CRÍTICA: Volpone, Brockley Jack ✭✭✭

Volpone

Brockley Jack Theatre

01/10/15

3 Estrelas

‘As riquezas são, na fortuna, um bem maior do que a sabedoria é na natureza’ — Volpone

Há alguns anos fui a uma masterclass de música clássica dedicada não às notas, mas às pausas. Centrou-se inteiramente em onde os cantores devem e não devem respirar em árias barrocas elaboradas, a transbordar de coloraturas temíveis. Houve um momento em que Bach ou Handel tinham escrito uma passagem sem quaisquer quebras óbvias para respirar; experimentaram-se várias opções e o público votou nelas. Depois de ouvirmos, tornou-se evidente para todos onde estava a pausa e a fraseado naturais. Havia uma resposta certa, mas era preciso encontrá-la por conta própria — não vinha dada.

Voltei a lembrar-me desse episódio na noite de imprensa desta produção meritória, mas com falhas, de Volpone no Brockley Jack. A peça de Jonson, de 1605, está cheia de solilóquios e discursos muito trabalhados, que crepitam com um vocabulário latino exibicionista e paradoxos elaborados. Só navegar por eles já exige perícia; fazê-lo com a panache fluida que a peça pede implica, acima de tudo, um ouvido preciso para a respiração, o ritmo e a projeção retórica. Nada menos serve. Quando se atravessa o brilho das superfícies traiçoeiras do verso branco, a viagem torna-se bem mais simples. A história de Jonson é a de Volpone — um rico hipocondríaco veneziano — e do seu parasita insinuante, Mosca, a mosca, que juntos atraem caçadores de fortunas, fazendo-os acreditar que poderão herdar a fortuna da raposa astuta. Trata-se de uma fábula moral estereotipada à maneira de Esopo: em vez de personagens individuais matizadas, temos feixes de características — Corbaccio, o corvo, Voltore, o abutre, Corvino, a gralha — que se combinam num esquema mais ou menos previsível. O estilo de interpretação, por isso, tem de ser cómico, cúmplice, rápido e feroz; deleitando-se com o festim das possibilidades retóricas, mas mantendo delas uma distância irónica — Blackadder seria um paralelo moderno razoável.

No entanto, não é apenas uma parábola sobre a avareza e as suas armadilhas. A intenção mais profunda de Jonson é perguntar se, a longo prazo, possuir riquezas é uma vantagem maior do que a sabedoria natural — uma questão bem mais inquietante, sobretudo quando associada à afirmação de Mosca de que todos nós somos, de alguma forma, parasitas nas nossas relações sociais, por mais que nos iludamos pelo caminho.

A peça foi apresentada pela primeira vez no Globe e manteve-se continuamente popular até os vitorianos perderem o sentido de ironia. Nos últimos anos, regressou em grande — em parte graças à produção do National Theatre de 1974, com um elenco de sonho: Paul Scofield e Ben Kingsley nos papéis principais, e o luxo de John Gielgud e Ian Charleson em papéis secundários.

Volpone precisa de dominar e conduzir a ação ao montar as intrigas na primeira metade, e Mosca assume o comando na segunda. Ambos têm de ser atores de verdadeira competência e brilho, mas também uma excelente dupla colaborativa. Se um deles não estiver em forma, o todo não pode resultar. No caso da recente produção da RSC analisada por Stephen Collins, foi o Mosca que falhou; aqui, infelizmente, é o Volpone. Na noite de imprensa, Steve Hope-Wynne não dominou plenamente o texto — seja no conteúdo, seja na forma de o moldar — e, neste repertório, simplesmente não há onde se esconder. Espera-se que estes problemas sejam resolvidos ao longo da temporada; e muito disto se reduz, como disse no início, a questões de respiração e estrutura, tal como na preparação de repertório operático.

Em contraste, o Mosca desta produção foi notável. Na entrega dos monólogos e nas trocas rápidas que tem de gerir em cena, Pip Brignall fez inteira justiça ao material soberbo que Jonson lhe dá. É uma imitação maravilhosamente escorregadia, com formas de lisonja bem diversificadas para cada um dos potenciais patos e uma gama oleosa, serpenteante, de movimentos em palco, totalmente de acordo com a personagem. Como resultado, a segunda metade ganhou um fluxo elegante e descontraído, genuinamente impressionante e cativante.

Os pretendentes avarentos são tipos de catálogo, sem quaisquer personagens convencionalmente ‘boas’ à vista — mesmo Bonario e Celia, ambos vítimas inocentes das tramas, são desenhados por Jonson com traços muito leves e não prendem a nossa atenção emocional. Houve bom trabalho de vários atores nestes papéis caricaturais, destacando-se Rupert Bates, com um eficaz jogo jurídico de engodo e troca como o advogado Voltore.

Jonson dedica mais esforço ao enredo secundário que envolve o pateta viajante inglês Sir Politick Would-Be, aqui interpretado por Edward Fisher como um delicioso tipo à la Mr Pooter, serenamente desligado da realidade, com uma mistura igual de auto-dúvida e pose. A sua esposa, Lady Would-Be, é uma criação cómica igualmente agradável, cheia de tagarelice pretensiosa e disparatada, retratada por Ava Amande como uma espécie de Vivien Westwood alheia à consternação que provoca à sua volta. Já vi produções noutros sítios em que este enredo secundário arrasta a peça na segunda metade, mas aqui as suas intervenções e interlúdios foram retratos deliciosos das agruras dos ‘ingleses no estrangeiro’.

A encenadora Cecilia Dorland, em nome da companhia Scena Mundi, deu à peça um toque anos 1920 nos figurinos, no desenho e na música. Não senti que este enquadramento trouxesse grandes leituras novas, mas certamente dá base a alguns números musicais folgazões e despreocupados, incluindo uma conga de despedida que fechou a noite com graça. O cenário foi mínimo, mas dadas as limitações do espaço isso é inevitável. Houve alguns cortes no texto, mas não de forma a prejudicar a integridade do conjunto. No final, Jonson garante que todos recebem o que merecem — ‘As maldades alimentam-se como feras até ficarem gordas e depois sangram.’ No entanto, também deixa claro que isto muitas vezes está bem longe da justiça em si, e isso é bem simbolizado pela juíza (Anna Buckland), que ostentosamente vai dando grandes goles de Veuve Clicquot ao longo do processo.

Houve muitos aspetos agradáveis e imaginativos nesta noite, mas, tal como na Comédia da Restauração, há certos requisitos estilísticos e formais para o sucesso que são inegociáveis. Todos os envolvidos nesta produção atuaram com empenho e um bom sentido de ritmo e projeção neste espaço íntimo, mas o êxito do conjunto continua a depender fundamentalmente do domínio de um texto refratário que, como o ouro de Volpone, seduz para enganar — a menos que o ator seja muito cuidadoso.

Volpone está em cena no Brockley Jack Studio Theatre até 17 de outubro de 2015