CRITIQUE : Twang!, Union Theatre ✭✭✭

Julian Eaves passe en revue la comédie musicale Twang! de Lionel Bart, maintenant en reprise au Union Theatre, Southwark.

Twang!!

Union Theatre

13 avril 2018

3 Étoiles

Réservez vos billets Lionel Bart, auteur-compositeur de l'énorme succès de l'univers de la comédie musicale 'Oliver!' et de chansons pop qui ont défini une époque comme 'Livin' Doll' de Sir Cliff, était le Roi de la composition britannique. 'Twang!!', avec ses doubles point d'exclamation, est le spectacle qui l'a fait chuter, anéantissant sa fortune et détruisant sa carrière, ne laissant que l'oubli artistique et personnel avant sa mort dans un anonymat brisé en 1999. Il y a une certaine fascination morbide à pouvoir maintenant venir examiner la scène du crash, ici repris avec un enthousiasme difficile à comprendre au Union Theatre.

Les éditeurs et exécuteurs testamentaires de Bart ont eu un certain succès en relançant les deux spectacles qui ont suivi 'Oliver!', 'Blitz!' (Je n'invente pas tous ces points d'exclamation : c'est ainsi que les titres sont écrits) et 'Maggie May', mais 'Twang!!' a résisté à la reprise. Jusqu'à maintenant. Le spectacle était notoirement chaotique, notamment parce qu'il n'avait pas de livre discernable, du moins pas le même livre d'une représentation à l'autre. Jugeant cela comme une faiblesse sérieuse de la propriété, l'ancien a sagement invité des 'propositions' d'une sélection de figures admirées de l'industrie pour le rendre bon. Qui étaient les autres prétendants, je ne suis pas en mesure de le dire, mais je peux révéler que le gagnant de ce processus fut Julian Woolford, actuellement à la tête de la comédie musicale dans une école de théâtre de premier plan pour l'industrie, Guildford School of Acting. Woolford écrit des pièces et des comédies musicales, et a contribué à certains des titres standard sur la façon de travailler dans ce genre exigeant.

Ses décisions doivent être respectées. Ici, il a conservé les chansons de la partition originale - autant que nous pouvons le dire - et a également intégré à la force non seulement 'Livin' Doll' (je ne sais pas pourquoi) mais aussi une pléthore de citations - certaines très longues - de cette, celle et l'autre comédie musicale dans ce qui devient maintenant une sorte de 'Votre Parodie des Parodies'. Si ce genre de chose vous semble être à votre goût, alors continuez à lire.

Marié à un torrent ininterrompu de blagues sur le théâtre musical, la majorité du premier 'acte' de ce divertissement semble également s'efforcer d'atteindre un humour qui n'est pas tant 'bas' que 'sous-sol' : c'est plutôt un rappel des derniers films 'Carry On', avec une obsession insistante et très, très évidente de smut vaguement gênant qui rappelle la vacuité plastique de la série 'Confessions' de Robin Asquith. Encore une fois, si tout cela est la matière du délice terrestre pour vous, alors poursuivez votre lecture. Alors que nous vacillons vers la pause à mi-parcours, une sorte de 'comploter' semble émerger, et il nous frappe comme étant plutôt familier du film d'Errol Flynn. Dans la seconde moitié, cet élément narratif reçoit un stimulant bienvenu, et le spectacle commence à prendre au moins quelque chose qui ressemble à un intérêt dramatique. Ce n'est pas trop tôt, pourraient dire certains. Cependant, être rappelé d'une adaptation plus réussie de cette histoire ne reflète pas du tout bien sur celle-ci.

Tous les mouvements habituels, formulaires et tout à fait surprenants sont exécutés, et nous arrivons à un dénouement d'une sorte, bien que cela soit abondé de beaucoup plus de confort que de vitesse par une exécution terminale - et enfin complète - d'une interprétation laborieusement arrivée de la grande chanson de Sir Cliff. En cours de route, il n'y a qu'une seule chanson de Bart qui a mérité notre attention : 'I've Got A Handful Of Songs To Sing You' est un très joli numéro et, si ce n'était pas enterré sous une montagne de campiness et d'innuendo sordide, nous pourrions même l'apprécier correctement en tant que tel. Comme les choses sont, le texte nous donne à peine une chance. À la place, les rappels constants d'autres - bien meilleurs - comédies musicales servent simplement à nous rappeler encore et encore que ce qui les rend valables sont toutes les choses qui sont si manifestement absentes de celle-ci. Bien que souvent interprétés avec une habileté adroite, les pastiches et les références provoquent des rires aux dépens de 'Twang!!' lui-même, et cela sonne de plus en plus creux.

C'est un grand regret. Il y a beaucoup de moments où vous vous rendez compte que vous pensez, 'Oh, cette blague était en fait assez bonne'. Mais, le problème avec la boîte à idées encombrée de Woolford est qu'il n'y a pas de place pour respirer. La direction de Bryan Hodgson est obéissante pour exécuter les préceptes du texte de la manière dont ils sont stipulés, mais il ne peut pas faire entrer le souffle de vie dans ce corps bien conservé mais complètement inerte. En tant que sketch de fin d'année d'une école de théâtre, la chose peut bien avoir un certain charme, et je comprends qu'un atelier préliminaire du texte ait effectivement été réalisé au GSA sous les auspices de Woolford lui-même. En tant qu'œuvre à part entière, si vous avez jamais voulu savoir pourquoi c'était un échec colossal et dommageable la première fois, cette version fournit de nombreux indices.

