RESEÑA: Wonderful Town, Teatro del Pub Ye Olde Rose and Crowne ✭✭✭✭

Wonderful Town

Ye Olde Rose And Crowne Pub Theatre

14 de octubre de 2016

Cuando Tim McArthur y Aaron Clingham pusieron en marcha este pub theatre hace ocho años, me pregunto cuánta gente se dio cuenta de que pronto se convertiría en uno de esos sitios imprescindibles para descubrir nuevos talentos, ver estupendos espectáculos que rara vez pasan por el circuito habitual y, en definitiva, vivir una experiencia teatral espléndida. Pues bien, lo han vuelto a conseguir con esta producción, tan estimulante como fascinante, del «hermano» de 1953 de 'On The Town', y anoche el aforo completo se reunió para ver el resultado.

McArthur, que dirige aquí junto al brillante y relativamente recién llegado como ayudante (y bien conocido intérprete de este teatro), Jamie Birkett, abre el espacio escénico hasta convertirlo en un cuadrilátero de pensión, con público en tres lados. Las normas de licencias hacen que puedas tener o una orquesta completa para este espectáculo o hacerlo con un solo piano: en este recinto íntimo no hay sitio para la banda al completo, así que tenemos a Clingham a un lado con un modesto piano vertical. Esto, a su vez, condiciona otras decisiones de producción: con la consistencia y la coherencia por las que el teatro se ha hecho conocido, el diseño adopta ese principio depurado y a pequeña escala, y nos ofrece un espacio casi vacío, elevado en algunos puntos con tarimas recortadas que recuerdan los contornos rectilíneos de la ciudad de Nueva York; la pared del fondo está empapelada con un collage de recortes de prensa —toda la historia va de gente de los periódicos, que quiere escribir en ellos o que escriban sobre ella— y el papel de periódico se cuela también en el atrezzo, en el único marco de ventana.

El reparto, sin embargo, luce un vestuario magníficamente coordinado que refleja los tonos monocromos de la fotografía en blanco y negro o los sepias de las imágenes impresas, salpicados de vez en cuando por un destello rojo intenso, como de cabecera. Es un aspecto delicioso ideado por Ben Hathaway, y todo está iluminado con una sencillez muy medida por Sky Bembury. Hay múltiples cambios de localización, pero la luz —ya sea natural o ambiental— siempre parece pertenecer a ese lugar de un modo profundamente realista, salvo por un último instante de romanticismo que te dejará sin aliento. El estilo interpretativo, sin embargo, es mucho más complejo.

La forma de actuar del espectáculo es el resultado de las muchas influencias creativas que se entretejen en su tejido. Los relatos cortos autobiográficos originales de Ruth McKenney aparecieron en The New Yorker a finales de los años treinta. Después se adaptaron a una obra de teatro, 'My Sister Eileen', de Joseph Fields y Jerome Chodorov, en 1940: el equipo volvió a adaptar su versión para el libreto del musical, donde las cosas se complicaron aún más con la llegada del compositor, Leonard Bernstein, y de sus dos letristas, Betty Comden y Adolph Green. Hoy, sin embargo, la mayoría de la gente, si lo conoce, recuerda sobre todo la película posterior de 1955, basada en la obra original, que a su vez también había sido llevada al cine una década antes.

Esto es muy Nueva York: un constante hervidero de influencias y de caminos que se cruzan, con los personajes comprimidos en el espacio más reducido posible —gran parte en un apartamento subterráneo y angosto, sacudido intermitentemente por estruendos del tamaño de un terremoto cuando pasan los trenes elevados—, y chocando entre sí de maneras sorprendentemente creativas. Y eso, en realidad, mucho más que la historia, finísima como una oblea, es de lo que va el espectáculo, y es lo que esta producción nos ofrece con creces.

Lizzie Wofford encarna la principal voz «autorial» del espectáculo, Ruth: una mujer inteligente, con talento y ambiciosa que llega en 1935 a la capital económica, cultural y social de las Américas junto a su hermana Eileen, la encantadora Francesca Benton-Stage. Pasada la emoción inicial, se enfrentan a un desfile de desafíos, muchos impregnados de un sexismo a la antigua, de la mano de los admiradores Baker (Aneurin Pasco), Frank (Hugo Joss Catton) y Chick Clark (Ashley Holman), un estrafalario restaurador italiano (Joe Goldie), el seductor Valentin (Jon R Harrison), la prostituta local cuya vivienda han heredado —junto con las visitas de su clientela anterior—, Violet (Leah Pinney), y su casero aspirante a artista en Greenwich Village, Appopolous (Nik Chiappetta). Hay poco apoyo por parte de su amiga Helen (Francesca Pim) y su aterradora madre, la Sra. Wade (Laurel Dougall), ni de las interrupciones del Delivery Kid de Kitty Whitelaw (con unos impresionantes high-kicks al estilo Charlotte Greenwood), o de las intérpretes del ensemble Lucie Horsfall y Anna Middlemass.

