RESEÑA: Violet, Charing Cross Theatre ✭✭✭✭

Julian Eaves reseña el musical Violet, de Jeanine Tesori y Brian Crawley, actualmente en cartel en el Charing Cross Theatre.

El reparto de Violet. Foto: Scott Rylander Violet Charing Cross Theatre, 21 de enero de 2019 4 estrellas Reservar Hay mucho que celebrar en esta última producción en el feudo del director artístico, Thom Southerland; por encima de todo, una partitura magnífica, una interpretación sobresaliente y un maravilloso nuevo diseño del auditorio.  Es un nuevo logro en la transformación del espacio llevada a cabo por Southerland y augura un buen futuro para el inusual teatro de sus propietarios, Steven Levy y Sean Sweeney: un West End en miniatura, con poco más de 260 localidades, que ofrece la intimidad de las producciones Off-West End o de Fringe en pleno centro de la ciudad.  Esta aventura —el estreno profesional en el Reino Unido de un espectáculo de 20 años de antigüedad, con música de la compositora Jeanine Tesori y libreto de Brian Crawley— es un movimiento audaz por parte de los productores de la casa, Levy y Vaughan Williams, y además marca el inicio de una notable nueva relación de coproducción con Umeda Arts Theatre Co, Ltd., de Osaka (Japón). Matthew Harvey (Monty) y Kaisa Hammarlund (Violet) en Violet. Foto: Scott Rylander El gran premio aquí, sin lugar a dudas, es la asombrosamente bella y melódica partitura de Tesori: un festín de melodías preciosas y ritmos vibrantes, con orquestaciones espectacularmente ricas de Rick Bassett, Joseph Joubert, Buryl Red y Jason Michael Webb, interpretadas por una banda de 9 músicos —teclados, guitarras, cuerdas y percusión—, todo ello dirigido con maestría y brío por Dan Jackson.  Los arreglos vocales para el reparto de 12 son todavía más deliciosos y aprovechan al máximo el buen canto de este atractivo elenco, permitiéndole brillar en los espléndidos números corales del espectáculo (espera al coro final: ¡no querrás que termine!). Kieron Cook (Padre), Rebecca Nardin (Violet joven) y Kaisa Hammarlund (Violet) en Violet. Foto: Scott Rylander A Morgan Large se le confía de nuevo el diseño de este entorno escénico funcional, revestido de madera, y su incorporación de un giratorio a la ahora descentrada zona de escena en arena es una inspiración: saca el máximo partido de las pocas piezas de mobiliario disperso y aporta una necesaria sensación de movimiento en una historia que —al fin y al cabo— trata de un viaje.  Un viaje en autobús: de Spruce Pine, Carolina del Norte, a Tulsa, Oklahoma, en un Greyhound, siguiendo la desesperada y apasionada peregrinación de la protagonista desfigurada mientras intenta encontrar, a través de su fe, el bálsamo de la transfiguración.  Es un relato extraño, una adaptación de la obra de la académica y autora de relatos Doris Betts.  Uno podría sentirse tentado a pensar en otros musicales basados en viajes picarescos (el de Candide, por ejemplo) y reflexionar sobre lo complicado que es hacerlos funcionar: cómo su protagonista parece escapársenos siempre. Kenneth Avery Clark (Predicador) y el reparto de Violet. Foto: Scott Rylander En manos menos hábiles, esto podría no cuajar con facilidad, pero la protagonista, Kaisa Hammarlund, está a la altura de todos los posibles escollos del papel y, volcándolo con cada gramo de energía y espíritu, hace todo lo que cualquiera podría para que creas en esta mujer triste y solitaria, que lucha por asumir la herencia de una lesión facial infantil y su amarga resentimiento hacia el padre que quizá lo permitió y el cirujano borracho que hizo demasiado poco por reconstruir su aspecto.  Sí, es otra historia sobre cómo las mujeres son víctimas de hombres poderosos —y defectuosos—.  Y el propósito de la obra parece sermonearnos, diciéndonos lo terrible que es y lo mal que deberíamos sentirnos al respecto. Angelica Allen (Cantante de music hall) y el reparto. Foto: Scott Rylander Todo eso está muy bien como misión, quizá, pero no crea gran cosa en términos de verdadero teatro.  