CRÍTICA: Twang!, Union Theatre ✭✭✭

Julian Eaves critica o musical de Lionel Bart, Twang!, agora em reposição no Union Theatre, em Southwark.

Twang!!

Union Theatre

13 de abril de 2018

3 Estrelas

Comprar bilhetes Lionel Bart, compositor e letrista por trás do fenómeno gigante do teatro musical Oliver! e de canções pop marcantes como “Livin’ Doll”, de Sir Cliff, foi o Rei da Canção Britânica.  Twang!!, com os seus pontos de exclamação duplos, foi o espetáculo que o derrubou, aniquilando a sua fortuna e arruinando a sua carreira, deixando apenas a seguir o vazio artístico e pessoal, antes da sua morte, em anonimato e desfeito, em 1999.  Há um certo fascínio mórbido em podermos agora ir ver e inspecionar o local do desastre, aqui recuperado com um entusiasmo difícil de compreender no Union Theatre.

Os editores e herdeiros de Bart tiveram algum êxito em relançar os dois espetáculos que se seguiram a Oliver!, Blitz! (não estou a inventar estas exclamações: é mesmo assim que os títulos se escrevem) e Maggie May, mas Twang!! resistiu à reposição.  Até agora.  O espetáculo era famosamente caótico, não menos por não ter um libreto discernível — ou, pelo menos, não o mesmo libreto de uma apresentação para a seguinte.  Considerando que isto era uma fragilidade séria do material, o espólio, com bom senso, convidou “propostas” de várias figuras respeitadas do sector para o melhorar.  Quem foram os outros candidatos, não me é permitido dizer, mas posso revelar que o vencedor deste processo foi Julian Woolford, atualmente Diretor de Teatro Musical na principal escola de teatro para a indústria, a Guildford School of Acting.  Woolford escreve peças e musicais e contribuiu para alguns dos títulos de referência sobre como trabalhar neste género exigente.

As suas decisões merecem respeito.  Aqui, manteve as canções da partitura original — tanto quanto se consegue perceber — e ainda forçou a entrada, não só de “Livin’ Doll” (não sei porquê), como também de uma profusão de citações — algumas bastante longas — de este, aquele e o outro musical, no que passa a ser uma espécie de “A Sua Paródia das Paródias”.  Se isto lhe soa a algo do seu agrado, então continue a ler.

Casado com uma torrente incessante de piadas internas do teatro musical, a maior parte do primeiro “ato” desta proposta parece também esforçar-se por atingir um humor que não é tanto “baixo” quanto “subsolo”: faz lembrar os filmes Carry On mais tardios, com uma obsessão insistente e muito, muito óbvia por brejeirices meio desajeitadas que recordam a vacuidade plastificada da série Confessions, de Robin Asquith.  Mais uma vez, se isto lhe parece uma delícia terrena, então, por favor, persevere.  À medida que cambaleamos em direção ao intervalo, uma espécie de “enredo” começa a emergir, e parece-nos bastante familiar do filme de Errol Flynn.  Na segunda metade, esse elemento narrativo recebe um impulso bem-vindo, e o espetáculo começa, de facto, a ganhar algo que se assemelha a interesse dramático.  Não era sem tempo, dirão alguns.  Ainda assim, ser-nos lembrada uma adaptação mais bem-sucedida desta história não joga nada a favor desta.

Executam-se todas as manobras habituais, formulaicas e nada surpreendentes, e chegamos a uma espécie de desenlace, embora prolongado para oferecer mais conforto do que rapidez por uma versão final — e por fim completa — de uma interpretação, arduamente alcançada, do grande tema de Sir Cliff.  Pelo caminho, há apenas uma canção de Bart que mereceu a nossa atenção: “I’ve Got A Handful Of Songs To Sing You” é um número realmente encantador e, não estivesse enterrado sob uma montanha de campismo e insinuações reles, talvez até o apreciássemos como tal.  Como as coisas estão, o texto mal nos dá oportunidade.  Em vez disso, as constantes lembranças de outros musicais — muito melhores — servem apenas para nos recordar, uma e outra e outra vez, que o que os torna valiosos são precisamente todas as coisas que aqui estão tão visivelmente ausentes.  Embora muitas vezes executados com destreza, os pastiches e referências geram gargalhadas à custa do próprio Twang!!, e isso soa cada vez mais vazio.

É uma grande pena.  Há muitos momentos em que nos apetece pensar: “Olha, aquela piada até era bastante boa.”  Mas o problema com a caixa de truques apinhada de Woolford é que não há espaço para respirar.  A encenação de Bryan Hodgson cumpre obedientemente os preceitos do texto tal como estão estipulados, mas não consegue insuflar sopro de vida neste corpo bem preservado e, ainda assim, completamente inerte.  Como sketch de fim de ano de escola de teatro, poderá muito bem ter algum encanto, e sei que um workshop anterior do texto foi, de facto, feito na GSA sob a própria orientação de Woolford.  Como obra por direito próprio, se alguma vez quis perceber porque foi um fracasso tão colossal e danoso da primeira vez, esta versão dá pistas em abundância.

