RESEÑA: Volpone, Brockley Jack ✭✭✭

Volpone

Brockley Jack Theatre

01/10/15

3 estrellas

«Las riquezas son, por fortuna, un bien mayor que la sabiduría lo es por naturaleza» — Volpone

Hace algunos años asistí a una clase magistral de música clásica dedicada no a las notas, sino a los silencios. Se centró por completo en dónde deben y no deben respirar los cantantes en elaboradas arias barrocas, rebosantes de temible coloratura. En un momento en que Bach o Handel habían escrito un pasaje sin pausas evidentes para tomar aire, se probaron varias opciones y el público votó. Para todos nosotros, una vez escuchado, estaba claro dónde se encontraba la pausa y la fraseo natural. Había una respuesta correcta, pero tenías que encontrarla por ti mismo: no venía dada.

Volví a pensar en aquel episodio en la noche de prensa de esta producción meritoria pero irregular de Volpone en el Brockley Jack. La obra de Jonson, de 1605, está llena de soliloquios y parlamentos muy elaborados que chispean con un vocabulario latinoide ostentoso y paradojas complejas. Sortearlos ya exige destreza, y hacerlo con la fluidez y el aplomo necesarios implica, sobre todo, un oído preciso para la respiración, el ritmo y la proyección retórica. No vale menos. Una vez que se atraviesan las superficies brillantes y traicioneras del verso blanco, la navegación es mucho más sencilla. La historia de Jonson trata de Volpone —un rico hipocondríaco veneciano— y de su insinuante parásito, Mosca (la mosca), que atraen a los cazafortunas haciéndoles creer que podrían heredar la hacienda del astuto zorro. Es una fábula moral estereotipada al estilo de Esopo, donde en lugar de personajes individuales matizados hay haces de rasgos: Corbaccio, el cuervo; Voltore, el buitre; Corvino, el cuervo negro, que se despliegan en una matriz más o menos predecible. Por tanto, el estilo de interpretación debe ser cómico, consciente, rápido y desatado; deleitándose en el festín de posibilidades retóricas mientras mantiene una distancia irónica respecto a ellas: Blackadder sería un paralelismo moderno razonable.

Sin embargo, no es simplemente una parábola sobre la avaricia y sus trampas. El propósito más profundo de Jonson es preguntarse si la posesión de riquezas supone a la larga una ventaja mayor que la sabiduría natural: una cuestión más inquietante, sobre todo cuando se une a la afirmación de Mosca de que, en nuestras relaciones sociales, todos somos en cierto modo parásitos, por mucho que nos autoengañemos por el camino.

La obra se estrenó en el Globe y fue continuamente popular hasta que los victorianos perdieron el sentido de la ironía. En los últimos años ha regresado con fuerza, no en menor medida gracias a la producción del National Theatre de 1974, con un reparto de ensueño encabezado por Paul Scofield y Ben Kingsley, y el lujo de contar con John Gielgud e Ian Charleson en papeles menores.

Volpone necesita dominar y conducir la acción, planteando las intrigas en la primera mitad, y Mosca toma el relevo en la segunda. Ambos deben ser actores con auténtica habilidad y carisma, pero también un gran equipo en colaboración. Si uno no está fino, el conjunto no puede funcionar. En el caso de la reciente producción de la RSC reseñada por Stephen Collins, era Mosca quien fallaba; aquí, por desgracia, es Volpone. En la noche de prensa Steve Hope-Wynne no tenía plenamente dominado el texto, ni en contenido ni en construcción, y en este repertorio sencillamente no hay dónde esconderse. Cabe esperar que estos problemas se pulan a lo largo de las funciones, y gran parte de ello se reduce, como decía al comienzo, a cuestiones de respiración y estructura, igual que al preparar repertorio operístico.

En contraste, el Mosca de esta producción fue sobresaliente. En la entrega de los monólogos y en los intercambios a toda velocidad que debe dirigir entre bambalinas, Pip Brignall hizo plena justicia al material superlativo que Jonson le ofrece. Es una suplantación maravillosamente resbaladiza, con formas de halago bien diversificadas para cada posible incauto y una gama aceitosa y sinuosa de movimientos escénicos totalmente acorde con el personaje. La segunda mitad de la acción adquirió, gracias a ello, un fluir desenfadado y elegante que resultó verdaderamente impresionante y absorbente.

Los pretendientes avariciosos son tipos de manual, sin personajes convencionalmente «buenos» a la vista; incluso Bonario y Celia, ambos víctimas inocentes de la trama, están apenas esbozados por Jonson y no retienen nuestra atención emocional. Hubo buen trabajo por parte de varios intérpretes en estos papeles caricaturescos, y el más destacado fue Rupert Bates, con una pulcra maniobra de abogado de amago y cambio como el letrado Voltore.

Jonson se esfuerza más en la subtrama del patoso viajero inglés Sir Politick Would-Be, interpretado aquí por Edward Fisher como un delicioso tipo «señor Pooter», alegremente desconectado de la realidad, con una mezcla a partes iguales de inseguridad y pose. Su esposa, Lady Would-Be, es una creación cómica igualmente agradable, llena de palabrería pretenciosa sin sentido, y Ava Amande la dibuja como una especie de Vivien Westwood, ajena a la consternación que provoca a su alrededor. He visto producciones en las que esta subtrama lastra la obra en la segunda mitad, pero aquí sus intervenciones e interludios fueron deliciosos retratos de las tribulaciones de los «ingleses en el extranjero».

La directora Cecilia Dorland, en nombre de la compañía Scena Mundi, ha dado a la obra un aire de los años veinte en vestuario, diseño y música. No sentí que este marco aportara una lectura especialmente reveladora, pero sin duda sirve de base para algunos números musicales desmadrados y despreocupados, incluido una conga de despedida que dejó la velada bien rematada. La escenografía fue mínima, pero dadas las limitaciones de espacio eso es inevitable. Hubo algunos cortes en el texto, aunque no de un modo que perjudicara la integridad del conjunto. Al final, Jonson se asegura de que todos reciban su merecido: «Las maldades se ceban como bestias hasta que engordan y entonces sangran». Sin embargo, también deja claro que esto a menudo está muy lejos de la justicia propiamente dicha, y eso queda bien simbolizado por la jueza que preside (Anna Buckland), que se pasa el proceso dando ostentosos tragos de Veuve Clicquot.

Hubo muchos aspectos agradables e imaginativos en esta velada, pero, como ocurre con la Comedia de la Restauración, existen ciertos requisitos estilísticos y formales para el éxito que no son negociables. Todos los implicados en esta producción actuaron con entrega y un buen sentido del ritmo y la proyección en este espacio íntimo, pero el éxito del conjunto sigue dependiendo fundamentalmente del dominio de un texto refractario que, como el oro de Volpone, halaga para engañar, a menos que el actor sea muy cuidadoso.

Volpone se representa en el Brockley Jack Studio Theatre hasta el 17 de octubre de 2015