REZENSION: Wonderful Town, Ye Olde Rose and Crowne Pub Theatre ✭✭✭✭

Wonderful Town

Ye Olde Rose And Crowne Pub Theatre

14. Oktober 2016

Als Tim McArthur und Aaron Clingham dieses Pub-Theatre vor acht Jahren ins Leben riefen, frage ich mich, wie vielen damals klar war, dass es sich rasch zu einer der ersten Adressen entwickeln würde, um großartige neue Talente zu entdecken, hervorragende Produktionen zu sehen, die auf dem üblichen Spielplan viel zu selten auftauchen, und einfach einen wunderbaren Theaterabend zu erleben. Nun, genau das ist ihnen gerade wieder gelungen – mit dieser erquicklich frischen und faszinierenden Inszenierung des 1953 entstandenen Nachfolgers von „On The Town“. Und gestern Abend versammelte sich ein ausverkauftes Haus, um das Ergebnis zu sehen.

McArthur, der hier gemeinsam mit dem brillant aufspielenden, relativ neuen Co-Regisseur (und in diesem Haus bestens bekannten Darsteller) Jamie Birkett inszeniert, öffnet den Spielraum zu einem quadratischen „Zimmer“, mit Publikum auf drei Seiten. Die Lizenzbestimmungen bedeuten, dass man diese Show entweder mit vollem Orchester oder nur mit einem einzelnen Klavier spielen darf: Für die komplette Band ist in diesem intimen Venue schlicht kein Platz – also sitzt Clingham seitlich an einem schlichten Upright-Piano. Das prägt dann auch weitere Produktionsentscheidungen: Mit der Konsequenz und Stimmigkeit, für die das Haus inzwischen bekannt ist, greift das Design dieses reduzierte, heruntergedimmte Prinzip auf und schenkt uns einen nahezu leeren Raum, punktuell erhöht durch ausgesparte Podeste, die an die geradlinigen Konturen New Yorks erinnern; die Rückwand ist mit einer Collage aus Zeitungsschnipseln tapeziert – die ganze Geschichte handelt von Menschen aus den Zeitungen, die in die Zeitungen schreiben oder über die in den Zeitungen geschrieben werden wollen – und Zeitungsdruck findet sich auch an den Requisiten wieder, am einzelnen Fensterrahmen.

Die Besetzung hingegen trägt wunderschön aufeinander abgestimmte Kostüme, die die monochromen Nuancen der Schwarzweißfotografie oder die Sepiatöne gedruckter Bilder aufgreifen, mit gelegentlichen leuchtend roten Akzenten in Masthead-Rot. Das ist ein köstlicher Look, erdacht von Ben Hathaway, und Sky Bembury beleuchtet alles mit schlichter Zurückhaltung. Es gibt viele Ortswechsel, doch das Licht – ob natürlich oder atmosphärisch – wirkt stets so, als gehöre es in einem tief realistischen Sinn genau zu diesem Ort; abgesehen von einem allerletzten romantischen Aufblühen, das einem den Atem rauben wird. Der Spielstil ist allerdings deutlich komplexer.

Der Schauspielstil der Show ergibt sich aus den vielen kreativen Einflüssen, aus denen ihr Gewebe besteht. Die ursprünglichen autobiografischen Kurzgeschichten von Ruth McKenney erschienen Ende der 1930er Jahre im „The New Yorker“. Daraus wurde 1940 von Joseph Fields und Jerome Chodorov das Stück „My Sister Eileen“ gemacht: Das Autorenduo adaptierte seine Fassung anschließend für das Buch des Musicals – und noch komplizierter wurde es mit dem Hinzukommen des Komponisten Leonard Bernstein sowie seiner beiden Texter Betty Comden und Adolph Green. Die meisten Menschen erinnern sich heute, wenn überhaupt, an den späteren Film von 1955, der auf dem ursprünglichen Bühnenstück basierte – das seinerseits bereits ein Jahrzehnt zuvor verfilmt worden war.

Das ist sehr New York: ein ständiges Gewusel aus Einflüssen und sich kreuzenden Wegen, mit Figuren, die auf kleinstmöglichem Raum zusammengepfercht sind – vieles davon in einer engen Souterrainwohnung, die immer wieder von erdbebenartigen Erschütterungen vorbeidonnernder Hochbahnzüge (EL) durchgerüttelt wird – und die in überraschend kreativer Weise aneinander geraten und Funken schlagen. Und genau darum – weit mehr als um die hauchdünne Handlung – geht es in der Show, und genau das liefert uns diese Produktion auf besonders schöne Weise.

Lizzie Wofford spielt die zentrale „autoriale“ Stimme der Show, Ruth: eine kluge, begabte, ehrgeizige junge Frau, die 1935 mit ihrer Schwester Eileen, der bezaubernden Francesca Benton-Stage, in die wirtschaftliche, kulturelle und gesellschaftliche Hauptstadt der Amerikas kommt. Nach dem ersten Rausch begegnen sie einer Parade an Herausforderungen, viele davon getränkt von altmodischem Sexismus: Verehrer Baker (Aneurin Pasco), Frank (Hugo Joss Catton) und Chick Clark (Ashley Holman), ein durchgeknallter italienischer Restaurantbesitzer (Joe Goldie), der schmierige Valentin (Jon R Harrison), die örtliche Prostituierte Violet (Leah Pinney), deren Wohnung sie geerbt haben – samt Besuchen ihrer früheren Kundschaft – sowie der angehende Künstler und Vermieter aus Greenwich Village, Appopolous (Nik Chiappetta). Unterstützung kommt kaum von Freundin Helen (Francesca Pim) und deren furchteinflößender Mutter Mrs Wade (Laurel Dougall), auch nicht von den Unterbrechungen durch Kitty Whitelaws Delivery Kid (inklusive grandioser High-Kicks im Stil von Charlotte Greenwood) oder den Ensemble-Spielerinnen Lucie Horsfall und Anna Middlemass.

