CRÍTICA: Violet, Teatro Charing Cross ✭✭✭✭

Julian Eaves analisa o musical Violet, de Jeanine Tesori e Brian Crawley, atualmente em cena no Charing Cross Theatre.

O elenco de Violet. Foto: Scott Rylander Violet Charing Cross Theatre, 21 de janeiro de 2019 4 estrelas Reservar agora Há muito para celebrar nesta mais recente produção na casa do diretor artístico Thom Southerland; em destaque, uma excelente partitura, uma grande interpretação e um maravilhoso novo desenho da plateia.  É mais um trunfo na transformação do espaço levada a cabo por Southerland e augura um bom futuro para a invulgar sala dos proprietários Steven Levy e Sean Sweeney: um mini-teatro do West End, com pouco mais de 260 lugares, que oferece a intimidade de produções Off-West End ou Fringe bem no coração da cidade.  Esta aposta — a estreia profissional no Reino Unido de um espetáculo com 20 anos, da compositora Jeanine Tesori e do libretista Brian Crawley — é um passo ousado dos produtores internos Levy e Vaughan Williams e assinala também o início de uma notável nova parceria de coprodução com a Umeda Arts Theatre Co, Ltd., de Osaka, Japão. Matthew Harvey (Monty) e Kaisa Hammarlund (Violet) em Violet. Foto: Scott Rylander O grande prémio aqui, sem qualquer dúvida, é a partitura surpreendentemente bela e melodiosa de Tesori: um festival de melodias deslumbrantes e ritmos vibrantes, com orquestrações espetacularmente ricas de Rick Bassett, Joseph Joubert, Buryl Red e Jason Michael Webb, tocadas por uma banda de 9 elementos — teclas, guitarras, cordas e percussão — tudo dirigido com um elan magistral por Dan Jackson.  Os arranjos vocais para o elenco de 12 são ainda mais saborosos e tiram o máximo partido do excelente canto deste conjunto, permitindo-lhe brilhar e resplandecer nos magníficos números corais do espetáculo (espere pelo coro final: não vai querer que acabe!). Kieron Cook (Pai), Rebecca Nardin (Violet jovem) e Kaisa Hammarlund (Violet) em Violet. Foto: Scott Rylander Morgan Large volta a ser aqui responsável pelo desenho do ambiente de cena, prático e revestido a madeira, e a sua adição de um palco giratório à agora descentralizada área de palco em arena é inspirada: aproveita ao máximo as poucas peças de mobiliário dispersas e dá uma sensação de movimento indispensável numa história que — afinal — é sobre uma viagem.  Uma viagem de autocarro: de Spruce Pine, na Carolina do Norte, a Tulsa, no Oklahoma, num autocarro Greyhound, seguindo a desesperada e apaixonada peregrinação da protagonista desfigurada enquanto tenta encontrar, através da sua fé, o bálsamo da transfiguração.  É um enredo estranho, uma adaptação da obra da académica e contista Doris Betts.  Podemos sentir a tentação de pensar noutros musicais assentes em viagens picarescas (a de Candide, por exemplo) e refletir sobre como são difíceis de fazer funcionar: como o protagonista parece estar sempre a escapar-nos. Kenneth Avery Clark (Pregador) e elenco de Violet. Foto: Scott Rylander Em mãos menos capazes, isto poderia muito facilmente não resultar, mas a protagonista, Kaisa Hammarlund, está à altura de todas as potenciais armadilhas do papel e, investindo nele cada grama de energia e espírito, faz tudo o que é possível para nos fazer acreditar nesta mulher triste e solitária, a lutar para lidar com o legado de uma lesão facial na infância e com o amargo ressentimento em relação ao pai que talvez o tenha permitido e ao cirurgião bêbedo que fez demasiado pouco para reconstruir a sua aparência.  Sim, é mais uma história sobre como as mulheres são vítimas de homens poderosos — e falhos.  E o propósito da peça parece, de facto, pregar-nos uma lição, dizendo-nos quão mau isto é e quão terrível nos deveríamos sentir por isso. Angelica Allen (Cantora de Music Hall) e elenco. Foto: Scott Rylander Tudo isto é muito válido enquanto missão, talvez, mas não cria grande coisa em termos de verdadeiro teatro.  Aliás, este espetáculo tem sido consistentemente criticado pelas suas fragilidades na caracterização e pela rigidez pouco credível com que apresenta as várias relações colocadas diante de nós para escrutínio quase forense.  