レビュー：ワンダフル・タウン、イェ・オウルド・ローズ・アンド・クラウン・パブ・シアター ✭✭✭✭

ワンダフル・タウン

Ye Olde Rose And Crowne Pub Theatre（イェ・オールド・ローズ・アンド・クラウン・パブ・シアター）

2016年10月14日

ティム・マッカーサーとアーロン・クリンガムがこのパブ・シアターを立ち上げて8年。当時、ここがあっという間に「新しい才能を発見したいならまずここ」、そして通常の巡回ルートではなかなか観られない上質な作品に出会え、しかも最高の観劇体験ができる場所のひとつになると、いったい何人が予想していたでしょうか。ところが彼らは今回もやってのけました。『オン・ザ・タウン』の“その後”として1953年に生まれた本作を、息をのむほど瑞々しく、魅力的に立ち上げたのです。昨夜は満員の客席が、その成果を確かめに集まりました。

演出はマッカーサー。アシスタントには、見事な手腕を見せる新鋭（この劇場ではおなじみの実力派俳優でもある）ジェイミー・バーカットを迎え、客席を三方に配した“寄宿舎の中庭”のような正方形のプレイングスペースへと空間を開きます。上演許可の条件上、この作品はフル・オーケストラでやるか、ピアノ1台でやるかのどちらか。しかしこの親密な会場ではフル・バンドを入れる余地がないため、クリンガムが脇に控え、控えめなアップライトピアノで支えます。すると当然、他の制作判断にも影響が出るわけで——この劇場が定評を得てきた一貫性と統一感のもと、デザインも同じく「削ぎ落とし」「縮尺を小さく」という原則を徹底し、ほとんど何もない空間を提示します。ところどころに切り抜かれた平台は、ニューヨークの直線的な輪郭を思わせる造形。背面の壁には新聞の切り抜きコラージュがびっしり——物語そのものが「新聞に関わる人々」、つまり新聞に書きたい／書かれたい人々についてであり、そのテーマが小道具や、たったひとつの窓枠にまで“新聞紙”として染み込んでいきます。

一方でキャストの衣裳は見事に統一され、モノクロ写真の階調やセピア調の印刷物を思わせる色味に、時おり新聞のマストヘッドの赤が鮮やかに差し込む。ベン・ハサウェイによる実に洒落たルックで、照明はスカイ・ベンベリーが簡潔で品のある手つきでまとめています。場面転換は多いのに、光の質——自然光であれ室内の明かりであれ——が常にその場所に“属している”と感じられるほど、深いリアリティを保ち続けるのです。ただし最後の最後、ロマンティックなひと刷けのような照明だけは別格で、思わず息を呑むはず。もっとも、芝居のスタイルはさらに複雑です。

この作品の演技の手触りは、作品を織り上げる複数の創作的影響の重なりそのもの。ルース・マッケニーによる自伝的短編は1930年代後半に『ニューヨーカー』誌に掲載され、1940年にはジョセフ・フィールズとジェローム・チョドロフが戯曲『マイ・シスター・アイリーン』へと翻案。さらに同じ二人がミュージカル版の脚本へと展開させ、そこへ作曲家レナード・バーンスタイン、作詞のベティ・コムデン＆アドルフ・グリーンという強力な布陣が加わって、構造はいっそう込み入っていきます。もっとも現在では、全体像を知っている人でも、記憶に残っているのは1955年の映画版という場合が多いでしょう。なおその映画は、原作戯曲に基づいており、その戯曲自体もさらに10年前に映画化されているのです。

とにかく、これは徹底的にニューヨーク的。常に騒々しく渦巻く影響と偶然の交差があり、役者たちは可能な限り狭い空間にぎゅうぎゅうに詰め込まれる——その多くは、通過する高架鉄道（EL）の地震のような轟音にときおり揺さぶられる、薄暗い半地下アパートの中。そしてそこで互いに火花を散らし、驚くほど創造的な反応を起こしていきます。実のところ、このショーの核は、紙のように薄い筋立て以上に、まさにその点にあります。そしてこのプロダクションは、それを堂々と、気持ちよく提示してくれるのです。