A mitad del primer acto, las cosas parecen un poco desanimadas: una «cena» de traje resulta un desastre y las chicas se vienen abajo. Pero entonces nos damos cuenta de que, en efecto, está pasando algo extraño: hay otro factor en la mezcla, uno al que apenas habíamos prestado atención y que parecía no tener ningún efecto (y, de hecho, a menudo pasa desapercibido para la crítica). Helen se ha echado novio: el futbolista Wreck (Simon Burr), ligeramente vestido, tan inocente respecto a su masculinidad —y tan despreocupadamente conforme con ella— como los demás están enredados en ansiedades y tensiones. Su número, 'Pass the Football', es —en realidad— el punto de inflexión poco reconocido del espectáculo, a partir del cual las cosas empiezan a volverse a favor de las chicas. Es el espíritu de «luchar y seguir adelante» ante las dificultades lo que les da los recursos para avanzar y superar los problemas que la vida en la ciudad les pone por delante. Con inteligencia, la función de Wreck es simbólica, más que directamente influyente: Ruth y Eileen hacen sus propios descubrimientos por sí mismas, pero los cambios que se avecinan quedan señalados por este prototipo de «hombre nuevo», que merodea imperturbable por el apartamento de dos mujeres solteras, vestido únicamente con camiseta de tirantes y pantalón corto, planchando tan contento las tablas de sus vestidos. Otro ejemplar de este tipo aparece en el segundo acto, con el estupendo conjunto de taxistas irlandeses, entre los cuales el Lonigan de Jack Keane resulta ser un representante especialmente atractivo.

Ya hemos señalado lo ligero y aparentemente intrascendente que es el argumento, y hemos observado que no es más que un medio para ir de una idea interesante a la siguiente; y son las ideas en sí las que elevan este entretenimiento a un terreno nuevo y poco habitual. Por ejemplo, en el centro del Acto 1, el caudal de canciones se seca durante un buen rato y pasamos mucho tiempo conociendo bien a los personajes. Reconocemos hasta qué punto se parecen a nosotros, pese a la distancia en el tiempo y el lugar; se nos conduce a descubrir por nosotros mismos cuánto compartimos con su psicología, sus motivaciones, sus sentimientos y esperanzas. Poco a poco, las hermanas de Ohio se afirman más, aceptándolo todo con una gracia e inteligencia llenas de humor. Cuando por fin a Ruth le sale bien algo, no puede contener una liberación emocional: Baker, que le ha hecho un favor y que a nuestros ojos se ha fortalecido y ha crecido, pregunta: «¿Pasa algo?». Ruth responde: «No. Es que tengo alergia... a las buenas noticias».

Ese mismo toque ligero impregna el guion ingenioso y vibrante y hace que nos pongamos plenamente de parte de estas chicas del Medio Oeste, deseando que lleguen al éxito final. El texto es muy urbano, culto y de alta comedia: esto también plantea retos en cuanto a la dicción, el tempo, el fraseo, el uso del gesto y el movimiento, y demás. El teatro de repertorio de Ye Olde Rose and Crowne, sin embargo, se ha propuesto la estupenda tarea de ser un lugar donde el talento más joven o con menos experiencia pueda afinar sus habilidades y su oficio en un repertorio exigente. Y dar expresión física a toda esa vitalidad es cosa de la maravillosa coreografía del propio recién llegado a la ciudad, Ian Pyle. Formado en Durham, Pyle hace que cada número esté fuertemente caracterizado, con su propio aspecto y manera: en sus manos, las grandes escenas de lucimiento, en particular, nunca han tenido mejor pinta; 'Swing' (que incluye una especie de proto performance de spoken word) y el exuberante 'The Wrong-Note Rag', especialmente en la segunda mitad, se te quedarán grabados por su emoción electrizante mucho después de haber salido del teatro.

Y todo esto está al alcance con un trayecto en Tube hasta Walthamstow y una entrada a un precio muy razonable. Así que, hay que decirlo, en estos días a veces bastante sombríos, conviene recordarnos que Londres, igual que Nueva York en este relato de gente de provincias en la gran ciudad, es una ciudad maravillosa.

Hasta el 22 de octubre

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