REZENSION: Worum geht es?, Menier Chocolate Factory ✭✭✭✭

Worum geht’s hier eigentlich?: Bacharach neu gedacht

Menier Chocolate Factory

16. Juli 2015

4 Sterne

Jetzt ins Criterion Theatre übertragen

Es geht schon sehr früh schief.

Der (sehr) gutaussehende, (sehr) energiegeladene, sehr (einnehmende) junge Mann (der aussieht wie – wenn so etwas möglich wäre – das Liebeskind von Aaron Tveit und James Dean) spricht beruhigend, einladend, zum versammelten, erwartungsvollen Publikum, das größtenteils aus Menschen eines gewissen Alters besteht, die gekommen sind, weil die Musik von Burt Bacharach ein fester Bestandteil ihrer Jugend und frühen Erwachsenenjahre war: Menschen, die sich nach Regentropfen sehnten, die ihnen auf den Kopf fallen, einfach nicht wussten, was sie mit sich anfangen sollten, ahnungslose Kätzchen mit quengeligen Fragen nach „Was gibt’s Neues?“ bedrängten, wussten, dass Liebe nicht nur aus Sex besteht, aber dir trotzdem nah sein wollten – und vor allem selbstbewusst behaupteten, sie wüssten, was die Welt jetzt braucht.

Diese Menschen kennen sich aus mit den berauschenden Exzessen der sorglosen, entdeckungsfreudigen, von Liebe befeuerten Sechziger und Siebziger. Sie wissen wahrscheinlich auch etwas über Flower Power, LSD, Patchworkdecken, The Monkees, Kiffen, The Partridge Family, lange Haare und handgefärbte Stoffe. Sie kennen und lieben diese Songs – und die großen Stars wie Perry Como, Cilla Black, Dionne Warwick und Tom Jones, die sie zuerst berühmt gemacht haben. Für sie verspricht das ein Abend voller aufregender Nostalgie zu werden: eine greifbare Erinnerung an die eigene Jugend und romantische Vergangenheit.

Der junge Mann lächelt in die erwartungsvollen Gesichter und lädt sie ein, sich zu entspannen und es zu genießen. Er fordert sie auf, zu jubeln und zu klatschen. Dann lädt er sie ein, mitzusingen. Das ist beinahe tödlich für den Genuss des gesamten Erlebnisses.

Denn natürlich: Sobald die Einladung ausgesprochen ist, bricht der Nostalgiedamm, und es ergießt sich eine Flut von schiefem, unpünktlichem, gutturalem/hochgepitchtem (ja, die ganze Bandbreite) Knurren, Skandieren, atonalem Erbrechen – alles Dinge, die an einem verlassenen Strand am Lagerfeuer, wenn man angeheitert ist, vielleicht herrlich sein mögen, die aber in einem Theater nichts zu suchen haben, in dem die Besucher*innen gekommen sind, um den Musiker*innen zuzuhören, die auftreten. Alle haben bezahlt, um die Musiker*innen zu hören. Niemand hat bezahlt, um das enthusiastische Publikum zu hören, das Rossinis Katzen geradezu engelsgleich und beruhigend wirken lässt.

Dieser Aspekt der Publikumsbeteiligung bei Worum geht’s hier eigentlich?: Bacharach neu gedacht, jetzt im Menier Chocolate Factory, untergräbt fast vollständig die eigentliche Attraktivität und den Sinn der Produktion. Kyle Riabko und David Lane Seltzer haben sich bewusst vorgenommen, eine völlig neue Art zu schaffen, Burt Bacharachs außergewöhnlichen Musikkatalog zu würdigen. Begeistertes Mitsingen von Zuschauer*innen, die nicht wissen, wie die Musik verändert wurde, aber glauben, es zu wissen, trägt nichts dazu bei, die tief berührende Stimmung zu halten, die durch die Arrangements und die Darbietungen auf der Bühne entsteht. Der Schlüssel steckt im Titel: Bacharach neu gedacht!

