レビュー: バイオレット、チャリングクロス劇場 ✭✭✭✭

ジュリアン・イーヴスが、チャリング・クロス・シアターで上演中のジャニーン・テソリ＆ブライアン・クロウリーのミュージカル『Violet（ヴァイオレット）』をレビュー。

『Violet（ヴァイオレット）』カンパニー。写真：スコット・ライランドー Violet（ヴァイオレット） チャリング・クロス・シアター、2019年1月21日　★4つ 今すぐ予約 この最新プロダクション（芸術監督トム・サザーランドの本拠地での上演）には、祝福すべき点が山ほどある。なかでも筆頭に挙げたいのは、素晴らしいスコア、素晴らしいパフォーマンス、そして客席空間の見事な新デザインだ。サザーランドがこの会場を変貌させてきた歩みの、またひとつの勲章であり、劇場オーナーであるスティーヴン・レヴィとショーン・スウィーニーによる“ちょっと変わった家”――260席強の小さなウエストエンド劇場として、オフ・ウエストエンド／フリンジの親密さをシティのど真ん中で味わわせてくれる――の将来にも明るい兆しを投げかける。今回の試みは、作曲家ジャニーン・テソリと脚本（リブレット）ブライアン・クロウリーによる20年前の作品の、UKプロフェッショナル初演。社内プロデューサーのレヴィとヴォーン・ウィリアムズにとって大胆な一手であると同時に、日本・大阪の梅田芸術劇場（Umeda Arts Theatre Co., Ltd.）との注目すべき新たな共同製作関係のスタートでもある。 マシュー・ハーヴェイ（モンティ）とカイサ・ハンマールンド（ヴァイオレット）。写真：スコット・ライランドー ここでの最大の“ご褒美”は、疑いなくテソリによる驚くほど美しく歌心に満ちたスコアだ。きらめく旋律と躍動するリズムが奔流のように押し寄せ、リック・バセット、ジョセフ・ジュベール、ビューリル・レッド、ジェイソン・マイケル・ウェブによる圧倒的に豊かなオーケストレーションがそれを支える。鍵盤、ギター、弦、打楽器から成る9人編成のバンドが奏で、ダン・ジャクソンが見事な推進力でまとめ上げる。 12人のキャストのためのヴォーカル・アレンジもさらに美味で、この頼もしい顔ぶれの歌唱を存分に引き立て、作品屈指のコーラス・ナンバーで輝かせる（終盤の大合唱を待ってほしい。終わってほしくなくなる！）。 キーロン・クック（父）レベッカ・ナルディン（幼いヴァイオレット）、カイサ・ハンマールンド（ヴァイオレット）。写真：スコット・ライランドー デザインは今回もモーガン・ラージが担当し、木材をまとった“働くための”舞台空間を用意。さらに、これまでオフセンターだったイン・ザ・ラウンド（客席に囲まれた）エリアに回り舞台を加えたのが秀逸だ。限られた雑多な家具類を最大限に活かし、何より――結局のところ“旅”の物語であるこの作品に――必要不可欠な動きをもたらしている。 それはバスの旅。ノースカロライナ州スプルース・パインから、オクラホマ州タルサへ。グレイハウンドのバスに乗り、顔に傷を負った主人公が、信仰によって変容の癒やしを得ようとする必死で情熱的な巡礼の道のりだ。 学者であり短編作家でもあるドリス・ベッツの作品をもとにした、少し風変わりな物語でもある。 ピカレスクな旅を描く他のミュージカル（たとえば『キャンディード』）を思い浮かべたくもなるし、こうした題材を舞台で成立させるのがいかに難しいか――主人公がどこかこちらからするりと逃げてしまうように感じられがちだ――にも思いが至る。 ケネス・エイヴリー・クラーク（伝道師）と『Violet（ヴァイオレット）』カンパニー。写真：スコット・ライランドー 扱いが難しい作品だが、主演のカイサ・ハンマールンドは、この役に潜む落とし穴の数々にも見事に応え、ありったけのエネルギーと魂を注ぎ込んで、この哀しく孤独な女性を信じさせてくれる。幼少期の顔の損傷という“遺産”を受け入れようともがき、起きるのを止められなかった（あるいは止めなかったのかもしれない）父への苦い憤りと、再建手術が不十分だった酔っぱらい外科医への怒りを抱えながら。 そう、これはまたしても、力を持つ――そして欠陥も抱えた――男たちによって女性が犠牲になる物語でもある。 そして作品の意図は、ときにこちらへ説教してくるようにも感じられる。いかにそれが悪いことか、どれほど私たちが胸を痛めるべきか、と。 