REZENSION: Violet, Charing Cross Theatre ✭✭✭✭

Julian Eaves bespricht das Musical Violet von Jeanine Tesori und Brian Crawley, jetzt im Charing Cross Theatre.

Das Ensemble von Violet. Foto: Scott Rylander Violet Charing Cross Theatre, 21. Januar 2019 4 Sterne Jetzt buchen In dieser jüngsten Produktion am Stammhaus von Artistic Director Thom Southerland gibt es vieles zu feiern; allen voran eine grossartige Partitur, eine herausragende schauspielerische Leistung und eine wunderbare neue Gestaltung des Zuschauerraums.  Es ist ein weiterer Feder im Hut für Southerlands Verwandlung des Hauses und lässt für die Zukunft der Theaterinhaber Steven Levy und Sean Sweeney sowie ihres ungewöhnlichen Hauses hoffen: ein Miniatur-West-End-Theater mit etwas mehr als 260 Plätzen, das die Intimität von Off-West-End- oder Fringe-Produktionen mitten im Herzen der Stadt bietet.  Dieses Unterfangen – die britische professionelle Premiere einer 20 Jahre alten Show der Komponistin Jeanine Tesori und des Librettisten Brian Crawley – ist ein mutiger Schritt der hauseigenen Produzenten Levy und Vaughan Williams und markiert zugleich den Beginn einer bemerkenswerten neuen Koproduktionspartnerschaft mit der Umeda Arts Theatre Co., Ltd. aus Osaka, Japan. Matthew Harvey (Monty) und Kaisa Hammarlund (Violet) in Violet. Foto: Scott Rylander Der Hauptgewinn ist hier, ohne jeden Zweifel, Tesoris erstaunlich schöne und eingängige Partitur: ein Feuerwerk aus prachtvollen Melodien und pulsierenden Rhythmen, ausgestattet mit spektakulär opulenten Orchestrierungen von Rick Bassett, Joseph Joubert, Buryl Red und Jason Michael Webb, gespielt von einer neunköpfigen Band aus Keys, Gitarren, Streichern und Schlagwerk – alles mit meisterhaftem Elan dirigiert von Dan Jackson.  Die Vokalarrangements für das zwölfköpfige Ensemble sind noch köstlicher und holen das Beste aus dem feinen Gesang dieser gut aussehenden Besetzung heraus, sodass sie in den grossartigen Chornummern der Show strahlen und leuchten kann (warten Sie nur auf den Schlusschor – man möchte gar nicht, dass er aufhört!). Kieron Cook (Vater), Rebecca Nardin (junge Violet) und Kaisa Hammarlund (Violet) in Violet. Foto: Scott Rylander Morgan Large ist auch diesmal wieder mit dem Design der funktionalen, holzverkleideten Spielumgebung betraut, und seine Ergänzung um eine Drehbühne für den nun aus der Mitte gerückten Rundbühnenbereich ist inspiriert: So werden die wenigen, bunt zusammengewürfelten Bühnenmöbel optimal genutzt, und es entsteht das dringend nötige Gefühl von Bewegung in einer Geschichte, die – schliesslich – von einer Reise handelt.  Einer Busreise: von Spruce Pine, North Carolina, nach Tulsa, Oklahoma, in einem Greyhound-Bus, auf der verzweifelten, leidenschaftlichen Pilgerfahrt der entstellten Titelheldin, die durch ihren Glauben den Balsam der Verwandlung zu finden versucht.  Es ist eine seltsame Geschichte, eine Adaption nach der Arbeit der Akademikerin und Kurzgeschichtenautorin Doris Betts.  Man könnte versucht sein, an andere Musicals über pikareske Reisen zu denken (etwa Candide) und darüber nachzusinnen, wie schwierig sie auf der Bühne zum Funktionieren zu bringen sind: wie einem die Hauptfigur stets zu entgleiten scheint. Kenneth Avery Clark (Prediger) und das Ensemble von Violet. Foto: Scott Rylander In weniger geübten Händen könnte das hier leicht schiefgehen, doch die Hauptdarstellerin Kaisa Hammarlund ist den vielen möglichen Fallstricken der Rolle mehr als gewachsen und investiert jede Unze Energie und Geist – sie tut so viel, wie man nur kann, damit man an diese traurige, einsame Frau glaubt, die versucht, mit dem Erbe einer Gesichtsverletzung aus der Kindheit zurechtzukommen, sowie mit ihrem bitteren Groll auf den Vater, der es vielleicht geschehen liess, und den betrunkenen Chirurgen, der zu wenig tat, um ihr Aussehen zu rekonstruieren.  Ja, es ist wieder eine Geschichte darüber, wie Frauen Opfer mächtiger – und fehlerhafter – Männer sind.  Und die Absicht des Stücks scheint uns regelrecht zu belehren und uns zu sagen, wie schlimm das ist und wie entsetzlich wir uns dabei fühlen sollten. Angelica Allen (Music-Hall-Sängerin) und das Ensemble. Foto: Scott Rylander Als Anliegen ist das vielleicht gut und schön, aber es erzeugt nicht sonderlich viel echtes Theater.  