CRITIQUE : Volpone, Brockley Jack ✭✭✭

Volpone

Brockley Jack Theatre

01/10/15

3 Étoiles

'Les richesses sont-elles dans la fortune un plus grand bien que la sagesse ne l'est dans la nature' - Volpone

Il y a quelques années, j'ai assisté à une masterclass de musique classique consacrée non pas aux notes mais aux pauses. Elle portait exclusivement sur les endroits où les chanteurs devaient et ne devaient pas respirer dans des airs baroques élaborés remplis d'une colorature redoutable. À un moment où Bach ou Haendel avaient écrit un passage sans pauses évidentes pour respirer, diverses options ont été essayées et le public a voté pour elles. Il nous est apparu clairement, dès que nous l'avons entendu, où se trouvaient le découpage naturel et la phrasé. Il y avait une bonne réponse, mais il fallait la trouver soi-même, ce n'était pas une évidence.

J'ai repensé à cet épisode lors de la soirée de presse de cette production digne mais imparfaite de Volpone au Brockley Jack. La pièce de Jonson de 1605 regorge de soliloques et discours finement élaborés qui pétillent d'un vocabulaire latinisé tape-à-l'œil et de paradoxes complexes. Les négocier demande une habileté, et le faire avec l'aisance requise implique avant tout une oreille précise pour la respiration, le rythme et la projection rhétorique. Rien de moins ne ferait l'affaire. Une fois que l'on passe au-delà des surfaces scintillantes et perfides du vers blanc, la navigation est bien plus facile. L'histoire de Jonson est celle de Volpone - un riche hypocondriaque vénitien - et de son parasite insinuant – Mosca, la mouche - qui attirent tous deux les chasseurs de fortune en leur faisant croire qu'ils pourraient hériter de la fortune rusée du renard. C'est une fable morale stéréotypée dans le style d'Ésope où, au lieu de personnages individuels nuancés, vous avez des ensembles de caractéristiques – Corbaccio, le corbeau, Voltore, le vautour, Corvino, le corneille – qui se jouent dans une matrice plus ou moins prévisible. Le style de jeu doit donc être comique, conscient, rapide et furieux ; se réjouir dans le festin de possibilités rhétoriques tout en gardant une distance ironique d'elles – Blackadder serait un parallèle moderne raisonnable.

Cependant, ce n'est pas simplement une parabole sur l'avarice et ses écueils. Le but plus profond de Jonson est de se demander si la possession de richesses est plus avantageuse à long terme que la sagesse naturelle – une question plus troublante à poser, surtout lorsqu'elle est associée à la revendication de Mosca selon laquelle, en quelque sorte, nous sommes tous des parasites dans nos relations sociales, aussi souvent que nous puissions nous berner en chemin.

La pièce a été produite pour la première fois au Globe et est restée continuellement populaire jusqu'à ce que les Victoriens perdent leur sens de l'ironie. Ces dernières années, elle a fait un retour en fanfare, notamment grâce à la production du National Theatre de 1974 qui avait une distribution de rêve avec Paul Scofield et Ben Kingsley dans les rôles principaux, et le casting de luxe de John Gielgud et Ian Charleson dans des rôles mineurs.

Volpone doit dominer et diriger l'action en mettant en place les intrigues dans la première moitié et Mosca prend le relais dans la seconde. Tous deux doivent être des acteurs individuels de réelle compétence et flair mais aussi une équipe collaborative exemplaire. Si l'un d'eux est en retrait, l'ensemble ne peut pas réussir. Dans le cas de la récente production RSC revue par Stephen Collins, c'était Mosca qui était déficient, et ici, malheureusement, c'est Volpone. Lors de la soirée de presse, Steve Hope-Wynne n'était pas totalement en maîtrise du texte, que ce soit dans le contenu et la forme, et dans ce répertoire, il n'y a tout simplement nulle part où se cacher. On espère que ces problèmes seront résolus au cours de la représentation, et presque tout revient, comme je l'ai dit au début, à des questions de respiration et de structure, tout comme dans la préparation du répertoire opératique.

En revanche, le Mosca de cette production était exceptionnel. Dans la livraison de monologues et dans les échanges fulgurants qu'il doit gérer, Pip Brignall a rendu pleinement justice aux matériaux superlatifs que Jonson lui donne. C'est une personnification merveilleusement glissante, avec des formes de flatterie joliment diversifiées pour chacun des dupes potentiels et une gamme de mouvements de scène huileux et ondulants tout à fait en accord avec le personnage. La seconde moitié de l'action avait un déroulement débonnaire qui était vraiment impressionnant et captivant.

Les prétendants avides sont des stéréotypes, sans personnages conventionnellement « bons » en vue – même Bonario et Celia, tous deux victimes innocentes du complot, sont à peine esquissés par Jonson et n'attirent pas notre attention émotionnelle. Il y avait un bon travail d'une série d'acteurs dans ces rôles caricaturaux avec le choix étant Rupert Bates, avec une routine d'aveuglement et de tromperie d'avocat astucieuse en tant qu'avocat Voltore.

Jonson met plus d'efforts dans la sous-intrigue impliquant le voyageur anglais maladroit Sir Politick Would-Be, joué ici par Edward Fisher en tant que type délicieux de M. Pooter, détaché de la réalité, avec un mélange égal de doute de soi et de frime. Sa femme, Lady Would-Be, est une création comique tout aussi agréable, pleine de charabia prétentieux et représentée par Ava Amande comme un type Vivien Westwood ignorante de la consternation qu'elle provoque chez ceux qui l'entourent. J'ai vu des productions ailleurs où cette sous-intrigue pèse sur la pièce dans la seconde moitié, mais ici leurs interventions et interludes étaient de délicieux portraits des mésaventures des 'Anglais à l'étranger'.

La directrice Cecilia Dorland, au nom de la compagnie Scena Mundi, a donné à la pièce une ambiance des années 1920 dans le costume, le design et la musique. Je n'ai pas senti que ce cadre offrait des perspectives particulières, mais il fournit certainement la base de quelques numéros musicaux endiablés, y compris une conga d'adieu qui a conclu la soirée proprement. Les décors étaient minimaux, mais compte tenu des contraintes d'espace, c'était inévitable. Il y a eu quelques coupures dans le texte mais d'aucune façon qui ait endommagé l'intégrité de l'ensemble. À la fin, Jonson s'assure que tout le monde reçoit sa juste récompense - 'Les méfaits se nourrissent comme des bêtes jusqu'à ce qu'ils soient gras, puis ils saignent.' Cependant, il indique également clairement que ceci est souvent bien éloigné de la justice elle-même, et cela est habilement symbolisé par le juge présidant (Anna Buckland) qui sirote ostensiblement du Veuve Clicquot tout au long de la procédure.

Il y avait de nombreux aspects agréables et imaginatifs à cette soirée, mais tout comme avec la comédie de la Restauration, il y a certaines exigences stylistiques et formelles de succès qui sont non négociables. Tous les participants à cette production ont joué avec engagement et un bon sens du rythme et de la projection dans cet espace intime, mais le succès de l'ensemble demeure fondamentalement dépendant de la maîtrise d'un texte réfractaire qui, comme l'or de Volpone, flatte pour tromper, à moins que l'acteur ne soit très prudent.

Volpone se joue au Brockley Jack Studio Theatre jusqu'au 17 octobre 2015