Riabko erklärt im Programmheft:

„Wie würde ich instinktiv jedes Lied spielen, wenn ich eine Gitarre oder ein Klavier in die Hand nähme und die Akkorde anschlüge? … Ich habe versucht, sie in einem kombinierten Stück zusammenzuknallen und notiert, wann es funktioniert und wann nicht … Ich wollte einige dieser Songs mit Backbeats präsentieren, mit denen ich aufgewachsen bin – sei es der pulsierende Funk von Sly and The Family Stone, das Balladensingen eines Paul Simon oder der Delta Blues von Muddy Waters. Ich habe einfach mit diesen Einflüssen experimentiert, sie in verschiedenen Kombinationen ausprobiert … das war eine Gelegenheit für eine jüngere Generation, die Fackel einer ohnehin zeitlosen Sammlung von Musik weiterzutragen. Denn was ist Zeitlosigkeit ohne die Stimme der Jugend?“

Also … das ist eine Show mit neuer Arbeit. Das Publikum kann nicht mit den Darsteller*innen mitsingen, weil es keine Ahnung hat, was diese als Nächstes machen werden. Bacharachs Musik wird durch Riabkos und Seltzers Ansatz herrlich – manchmal geradezu verblüffend – neu interpretiert und wiederbelebt. Und der einzige Weg, sie wirklich zu genießen und zu würdigen, ist, aufmerksam zuzuhören: den Stimmen, den Texten, dem Instrumentalspiel, den Obertönen, den polyphonen Texturen und kontrapunktischen Effekten, den Mischungen und Übergängen – ohne die endlose, zermürbende Ablenkung durch Publikumsbeteiligung.

Was Riabko und Seltzer hier erreicht haben, ist wirklich bemerkenswert.

Die Musik wirkt wie frisch geprägt und zugleich unheimlich vertraut; bekannte Standards werden komplett neu erfunden, in verführerischen Fragmenten präsentiert oder bekommen eine superbe Ensemble-Behandlung, die völlig im Gegensatz zur ursprünglichen Solo-Balladen-Version steht. Gelegentlich wird eine Nummer in einer Form dargeboten, die dem Original sehr nahekommt – und genau diese Momente sind fesselnd, als eine Art Achse zwischen dem Bacharach von früher und dieser neu regenerierten Version. Allein ihre Präsenz betont das außergewöhnliche Talent des Komponisten.

Musikalisch passiert so viel, dass es schwer ist, all das in einer Sitzung aufzunehmen. Es gibt Fetzen und Patches von Schlüsselsongs, die – wie wagnerianische Leitmotive – das ganze Erlebnis zusammenbinden und es weniger zu einem Konzert machen als zu einer Pop/Rock/R&B-Oper. „What’s it all about, Alfie?“ ist ein zentrales Motiv, das ständig wiederkehrt und auf schlichte Weise das intellektuelle Fundament des Abends liefert. Riabko und Seltzer fragen, worum es in Bacharachs Musik eigentlich geht – und zeigen ihre Antwort. Emotional komplex, betörend eingängig, zutiefst menschlich und in einem durch und durch allgegenwärtigen Sinn melodisch.

Das Bühnenbild von Christine Jones und Brett J Banakis ist schlicht umwerfend. Es fängt das Gefühl der Sechziger und frühen Siebziger wunderbar ein und greift zugleich mühelos die Atmosphäre unzähliger Jugendzimmer, Wohnzimmer und Freizeit-Räume auf, in denen Musik gemacht oder gehört werden könnte. Sofas hängen hoch an der Wand; in dem Gerümpel (das aus vielen Gegenständen besteht, die mit junger Liebe verbunden sind) findet man Gitarren aller Art, und alles wirkt mit entwaffnender, eklektischer Brillanz scheinbar lässig überall verstreut. Es gibt eine doppelte Drehbühne, die eigene magische Momente erzeugt, und einen großartigen Einsatz von Lampen mit einzelnen Glühbirnen, die zunächst mit Schirmen versehen sind und später nackt – und so die Stimmung der Musik spiegeln.

Tim Lutkins Licht ist erstaunlich gut. Er erzeugt kraftvolle, packende und herzschmelzende Bilder, nutzt Schatten, als wären sie Mondstrahlen, und setzt Intensitäten und Fokuspunkte makellos. Tatsächlich erzählt das Licht oft eine Geschichte oder verändert eine Stimmung schneller als die Musik – ein beabsichtigter und äußerst kluger Kunstgriff.