Entre-temps, nous avons la vive vivacité de la chorégraphie de Mitchell Harper à admirer, et l'éclairage élégant de Ben Jacobs. Justin Williams et Jonny Rust fournissent un autre beau décor pour cette maison - ils deviennent experts sur la façon d'utiliser l'espace ici. Les costumes de Penn O'Gara sont peut-être l'aspect le moins imaginatif de la conception de la production : la ligne précoce, 'Bienvenue dans les années soixante.... Les années 1160,' suggère de manière tentante une autre direction qui aurait pu être prise (au fait, ce n'est pas la bonne décennie pour ces personnages, mais je ne suppose pas que quelqu'un s'en soucie vraiment). Malheureusement, la distribution, malgré tous ses efforts inlassables, est alourdie par la bourre, les perruques et les robes de style période longues et peu sexy. Malgré toute la sensualité exubérante du texte, ces jeunes gens ravissants et extrêmement travailleurs n'ont tout simplement pas donné les opportunités d'accomplir ce que le livre semble essayer de faire : nous donner une leçon d'objet sur la valeur du théâtre musical. Les producteurs ultérieurs de ce spectacle (s'il devait y en avoir, et nous avons attendu 53 ans pour cette reprise) souhaiteraient peut-être étudier l'approche épurée prise par, disons, 'Chicago' (pas de point d'exclamation - pas nécessaire), pour réaliser qu'au théâtre, comme dans la vie, moins c'est souvent plus... beaucoup plus.

Enfin, nous devons rendre hommage à cette troupe vaillante de joueurs qui mettent leur cœur et leur âme dans ce projet. Peter Noden est un Robin agréable, Kweeva Garvey une Marian pétillante, Joe Rose accélère avec plaisir au fur et à mesure qu'il avance dans le rôle de Much, et Jessica Brady fait une impression confiante en tant que Delphina Leuves-Dick (vous l'avez compris ?), Christopher Hewitt est un Shérif de Nottingham plutôt crédible à la Victor-Spinetti. Christian Lunn joue Little John de manière agréable à la Peter Gilmore, et Kane Verrall monte en puissance à tout moment pour insuffler plus qu'une simple énergie humaine dans Will Scarlett (et est béni avec l'un des rares costumes flashy dans un spectacle quelque peu terne). Stephen Patrick sera rappelé - sinon entendu - comme l'étrange Hob of the Hill et Victoria Nicol est une Lady Elpheba très semblable à Joan Collins. Ed Court coupe une figure éclatante dans le vieux rôle de Basil Rathbone de Sir Guy de Gisbourne. La comédienne astucieuse Francesca Pim n'a peut-être pas tout à fait assez à faire en tant que Lady Dolly et Micah Holmes apporte de la diversité dans le rôle du capitaine de danse : oh, quel dommage que nous ne voyions son grand saut fendu que tout à la fin ! Louie Westwood offre une autre ré-interprétation très cohérente de son personnage camp en tant que Frère Tuck, Chris Draper est toujours utile dans l'ensemble et James Hudson est agréable en tant qu'Alan-A-Dale. Probablement la caractérisation la plus remarquable, cependant, est celle de Lewis McBean se livrant sans vergogne au pillage de l'Henry V d'Olivier en Prince Jean, une intertextualité intéressante. Ils sont vraiment un groupe très séduisant.

Oh, et Henry Brennan maintient la musique sur son parcours de citations pré-faite, investissant les chansons principalement inférieures de Bart de plus d'amour et d'attention qu'elles ne méritent réellement, et avec l'opportunité de monter en première ligne en tant que Richard I à la dernière minute. À la batterie, c'est Nick Anderson et James Hudson joue de la guitare.

Personne ne pourrait accuser cette compagnie de ne pas essayer de son mieux pour donner vie à l'ensemble. Le mot est que lors de la première prévisualisation, le public était de leur côté et dévorait joyeusement son régime de blagues douteuses et de clichés. Peut-être que davantage de publics de ce genre suivront. Je l'espère, pour leur bien, qu'ils le feront. Lors de la soirée presse, cependant, j'ai rarement vu un théâtre se vider aussi rapidement, ou aussi silencieusement, que je l'ai fait ici : c'était comme si les gens ne pouvaient tout simplement pas attendre pour partir. Ce n'est vraiment pas juste pour une compagnie qui tente d'accomplir peut-être l'impossible : par amour pour l'un des plus grands écrivains du théâtre musical, de ramener - peut-être pour la dernière fois - l'un de ses enfants perdus depuis longtemps qui n'a jamais marché, de lui offrir un nouveau texte, de le remplir jusqu'aux bastingages d'humour complice, et de lui donner un grand câlin. Cela ne pourrait finalement pas suffire à changer notre perception du travail, mais c'est une tentative héroïque et je me demande si quelqu'un, vraiment, aurait pu faire mieux dans les circonstances.

Jusqu'au 5 mai 2018. Photos : Anton Belmonté

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