アンジェリカ・アレン（ミュージックホール歌手）とカンパニー。写真：スコット・ライランドー 使命としては理解できる。しかしそれだけでは“生きた演劇”にはなりにくい。 実際、この作品は人物造形の弱さや、関係性の提示が不自然で硬直している点を一貫して批判されてきた。 その問題はここでも残る。大阪から来た藤田俊太郎の演出は、とにかく動きを絶やさず、できる限りこちらの目を逸らそうとあらゆる手を尽くしているが、そのせいで物語のドラマの拍（ビート）を取り逃がすことも少なくなく、観客の関与を本来刺激すべき場面で、むしろ遮断してしまう瞬間がある。 クレシダ・カレの振付も同様だ（そもそも見られる量が少なく、あるとしても十分に羽ばたく機会を与えられていない）。 それでもキャストは、それぞれの役に相当な芸を注ぎ込む。マシュー・ハーヴェイのモンティは、抒情的で魅惑的、身のこなしも軽やかでチャーミングだが、脚本が次々と障害物を置き、人物としての説得力を得にくくしてしまっている。 対になるのは“親友で恋のライバル”らしい、ジェイ・マーシュのフリック。朴訥だが誠実――しかし人物像としてはさらに成立しにくい。 他の登場人物と同じく、テソリの恍惚とする音楽を歌っているあいだは、彼らのストーリーラインの奇妙さも――そこまで――気にならない。 だが音楽が止まった瞬間（しかも多くの場合、脚本の重たさにぶつかって唐突に）魔法はたちまち消えてしまう。 ジャネット・ムーディ（老女）、レベッカ・ナルディン（幼いヴァイオレット）、カイサ・ハンマールンド（ヴァイオレット）。写真：スコット・ライランドー 他のキャストは、さらに拠り所が少ない中で奮闘する。キーロン・クルックは誠実な父を演じ、ケネス・エイヴリー・クラークは、伝道師としてクロウリーの陰鬱で平板な台詞に必死でユーモアを見いだそうとする――もっと演出が助けてくれればいいのに――この哀しい物語で笑えるところはほとんどない。素晴らしいシンビ・アカンデとアンジェリカ・アレンは、ルーラとミュージックホール歌手として順に登場するが、驚くほど活かされていない（この作品は“女性のエンパワーメント”がテーマなのではなかったのか？）。 劇場の常連ジェームズ・ガントはリロイ役で相変わらずお堅いカメオをこなし、ダニー・マイケルズはビリー・ディーンを鋭く強烈に、ジャネット・ムーニーは老女とホテルの娼婦にできる限りの焦点を当てる。 （そう、これはステレオタイプを避ける脚本ではまったくない！） ただし脇役の中でひときわ光るのは、間違いなく幼いヴァイオレットだ。プレスナイトでは、やんちゃで小粋なエイミー・メファムが演じ、夜が進むにつれて目に見えて存在感を増し、説得力ある声をつかんでいった。 この役は、クロウリーがジョナサン・リッパの『リトル・プリンセス』のために書いたもう一人の“子どもの女性スター”よりも、はるかに魅力的だ。 それでも大半の時間、私たちは“怒りの葡萄”が踏み潰された場所を歩いているというより、あまりにも馴染み深い南部ゴシックの地平――『キー・ラーゴ』から『レインメーカー』、そして繰り返し『オズの魔法使い』に至るまで――をなぞっているようにも感じられる。とはいえ、とはいえ、とはいえ…… 歌が始まると、テキストのぎこちなさなど気にならなくなる。 この新しい客席配置における声の拡声をどう扱うべきか（そもそも必要なのか）という新たな課題はあり、アンドリュー・ジョンソンの音響デザインは上演を重ねるにつれて成熟していくだろう。 一方で、ハワード・ハドソンの巧みな照明は完璧に的中している。旅の叙事的な広がりを支えつつ、脚本が許す限りで、情熱の大きい“小さな人々”の私的な世界へと私たちを引き寄せる。 心情的には、彼らの総力に★4つを付けたい。しかし演出が介入して、こちらが彼らの苦闘に“巻き込まれる”感覚から押し戻し、結局★3つで手放すしかないのだと分かっている。 この作品に注がれた素晴らしい努力を思えば、少し不公平かもしれない。 だから、こうしよう。あの思慮深い「疎外効果（Entfremdungseffekt）」はひとまず脇に置き、いまなお魂の中で歌い続けるスコアの声に従って……

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