De hecho, este espectáculo ha sido criticado de forma constante por sus debilidades en la caracterización y por la rigidez inverosímil con la que presenta las distintas relaciones que desfilan ante nuestro escrutinio casi forense.  Esos problemas persisten aquí, por mucho que el director Shuntaro Fujita (de Osaka) haga todo lo imaginable para mantener el ritmo, distrayéndonos cuanto puede para que no lo notemos, no pocas veces a costa de perder los golpes dramáticos de la historia y de cortar la conexión con el público en momentos en los que —seguramente— el objetivo debería ser estimularla.  Cressida Carre hace lo mismo con su coreografía (aunque vemos demasiado poco, y lo que hay no tiene ocasión de desplegarse como es debido).  Y el reparto vuelca considerables dosis de arte en sus demás cometidos. El seductor lírico de Matthew Harvey, Monty, es atlético y encantador, pero el libreto pone un obstáculo tras otro para convertirlo en un personaje creíble.  Su contrapunto es su (aparente) mejor amigo y rival amoroso, Flick, de Jay Marsh: sólido pero sincero, una personalidad aún menos verosímil.  Como ocurre con todos los demás, cuando cantan la música arrebatadora de Tesori, no te importa realmente —no demasiado— la rareza de sus tramas.  Pero en cuanto la música se detiene —a menudo de forma abrupta, cuando choca con la pesadez del libreto—, cada instante de magia se desvanece. Janet Moody (Anciana), Rebecca Nardin (Violet joven) y Kaisa Hammarlund (Violet) en Violet. Foto: Scott Rylander El resto del reparto lo tiene todavía más difícil, con cada vez menos sustancia con la que obrar: Keiron Crook es un Padre sincero; Kenneth Avery Clark se esfuerza al máximo por encontrar el humor en las líneas sombrías y planas de Crawley como el Predicador —si el director le ayudara más—; hay muy poco más de lo que sonreír en esta triste historia; las estupendas Simbi Akande y Angelica Allen están escandalosamente desaprovechadas en sus apariciones sucesivas como Lula y la Cantante de music hall (¿y yo que pensaba que este espectáculo iba de empoderar a las mujeres?).  Un habitual de la casa, James Gant, vuelve con otro cameo de funcionario puntilloso como Leroy; Danny Michaels ofrece un Billy Dean de intensa presencia, y Janet Mooney pone todo el foco que puede en la Anciana y la Prostituta del hotel.  (Sí, este NO es un libreto que rehúya los estereotipos).  Pero el lugar de honor entre los papeles secundarios es, sin duda, el de Violet joven, que en la noche de prensa vimos interpretado por la valiente y pizpireta Amy Mepham, que creció de forma notable a lo largo de la velada, encontrando una voz convincente.  Su papel es mucho más atractivo que el de la otra niña protagonista creada por Crawley para Little Princess de Jonathan Lippa.  Aun así, durante buena parte del tiempo parece que volvemos a transitar, no tanto por donde se han pisoteado las uvas de la ira, sino por el territorio tan familiar de tantas historias góticas sureñas, de Key Largo a The Rainmaker y, una y otra vez, El mago de Oz. Y sin embargo, y sin embargo, y sin embargo...  Cuando cantan, dejas de preocuparte por las torpezas del texto.  Sí, hay nuevas lecciones que aprender sobre cómo —si es que se puede— amplificar las voces en esta nueva configuración, y el diseño de sonido de Andrew Johnson seguramente madurará a medida que avance la temporada.  La iluminación experta de Howard Hudson, en cambio, es absolutamente impecable: sostiene el aliento épico del viaje y, al mismo tiempo, nos atrae tanto como el libreto permite hacia el mundo privado de esta gente pequeña con pasiones enormes.  Mi corazón quiere dar al esfuerzo conjunto cuatro estrellas, pero sé que el director se interpondrá y me apartará de sentirme implicado en su lucha y solo me dejará quedarme con tres.  Es un poco injusto, dadas las maravillosas energías volcadas en este trabajo.  Así que, ¿sabes qué? Voy a ignorar ese reflexivo «Entfrendungseffekt» y quedarme con lo que la partitura sigue cantando en mi alma...

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