Tatsächlich wurde diese Show immer wieder für ihre Schwächen in der Charakterzeichnung und die hölzerne Unwahrscheinlichkeit kritisiert, mit der sie die verschiedenen Beziehungen vorführt, die wir dann gleichsam forensisch begutachten sollen.  Diese Probleme bleiben auch hier bestehen – trotz allem, was Regisseur Shuntaro Fujita (aus Osaka) sich einfallen lässt, um das Geschehen in Bewegung zu halten; er lenkt uns so weit wie möglich davon ab, es zu merken, nicht selten um den Preis, dramatische Beats der Geschichte zu verfehlen und die Publikumsbindung in Momenten abzuschneiden, in denen – eigentlich – gerade sie angeregt werden sollte.  Cressida Carre tut mit ihrer Choreografie Ähnliches (auch wenn wir davon zu wenig sehen, und das, was da ist, kaum die Chance bekommt, wirklich zu fliegen).  Und die Besetzung schüttet in ihre übrigen Aufgaben beachtliche Mengen an Kunstfertigkeit.  Matthew Harveys feiner, lyrischer Verführer Monty ist athletisch und charmant, aber das Buch legt ihm ein Hindernis nach dem anderen in den Weg, um ihn als glaubwürdige Figur zu verankern.  Sein Gegenüber ist sein (offenbar) bester Kumpel und Rivale in Liebesdingen: Jay Marshs behäbiger, aber aufrichtiger Flick – eine noch weniger wahrscheinliche Persönlichkeit.  Wie bei allen anderen gilt: Wenn sie Tesoris hinreissende Musik singen, stört einen die Merkwürdigkeit ihrer Handlungsstränge nicht wirklich – zumindest nicht zu sehr.  Doch sobald die Musik aufhört – oft genug recht abrupt, wenn sie auf die Schwere des Buchs trifft – stirbt jeder Moment von Magie. Janet Moody (alte Dame), Rebecca Nardin (junge Violet) und Kaisa Hammarlund (Violet) in Violet. Foto: Scott Rylander Die übrigen Ensemblemitglieder haben es noch schwerer, mit immer weniger Substanz, aus der sich etwas zaubern lässt: Keiron Crook ist ein ernsthafter Vater; Kenneth Avery Clark strengt sich nach Kräften an, in Crawleys düster flachen Zeilen als Prediger Humor zu finden – wenn der Regisseur ihn nur stärker unterstützen würde – denn in dieser traurigen Geschichte gibt es ansonsten erschreckend wenig zu lächeln; die grossartige Simbi Akande und Angelica Allen sind in ihren aufeinanderfolgenden Auftritten als Lula und als Music-Hall-Sängerin geradezu skandalös unterbeschäftigt (und ich dachte, diese Show sollte Frauen empowern?).  Stammgast James Gant liefert erneut einen geschniegelt-geschäftigen Kurzauftritt als Leroy, Danny Michaels ist ein eindringlich intensiver Billy Dean, und Janet Mooney legt so viel Fokus wie möglich in die alte Dame und die Hotel-Prostituierte.  (Ja, dies ist KEIN Buch, das vor Stereotypen zurückschreckt!)  Den Ehrenplatz unter den Nebenrollen verdient jedoch zweifellos die junge Violet, die wir an der Press Night von der beherzten, burschikosen Amy Mepham verkörpert sahen, die im Laufe des Abends spürbar wuchs und eine überzeugende Stimme fand.  Ihre Rolle ist deutlich reizvoller als Crawleys andere weibliche Kinderhauptrolle, die er für Jonathan Lippas „Little Princess“ geschaffen hat.  Und dennoch bewegen wir uns über weite Strecken nicht so sehr dort, wo die „Grapes of Wrath“ zerquetscht wurden, sondern in dem allzu vertrauten Terrain unzähliger Southern-Gothic-Erzählungen, von „Key Largo“ über „The Rainmaker“ bis – immer wieder – „Der Zauberer von Oz“. Und doch, und doch, und doch...  Wenn sie singen, hört man schlicht auf, sich um die Unsauberkeiten des Textes zu sorgen.  Ja, es gibt neue Lektionen darüber zu lernen, wie – wenn überhaupt – Stimmen in dieser neuen Konfiguration zu verstärken sind, und Andrew Johnsons Sounddesign wird im Laufe der Spielserie gewiss noch reifen.  Howard Hudsons fachkundiges Licht hingegen sitzt absolut punktgenau: Es unterstützt die epische Weite der Reise und zieht uns so weit hinein, wie das Buch uns überhaupt in die private Welt dieser kleinen Menschen mit grossen Leidenschaften lässt.  Mein Herz möchte die gemeinsame Leistung mit vier Sternen belohnen, aber ich weiss nur zu gut, dass der Regisseur sich einmischt und mich davon abhält, mich wirklich in ihren Kampf hineinzufühlen – und mich am Ende nur mit drei Sternen gehen lässt.  Das ist ein wenig unfair, angesichts der grossartigen Arbeit, die in diese Produktion geflossen ist.  Also wissen Sie was: Ich ignoriere diesen bedachten „Entfremdungseffekt“ und halte mich daran, was die Partitur noch immer in meiner Seele singt...

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