Unruhe, Schmerz, Hingabe, Gemeinschaft, Liebe und Verzweiflung werden hier von Regisseur und Choreograf Steven Hoggett in das Gewebe der Inszenierung eingenäht – durch geschickten Einsatz von Bewegung, Szenen- und Instrumentenwechseln, gelegentlichen Tableaux und einigen schmerzlich zerbrechlichen Tanzmomenten. Es gibt eine Sequenz mit Riabko, Stephanie McKeon und einer Gitarre, die ein beinahe unerträglich schönes Pas de deux ist. Ebenso setzt Hoggett fein synchronisierte Gruppenbewegungen mit großer Wirkung ein, oft sehr humorvoll. Das ist superb – erhabene Regiearbeit.

Riabko ist ein außergewöhnlicher Sänger, und seine Leidenschaft und sein Drive tragen das ganze Stück. Er ist die schlichte Verkörperung jedes Menschen, der je verliebt war oder es sein wollte – wenn auch eine extrem gutaussehende, vehement energiegeladene und geschmeidige Everyman-Version. Er hat schelmische Augen, ein gewinnendes Lächeln und eine Stimme, die rein, beweglich und völlig fesselnd ist. Er singt viele der größten Bacharach-Balladen, aber besonders in Erinnerung bleiben seine wilde Version von „What’s New Pussycat?“ und seine erschütternde, wunderschön austarierte akustische Gitarrenfassung von „What’s It All About, Alfie?“. Außerdem gelingt ihm beinahe ein Orgasmus mit einer E-Gitarre und ein paar kecken Gruppenroutinen, die wirklich hängen bleiben. Er fügt sich mühelos in das Zusammenspiel der anderen Musiker*innen ein und sticht hervor, wenn er es muss. Eine Darbietung voller Brio – vollkommen mitreißend.

Stephanie McKeon und Anastacia McCleskey sind ebenso fesselnd. Sie liefern schimmernde, geradezu herzzerreißende Vocals zu einigen von Bacharachs schärfsten und klarsichtigsten Songs über Traurigkeit. Greg Coulson hat eine enorme Bühnenpräsenz und eine aufregende Stimme, und James Williams’ meisterhafte Percussion-Arbeit ist lebendig und unberechenbar. Daniel Bailen und Renato Paris vervollständigen das begabte Ensemble.

Riabko und seine Kolleg*innen haben sichtlich Spaß daran, mit dem Publikum zu spielen und es ein wenig aufzuziehen. Riffs und Vamps werden angespielt – manchmal mehr als einmal – ohne den kleinsten Hinweis darauf, welcher großartige Song folgen wird; und das Publikum hängt in Erwartung, stets belohnt, wenn die Bacharach-Melodie schließlich auftaucht.

Das ist großartiger Theaterspaß. Musikalisch ist es endlos erfinderisch und interessant. Dramaturgisch deckt es die ganze Bandbreite ab – von alberner Freude bis zu tiefdunklem Schmerz. „Magic Moments“ ist schlicht unvergesslich, und viele andere Nummern erhalten durch die Energie und Alchemie, die hier am Werk sind, eine völlig frische Perspektive, die sich ins Gewebe einbrennt.

Wirklich lohnenswert. Wenn Riabko nur aufhören würde, das Publikum zum Mitsingen zu ermuntern, wäre es ein Pflichttermin.

P.S. Verlassen Sie den Zuschauerraum zügig, damit Sie die süße Gruppen-Version von „Raindrops keep falling on my head“ nicht verpassen, die das gesamte Ensemble am Eingang des Theaters zum Besten gibt. Die Show dauert nur etwa 85 Minuten, also widerstehen Sie der Versuchung, an der Bar zu trödeln. Sie können jederzeit zurückkommen, wenn die Nach-Show-Serenade vorbei ist. Und dort ist das Mitsingen dann wirklich wunderbar.

Worum geht’s hier eigentlich? wechselt nun ins Criterion Theatre in London – unter dem neuen Namen Close To You.