物語の中心となる“書き手”の声＝ルースを演じるのはリジー・ウォフォード。聡明で才能があり、野心に満ちた女性で、1935年、妹アイリーン（愛らしいフランチェスカ・ベントン＝ステージ）とともに、アメリカ大陸の経済・文化・社会の中心へと乗り込んできます。最初の高揚が過ぎると、二人を待ち受けるのは次々と押し寄せる難題。しかもその多くに、時代が色濃く反映された性差別が混じるのだからたまりません。求愛してくるベイカー（アニュリン・パスコ）、フランク（ヒューゴ・ジョス・キャットン）、チック・クラーク（アシュリー・ホルマン）、風変わりなイタリア人レストラン経営者（ジョー・ゴールディ）、口のうまいヴァレンティン（ジョン・R・ハリソン）。さらに、彼女たちが受け継いだ部屋の元住人である地元の娼婦ヴァイオレット（リア・ピニー）と、彼女の以前の“お客”たちの来訪。グリニッジ・ヴィレッジの“芸術家気取り”の大家アポポロウス（ニック・キアペッタ）も絡んできます。女友達ヘレン（フランチェスカ・ピム）は頼りにならず、恐ろしい母親のウェイド夫人（ローレル・ダグラス）も強烈。キティ・ホワイトロー演じる配達少年の乱入（シャーロット・グリーンウッド風の豪快なハイキック付き）や、アンサンブルのルーシー・ホースフォール、アンナ・ミドルマスも、舞台に活気を注ぎ込みます。

第1幕の中盤、少し元気がしぼむ瞬間があります。持ち寄りの“ディナー・パーティー”は大失敗し、姉妹も意気消沈。ところがその後、私たちは気づくのです——実は、もうひとつの要素が混ざっていたのだと。しかも、最初はほとんど影響を持たないように見える要素（そして実際、批評でも見落とされがち）です。ヘレンが恋人を作ったのです。薄着のフットボール選手レック（サイモン・バー）で、彼は自分の男らしさに無自覚で、しかもそれを当たり前のものとして無造作に受け入れている。ほかの男たちが不安や緊張であれこれ拗らせているのとは対照的です。彼のナンバー「Pass the Football」は、実は作品の“語られにくい転換点”で、ここを境に物事が少しずつ姉妹に味方し始めます。どんな困難も「踏ん張って乗り越える」精神こそが、都会の生活が投げかけてくる問題を切り開く力になるのだと、作品は語っている。巧いのは、レックの役割が直接的な因果ではなく象徴として機能する点です。ルースとアイリーンは自分自身で発見を積み重ねる。しかし変化の到来は、この“ニュー・マンの萌芽”によって告げられる——独身女性二人が住むアパートに平然と入り浸り、タンクトップと短パン姿のまま、彼女たちのドレスのプリーツにアイロンをかけて満足げにしている男。第2幕でも同種の存在が現れ、素晴らしいアイリッシュのタクシー運転手たちの一団のなかで、ジャック・キーン演じるロニガンがとりわけ魅力的な代表格となります。

筋立てが軽く、一見すると取るに足らないことはすでに触れました。そしてそれが、面白いアイデアから次のアイデアへ進むための“道”にすぎないことも。作品をひと味違う領域へ押し上げているのは、まさにそのアイデアそのものです。たとえば第1幕の中央では、しばらく歌が途切れ、私たちは長い時間をかけて登場人物を深く知ることになる。時代も場所も離れているのに、彼らが驚くほど自分たちに似ていると気づきます。心理、動機、感情、希望——どれほど共通点があるかを、観客自身の発見として導かれていくのです。やがてオハイオから来た姉妹は、知的な優雅さと機知をもって、より主体的に道を切り開いていく。ついにルースにひとつ良いことが起きたとき、彼女は感情の放出を抑えられません。彼女に親切をして、私たちの目にも成長して見えるベイカーが「何かあった？」と尋ねると、ルースはこう返すのです。「ううん。ただ……いい知らせに、アレルギーがあるの。」

こうした軽やかさが、機知に富んで弾むような台本全体に行き渡り、私たちは中西部から来た彼女たちに肩入れし、最後の成功まで応援したくなる。台本は非常に都会的で教養があり、洗練されたハイ・コメディ。その分、台詞回し、間、言い回し、身振りや動きの扱いなど、表現面のハードルも上がります。とはいえYe Olde Rose and Crowneのレパートリー・シアターは、若手や経験の浅い才能が、要求度の高いレパートリーで技術と芸を磨ける場であろうという素晴らしい使命を自らに課しています。そして、その生き生きとした躍動に身体性を与えるのが、今回“新しく街にやって来た”存在でもあるイアン・パイルの見事な振付。ダラムで腕を磨いたパイルは、各ナンバーにくっきりとした性格と、固有のルック＆マナーを与えます。特に大きな見せ場は、彼の手でこれまでになく映える。「Swing」（プロト的なスポークンワード／パフォーマンス・アートを含む）と、熱気あふれる「The Wrong-Note Rag」は、とりわけ後半で背筋が震えるほどの興奮を残し、劇場を出たあとも長く記憶に残るでしょう。

しかも、ウォルサムストウまで地下鉄でひとっ走り、手頃なチケット代でこれだけのものが観られるのです。だからこそ、時にどこか沈みがちな今のような日々には、思い出したい。大都会に出てきた田舎者たちを描くこの物語のニューヨークと同じように、ロンドンだって——やっぱり——素晴らしい街なのだと。

10月22日まで

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