Zur Mitte des ersten Akts wirkt manches ein wenig entmutigend: Eine „Mitbring“-Dinnerparty wird zum Desaster, und die Mädchen sind niedergeschlagen. Dann aber merken wir, dass tatsächlich etwas Seltsames geschieht: Da ist noch ein weiterer Faktor im Spiel, den wir kaum wahrgenommen haben – und der (wie so oft) von Kritiker*innen gern übersehen wird. Helen hat einen Freund, den spärlich bekleideten Football-Spieler Wreck (Simon Burr), der so unschuldig mit seiner Männlichkeit umgeht – und sie so unbekümmert annimmt –, während die anderen Kerle sich in ihren Ängsten und Spannungen verheddern. Seine Nummer „Pass the Football“ ist tatsächlich der wenig gewürdigte Wendepunkt der Show: Ab diesem Moment beginnen sich die Dinge zugunsten der Mädchen zu drehen. Es ist der Geist des „sich durchkämpfens“ durch alle Schwierigkeiten, der ihnen überhaupt erst die Kraft gibt, weiterzugehen und die Probleme zu überwinden, die das Leben in der Stadt bereithält. Klugerweise ist Wrecks Funktion eher symbolisch als direkt handlungsbestimmend: Ruth und Eileen machen ihre Entdeckungen selbst, doch die bevorstehenden Veränderungen werden von diesem Proto-„New Man“ angekündigt, der ungerührt in einer von zwei alleinstehenden Frauen bewohnten Wohnung herumhängt – nichts als Unterhemd und Shorts tragend – und zufrieden die Falten in ihren Kleidern bügelt. Ein weiterer Vertreter dieses Typs taucht im zweiten Akt auf: die wunderbare Truppe irischer Taxifahrer, unter denen sich Jack Keanes Lonigan als besonders attraktives Exemplar erweist.

Wir haben bereits festgestellt, wie leicht und scheinbar folgenlos die Handlung ist, und beobachtet, dass sie im Grunde nur dazu dient, von einer interessanten Idee zur nächsten zu gelangen – und dass es die Ideen selbst sind, die diese Unterhaltung auf ungewöhnliches Neuland heben. So versiegt etwa im Zentrum des ersten Akts für eine ganze Weile der Nachschub an Songs, und wir verbringen lange Zeit damit, die Figuren wirklich kennenzulernen. Wir erkennen, wie ähnlich sie uns sind – trotz der zeitlichen und örtlichen Distanz; wir werden dazu geführt, selbst zu entdecken, wie viel wir mit ihrer Psyche, ihren Motiven, ihren Gefühlen und Hoffnungen gemeinsam haben. Nach und nach schlagen die Schwestern aus Ohio stärker ihren eigenen Weg ein und nehmen alles mit intelligenter Gelassenheit und Witz. Als Ruth schließlich etwas gelingt, kann sie eine Gefühlswelle nicht zurückhalten: Baker, der ihr einen Gefallen getan hat und in unseren Augen gewachsen ist, fragt: „Ist irgendwas?“ Ruth antwortet: „Nein. Ich habe nur eine Allergie … gegen gute Nachrichten.“

Dieselbe Leichtigkeit durchzieht das witzige, beschwingte Buch und hält uns ganz auf der Seite der Mädchen aus dem Mittleren Westen, denen wir den letztlichen Erfolg von Herzen wünschen. Der Text ist sehr urban, kultiviert und High-Comedy – und das stellt auch Anforderungen an Vortrag, Timing, Phrasierung, den Einsatz von Gestik und Bewegung und so weiter. Das Repertoire-Theater im Ye Olde Rose and Crowne hat sich jedoch die wunderbare Aufgabe gestellt, ein Ort zu sein, an dem jüngere oder weniger erfahrene Talente in anspruchsvollem Repertoire ihr Handwerk schärfen können. Und all dieser Lebendigkeit körperlichen Ausdruck zu geben, ist das Verdienst der großartigen Choreografie des neu in der Stadt angekommenen Ian Pyle. In Durham ausgebildet, gibt Pyle jeder Nummer einen klaren Charakter, eine eigene Optik und Haltung: In seinen Händen haben die großen Set-Pieces – besonders – selten besser ausgesehen. Vor allem „Swing“ (mit einer Art proto-gesprochener Performance-Art) und das überschäumende „The Wrong-Note Rag“ in der zweiten Hälfte bleiben einem mit ihrem atemberaubenden Nervenkitzel noch lange im Gedächtnis, nachdem man das Theater verlassen hat.

Und all das bekommt man schon mit einer Tube-Fahrt nach Walthamstow und einem moderat bepreisten Ticket. Deshalb muss man es in diesen mitunter ziemlich trüben Zeiten sagen: London ist – genau wie New York in dieser Geschichte von Menschen vom Land in der großen Stadt – eine wunderbare Stadt.

Bis 22. Oktober

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