Entretanto, temos para admirar a vivacidade expedita da coreografia de Mitchell Harper e a iluminação elegante de Ben Jacobs.  Justin Williams e Jonny Rust oferecem mais um cenário atraente para esta casa — estão a tornar-se peritos em como aproveitar o espaço aqui.  Os figurinos de Penn O’Gara são talvez o aspeto menos imaginativo do desenho de produção: a frase inicial “Bem-vindos aos anos 60… aos anos 1160” sugere, de forma tentadora, outra direção que poderia ter sido seguida (já agora, não é a década certa para estas personagens, mas duvido que alguém se importe muito).  Infelizmente, o elenco, apesar de todo o seu esforço incansável, fica atolado em pano grosseiro e enchimentos, perucas e vestidos de época compridos até ao chão, profundamente pouco sensuais.  Para todo o desbragado entusiasmo maroto do texto, estes jovens, tão trabalhadores e simpáticos, simplesmente não recebem oportunidades para fazer o que o libreto parece querer fazer: dar-nos uma lição objetiva sobre o valor do teatro musical.  Produtores futuros deste espetáculo (se houver, e esperámos 53 anos por esta reposição) poderão querer estudar a abordagem mais depurada de, por exemplo, “Chicago” (sem ponto de exclamação — não é preciso), para perceber que no teatro, como na vida, menos é muitas vezes mais… muito mais.

Por fim, é de tirar o chapéu a esta intrépida trupe, que põe coração e alma neste projeto.  Peter Noden é um Robin agradável, Kweeva Garvey uma Marian luminosa, Joe Rose ganha um ritmo bem-vindo à medida que avança como Much, e Jessica Brady causa um impacto confiante como Delphina Leuves-Dick (percebeu?), Christopher Hewitt é um Xerife de Nottingham um tanto à la Victor Spinetti.  Christian Lunn interpreta Little John no estilo afável de Peter Gilmore, e Kane Verrall acelera todos os cilindros o tempo todo para bombear mais do que energia humana para Will Scarlett (e é abençoado com um dos poucos figurinos vistosos num espetáculo algo cinzento).  Stephen Patrick será lembrado — se não ouvido — como o peculiar Hob of the Hill e Victoria Nicol é uma Lady Elpheba muito à Joan Collins.  Ed Court faz uma figura espalhafatosa no velho papel à Basil Rathbone de Sir Guy of Gisbourne.  A talentosa comediante Francesca Pim tem talvez não muito que fazer como Lady Dolly e Micah Holmes traz diversidade no papel de capitão de dança: ah, que pena só vermos o seu grande salto em espargata mesmo no final!  Louie Westwood oferece outra reinterpretação muito consistente da sua persona camp como Friar Tuck, Chris Draper é sempre útil no conjunto e James Hudson está bem como Alan-A-Dale.  Provavelmente a caracterização mais marcante, porém, é a de Lewis McBean, no seu descarado saque ao Henry V de Olivier como Prince John — uma intertextualidade interessante.  São, de facto, um grupo muito atraente.

Ah, e Henry Brennan mantém a música a avançar nesse percurso de citações “alugadas”, investindo nos números, na sua maioria inferiores, de Bart com mais amor e atenção do que realmente merecem, e ainda consegue assumir, à última hora, o papel de Richard I.  Na bateria está Nick Anderson e James Hudson toca guitarra.

Ninguém poderia acusar esta companhia de não tentar com todas as forças dar vida ao conjunto.  Diz-se que, na primeira ante-estreia, o público estava do lado deles e devorou de bom grado a dieta de sujidade e clichés.  Talvez venham a seguir-se mais públicos assim.  Espero que sim, pelo bem deles.  Na noite de imprensa, porém, poucas vezes vi um teatro esvaziar tão depressa — ou tão silenciosamente — como aqui: era como se as pessoas mal pudessem esperar para sair.  Isso não é justo para uma companhia que tenta alcançar talvez o impossível: por amor a um dos maiores escritores do teatro musical, trazer de volta — talvez pela última vez — um dos seus filhos perdidos que nunca vingou, dar-lhe um novo texto, enchê-lo até ao topo de humor cúmplice e dar-lhe um grande abraço.  Isso pode não ser, no fim de contas, suficiente para mudar a nossa visão da obra, mas é uma tentativa heroica, e pergunto-me se alguém, realmente, nas circunstâncias, poderia tê-lo feito melhor.

Até 5 de maio de 2018. Fotos:  Anton Belmonté

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