Esses problemas mantêm-se aqui, apesar de o encenador Shuntaro Fujita (de Osaka) fazer tudo o que é concebível para manter o andamento, distraindo-nos tanto quanto possível — não raras vezes ao custo de falhar as batidas dramáticas da história e de cortar a ligação com o público em momentos em que — seguramente — o objetivo deveria ser estimulá-la.  Cressida Carre faz o mesmo com a sua coreografia (embora vejamos demasiado pouco, e o que há não tem oportunidade de abrir verdadeiramente as asas).  E o elenco despeja consideráveis doses de arte nos restantes papéis. O fino sedutor lírico de Matthew Harvey, Monty, é atlético e encantador, mas o texto coloca obstáculo atrás de obstáculo no caminho de o tornar uma personagem credível.  O seu contraponto é o (aparentemente) melhor amigo e rival amoroso, o Flick de Jay Marsh, sólido mas sincero — uma personalidade ainda menos provável.  Tal como acontece com todos os outros, quando estão a cantar a música arrebatadora de Tesori, não nos importamos assim tanto — demasiado — com a estranheza das suas linhas narrativas.  Mas, no segundo em que a música pára — muitas vezes de forma abrupta, quando embate na pesadez do libreto — cada momento de magia morre. Janet Moody (Velha Senhora), Rebecca Nardin (Violet jovem) e Kaisa Hammarlund (Violet) em Violet. Foto: Scott Rylander Os restantes membros do elenco têm ainda mais dificuldades, com cada vez menos substância com que trabalhar: Keiron Crook é um Pai aplicado; Kenneth Avery Clark esforça-se ao máximo para encontrar humor nas falas sombriamente planas de Crawley como o Pregador — se ao menos o encenador o ajudasse mais — há muito pouco mais que nos faça sorrir nesta história triste; as excelentes Simbi Akande e Angelica Allen são escandalosamente subaproveitadas nas suas aparições sucessivas como Lula e a Cantora de Music Hall (e eu que pensava que este espetáculo era suposto falar de empoderar mulheres?).  O habitual da casa James Gant faz mais um cameo burocrático como Leroy, Danny Michaels é um Billy Dean intensamente expressivo e Janet Mooney coloca o máximo de foco que consegue na Velha Senhora e na Prostituta do Hotel.  (Sim, este NÃO é um texto que fuja a estereótipos!)  Mas o lugar de destaque entre os papéis secundários é, seguramente, o de Violet jovem, que na noite de imprensa vimos interpretada pela corajosa e traquina Amy Mepham, que cresceu visivelmente ao longo da noite, encontrando uma voz convincente.  O seu papel é muito mais apelativo do que a outra jovem protagonista feminina de Crawley, a que ele criou para 'Little Princess', de Jonathan Lippa.  Ainda assim, durante grande parte do tempo parece que voltamos a pisar não tanto onde as uvas da ira foram esmagadas, mas um território demasiado familiar de inúmeras histórias góticas do sul, de 'Key Largo' a 'The Rainmaker' e, uma e outra e outra vez, 'The Wizard of Oz'. E, no entanto, e no entanto, e no entanto...  Quando cantam, deixamos simplesmente de nos preocupar com as infelicidades do texto.  Sim, há novas lições a aprender sobre como — se é que — amplificar vozes nesta nova configuração, e o desenho de som de Andrew Johnson há de amadurecer à medida que a temporada avança.  A iluminação experiente de Howard Hudson, por outro lado, está absolutamente impecável, apoiando o arco épico da viagem, ao mesmo tempo que nos puxa para dentro — até onde o texto deixa — do mundo privado destas pequenas pessoas com grandes paixões.  O meu coração quer dar quatro estrelas ao esforço conjunto, mas sei perfeitamente que o encenador vai intrometer-se e afastar-me de me envolver na luta deles, deixando-me apenas disposto a ficar por três.  É um pouco injusto, tendo em conta o trabalho maravilhoso colocado nesta produção.  Por isso, digo-vos o seguinte: vou ignorar esse ponderado 'Entfrendungseffekt' e ficar com o que a partitura ainda canta na minha alma...

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