REZENSION: Volpone, Brockley Jack ✭✭✭

Volpone

Brockley Jack Theatre

01/10/15

3 Sterne

„Reichtum ist im Wechselspiel des Glücks ein größeres Gut, als Weisheit es von Natur aus ist“ – Volpone

Vor einigen Jahren besuchte ich eine Meisterklasse für klassische Musik, die sich nicht den Noten, sondern den Pausen widmete. Es ging ausschließlich darum, wo Sängerinnen und Sänger in kunstvollen Barockarien, die vor furchterregender Koloratur förmlich schäumen, atmen sollten – und wo besser nicht. An einer Stelle, an der Bach oder Händel eine Passage ohne offensichtliche Atemmöglichkeit geschrieben hatten, wurden verschiedene Varianten ausprobiert und das Publikum stimmte darüber ab. Uns allen war, nachdem wir es gehört hatten, sofort klar, wo die natürliche Zäsur und Phrasierung lag. Es gab eine richtige Lösung – aber man musste sie selbst finden; sie war nicht einfach gegeben.

An diese Episode musste ich bei der Pressevorstellung dieser respektablen, aber fehlerhaften Volpone-Produktion im Brockley Jack wieder denken. Jonsons Stück von 1605 steckt voller kunstvoll gebauter Selbstgespräche und Reden, die vor prunkvollem, latinisiertem Vokabular und ausgefeilten Paradoxien knistern. Sie überhaupt zu bewältigen, verlangt Können – und sie mit der nötigen Geschmeidigkeit und Nonchalance zu spielen, erfordert vor allem ein präzises Gespür für Atmung, Tempo und rhetorische Projektion. Weniger reicht nicht. Unter den glitzernden, tückischen Oberflächen des ungereimten Verses wird die Fahrt deutlich geradliniger. Jonsons Geschichte handelt von Volpone – einem reichen venezianischen Hypochonder – und seinem einschmeichelnden Parasiten Mosca, der Fliege: Gemeinsam locken sie Glücksritter in dem Glauben, sie könnten das Vermögen des listigen Fuchses erben. Das ist eine stereotyp moralische Fabel nach Art Äsops, in der es statt nuancierter Individuen eher Bündel von Eigenschaften gibt – Corbaccio, der Rabe, Voltore, der Geier, Corvino, die Krähe – die sich in einer mehr oder weniger vorhersehbaren Konstellation abarbeiten. Der Spielstil muss daher komisch, wissend, schnell und furios sein; er muss sich an dem Fest der rhetorischen Möglichkeiten berauschen und zugleich eine ironische Distanz dazu wahren – Blackadder wäre ein durchaus passender moderner Vergleich.

Doch es ist nicht bloß eine Parabel über Habgier und ihre Fallstricke. Jonsons tieferes Anliegen ist die Frage, ob der Besitz von Reichtum auf lange Sicht ein größerer Vorteil ist als natürliche Klugheit – eine erheblich beunruhigendere Frage, zumal in Verbindung mit Moscas Behauptung, dass wir in unseren sozialen Beziehungen alle auf die eine oder andere Weise Parasiten sind, so sehr wir uns unterwegs auch etwas vormachen mögen.

Das Stück wurde erstmals am Globe herausgebracht und blieb durchgehend beliebt – bis die Viktorianer ihren Sinn für Ironie verloren. In den letzten Jahren hat es ein fulminantes Comeback erlebt, nicht zuletzt dank der National-Theatre-Produktion von 1974 mit einer Traumbesetzung: Paul Scofield und Ben Kingsley in den Hauptrollen sowie der Luxusbesetzung John Gielgud und Ian Charleson in kleineren Parts.

Volpone muss das Geschehen dominieren und in der ersten Hälfte die Intrigen in Gang setzen, in der zweiten übernimmt Mosca den Staffelstab. Beide Rollen verlangen Schauspieler von echtem Können und Flair – und zugleich ein hervorragend eingespieltes Team. Ist einer nicht in Bestform, kann das Ganze nicht gelingen. Bei der jüngsten RSC-Produktion, besprochen von Stephen Collins, war Mosca der Schwachpunkt – und hier ist es leider Volpone. In der Pressevorstellung war Steve Hope-Wynne dem Text nicht vollständig gewachsen, weder inhaltlich noch in der Formung; und in diesem Repertoire gibt es schlicht keinen Ort, an dem man sich verstecken könnte. Man hofft, dass diese Probleme im Laufe der Spielzeit ausgebügelt werden – und vieles läuft, wie ich zu Beginn sagte, auf Fragen von Atmung und Struktur hinaus, ganz ähnlich wie bei der Vorbereitung von Opernrepertoire.

