginativo del design: la battuta iniziale “Benvenuti negli anni Sessanta… nel 1160” allude in modo stuzzicante a un’altra direzione che si sarebbe potuta prendere (tra l’altro, non è il decennio giusto per questi personaggi, ma dubito che importi davvero a qualcuno).  Purtroppo, il cast, per quanto instancabile, viene appesantito da panni grossolani e imbottiture, parrucche e lunghi abiti d’epoca decisamente poco sexy.  Per tutta la sfrenata sfrontatezza del copione, questi giovani, simpatici e davvero laboriosi non hanno le occasioni per fare ciò che il testo sembra voler fare: darci una lezione esemplare sul valore del musical.  I produttori futuri di questo spettacolo (se mai ce ne saranno, e abbiamo aspettato 53 anni per questa ripresa) potrebbero voler studiare l’approccio essenziale adottato, per esempio, da ‘Chicago’ (niente punto esclamativo — non serve), per rendersi conto che a teatro, come nella vita, spesso meno è di più… molto di più.

Infine, bisogna riconoscere il merito a questa intrepida compagnia, che mette cuore e anima nel progetto.  Peter Noden è un Robin piacevole, Kweeva Garvey una Marian luminosa, Joe Rose acquista un ritmo benvenuto man mano che procede nei panni di Much, e Jessica Brady colpisce con sicurezza come Delphina Leuves-Dick (capito?), mentre Christopher Hewitt è uno Sceriffo di Nottingham un po’ alla Victor Spinetti.  Christian Lunn interpreta Little John in modo gradevole, alla Peter Gilmore, e Kane Verrall tiene il piede sull’acceleratore in ogni istante per pompare in Will Scarlett un’energia più che umana (ed è benedetto da uno dei pochi costumi davvero appariscenti in uno spettacolo per il resto piuttosto spento).  Stephen Patrick sarà ricordato — se non sentito — come il bizzarro Hob of the Hill e Victoria Nicol è una Lady Elpheba molto “alla Joan Collins”.  Ed Court fa la sua figura nel vecchio ruolo alla Basil Rathbone di Sir Guy of Gisbourne.  La brillante comica Francesca Pim forse non ha abbastanza da fare come Lady Dolly e Micah Holmes porta diversità nel ruolo del dance captain: che peccato vederne il grande split-jump solo proprio alla fine!  Louie Westwood propone un’altra rielaborazione molto coerente della sua persona camp nei panni di Friar Tuck, Chris Draper è sempre utile nell’ensemble e James Hudson è piacevole come Alan-A-Dale.  Probabilmente la caratterizzazione più sorprendente, però, è il disinvolto saccheggio che Lewis McBean fa dell’Henry V di Olivier per costruire il suo Principe John: un’intertestualità interessante.  Davvero, sono un gran bel gruppo.

Ah, e Henry Brennan fa procedere la musica a colpi regolari lungo il suo percorso “a noleggio di citazioni”, investendo i numeri di Bart — per lo più piuttosto inferiori — di più amore e attenzione di quanto meritino davvero, e riuscendo anche a subentrare all’ultimo minuto come Riccardo I.  Alla batteria c’è Nick Anderson e James Hudson suona la chitarra.

Nessuno potrebbe accusare questa compagnia di non averci provato con tutte le proprie forze a far vivere il tutto.  Si dice che alla prima anteprima il pubblico fosse dalla loro parte e abbia mandato giù con gusto la sua dieta di sporcizia e cliché.  Forse arriveranno altri pubblici così.  Lo spero, per il loro bene.  La sera stampa, però, raramente ho visto un teatro svuotarsi tanto in fretta, o in modo così silenzioso, come qui: era come se la gente non vedesse l’ora di andarsene.  Non è davvero giusto nei confronti di una compagnia che sta cercando di ottenere forse l’impossibile: per amore di uno dei più grandi autori del musical, riportare in scena — forse per l’ultima volta — uno dei suoi figli perduti che non ce l’ha fatta, dargli un nuovo copione, riempirlo fino all’orlo di umorismo complice e abbracciarlo forte.  Forse, alla fine, non basta a cambiare il nostro giudizio sull’opera, ma è un tentativo eroico e mi chiedo se qualcuno, davvero, nelle circostanze, avrebbe potuto fare molto meglio.

Fino al 5 maggio 2018. Foto:  Anton Belmonté

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