Im Gegensatz dazu war Mosca in dieser Produktion herausragend. In den Monologen ebenso wie in den rasanten Wortgefechten, die er als Strippenzieher zu orchestrieren hat, wurde Pip Brignall dem erstklassigen Material, das Jonson ihm gibt, vollauf gerecht. Das ist herrlich schlüpfrige Verwandlungskunst, mit fein abgestuften Formen der Schmeichelei für jeden der potenziellen Leichtgläubigen – und einer öligen, gleitenden Bandbreite an Bühnenbewegungen, die perfekt zur Figur passt. Die zweite Hälfte bekam dadurch einen souveränen, eleganten Fluss, der wirklich beeindruckend und fesselnd war.

Die habgierigen Bewerber sind Typenrollen; konventionell „gute“ Figuren sind nicht in Sicht – selbst Bonario und Celia, beide unschuldige Opfer der Intrige, sind von Jonson nur sehr leicht skizziert und binden unsere emotionale Aufmerksamkeit kaum. Es gab gute Arbeit von einer Reihe Darsteller in diesen Karikaturen; herausragend war Rupert Bates, mit einer feinen, juristisch anmutenden Köder-und-Wechsel-Nummer als Advokat Voltore.

Mehr Mühe steckt Jonson in die Nebenhandlung um den kauzigen englischen Reisenden Sir Politick Would-Be, hier von Edward Fisher gespielt als entzückender Mr.-Pooter-Typ: unbekümmert losgelöst von der Realität, mit einer Mischung aus Selbstzweifel und Posieren. Seine Frau, Lady Would-Be, ist eine ebenso vergnügliche komische Erfindung, voller sinnlosem, prätentiösem Geschwafel, und von Ava Amande als eine Art Vivienne-Westwood-Figur gezeichnet – ahnungslos gegenüber der Bestürzung, die sie in ihrer Umgebung auslöst. Ich habe andernorts Inszenierungen gesehen, in denen diese Nebenhandlung das Stück in der zweiten Hälfte beschwert; hier jedoch waren ihre Einsätze und Zwischenspiele köstliche Miniaturen über die Mühen der „Engländer im Ausland“.

Regisseurin Cecilia Dorland hat dem Stück im Namen der Compagnie Scena Mundi in Kostüm, Design und Musik ein Flair der 1920er Jahre gegeben. Ich hatte nicht den Eindruck, dass dieses Setting besondere Einsichten eröffnet, doch es liefert sicher die Grundlage für einige ausgelassene, unbekümmerte Musiknummern – darunter eine Abschieds-Conga, die den Abend hübsch abrundete. Das Bühnenbild war minimal, doch angesichts der räumlichen Bedingungen ist das unvermeidlich. Es gab einige Kürzungen, jedoch auf keine Weise, die die Integrität des Ganzen beschädigt hätte. Am Ende sorgt Jonson dafür, dass alle bekommen, was sie verdienen – „Untaten fressen wie Tiere, bis sie fett sind, und dann bluten sie.“ Zugleich macht er deutlich, wie weit dies oft von Gerechtigkeit im eigentlichen Sinne entfernt ist; schön symbolisiert wird das durch die vorsitzende Richterin (Anna Buckland), die während des gesamten Verfahrens demonstrativ Veuve Clicquot schlürft.

Es gab an diesem Abend viele angenehme und einfallsreiche Aspekte, doch wie bei der Restoration Comedy gibt es bestimmte stilistische und formale Anforderungen an den Erfolg, die nicht verhandelbar sind. Alle Beteiligten spielten mit Engagement und einem guten Gespür für Tempo und Projektion in diesem intimen Raum – aber der Erfolg des Ganzen hängt letztlich von der Beherrschung eines widerspenstigen Textes ab, der, wie Volpones Gold, schmeichelt, um zu täuschen, sofern der Schauspieler nicht äußerst sorgfältig ist.

Volpone läuft im Brockley Jack Studio Theatre bis zum 17. Oktober 2015