CRITIQUE : Wonderful Town, Ye Olde Rose and Crowne Pub Théâtre ✭✭✭✭

Wonderful Town

Ye Olde Rose And Crowne Pub Theatre

14 octobre 2016

Lorsque Tim McArthur et Aaron Clingham ont lancé ce théâtre de pub il y a huit ans, je me demande combien de personnes ont réalisé qu'il deviendrait rapidement un des lieux incontournables pour découvrir de nouveaux talents prometteurs, des spectacles formidables qui sont rarement vus sur le circuit habituel et vivre une expérience splendide au théâtre. Eh bien, ils ont encore une fois réussi avec cette production fraîche et fascinante de la suite de 1953 d'« On The Town », et hier soir, une foule nombreuse s'est rassemblée pour voir le résultat.

McArthur, ici à la mise en scène avec le brillant nouveau venu relatif au rôle d'assistant (et bien connu en tant que interprète dans ce théâtre), Jamie Birkett, ouvre l'espace de jeu en une place carrée, avec des sièges sur trois côtés. Les règles de licence signifient que vous pouvez avoir soit un orchestre complet pour ce spectacle, soit le faire avec un seul piano : il n'y a pas de place dans ce lieu intime pour tout l'orchestre, donc nous avons Clingham sur le côté avec un modeste piano droit. Cela informe d'autres décisions de production : avec la cohérence et la cohésion pour lesquelles le théâtre est devenu renommé, le design reprend ensuite ce principe dépouillé et réduit, et nous donne un espace presque vide, élevé à certains endroits avec des estrades découpées ressemblant aux contours rectilinéaires de New York City; le mur du fond est recouvert d'un collage de fragments de journaux - toute l'histoire concerne des personnes du milieu journalistique, voulant écrire ou être écrites dans les journaux - et l'impression sur papier se retrouve jusque dans les accessoires, le cadre de fenêtre unique.

Cependant, la distribution bénéficie de costumes magnifiquement coordonnés reflétant les teintes monochromes de la photographie en noir et blanc ou les tons sépia de l'imagerie imprimée, agrémentés d'un éclat rouge vif occasionnel. C'est un look délicieux conçu par Ben Hathaway, et tout est éclairé avec une discrétion simple par Sky Bembury. Il y a de nombreux changements de localisation, mais l'illumination - qu'elle soit naturelle ou ambiante - semble toujours appartenir à ce cadre de manière profondément réaliste, sauf pour une dernière touche romantique qui vous coupera le souffle. Le style de performance, cependant, est beaucoup plus complexe.

Le style d'actuation du spectacle est le résultat des nombreuses influences créatives qui se rassemblent pour former sa structure. Les histoires courtes autobiographiques originales de Ruth McKenney sont parues dans The New Yorker à la fin des années 1930. Celles-ci ont ensuite été adaptées en une pièce, 'My Sister Eileen', par Joseph Fields et Jerome Chodorov, en 1940 : l'équipe de dramaturges a ensuite adapté leur version de l'œuvre pour le livre de la comédie musicale, où les choses se sont encore compliquées avec l'arrivée du compositeur de la comédie musicale, Leonard Bernstein, et de ses deux paroliers, Betty Comden et Adolph Green. La plupart des gens aujourd'hui, cependant, si tant est qu'ils le sachent, se souviennent du film de 1955, qui était basé sur la pièce originale, qui elle-même avait été filmée une décennie auparavant.

C'est très New Yorkais. Un tourbillon constant d'influences et de chemins croisés, avec les acteurs entassés dans l'espace le plus petit possible - une grande partie dans un appartement au sous-sol exigu secoué par intermittence par des grondements de train passant de taille sismique, et s'épanouissant les uns avec les autres de manière créative et surprenante. Et c'est vraiment, bien plus que l'intrigue mince comme du papier à cigarettes, de cela qu'il s'agit dans le spectacle, et c'est ce que cette production nous offre généreusement.

Lizzie Wofford joue la voix 'auteur' principale dans le spectacle, Ruth : une femme intelligente, talentueuse et ambitieuse, arrivée en 1935 dans la capitale économique, culturelle et sociale des Amériques avec sa sœur Eileen, la charmante Francesca Benton-Stage. Une fois que le frisson initial est passé, elles rencontrent une parade de défis, dont beaucoup sont empreints de sexisme démodé, de la part des admirateurs Baker (Aneurin Pasco), Frank (Hugo Joss Catton), et Chick Clark (Ashley Holman), d'un restaurateur italien fou (Joe Goldie), du charmeur Valentin (Jon R Harrison), de la prostituée locale dont elles ont hérité de l'appartement - avec les visites de sa clientèle précédente - Violet (Leah Pinney), et leur propriétaire artiste potentiel à Greenwich Village, Appopolous (Nik Chiappetta). Il y a peu de soutien de la part de la petite amie Helen (Francesca Pim) et de sa mère terrifiante, Madame Wade (Laurel Dougall), ou des interruptions par le Kid de livraison de Kitty Whitelaw (complété par des coups de pied élevés à la Charlotte Greenwood impressionnants), ou des acteurs de l'ensemble Lucie Horsfall et Anna Middlemass.

À mi-chemin du premier acte, les choses semblent un peu découragées : un 'dîner à la fortune du pot' est un désastre, et les filles se découragent. Mais ensuite, nous réalisons qu'effectivement quelque chose d'étrange se passe : il y a un autre facteur dans le mélange, un que nous avons à peine remarqué allait avoir un quelconque effet (et qui en effet est souvent négligé par les critiques). Helen a acquis un petit ami, le footballeur légèrement vêtu Wreck (Simon Burr), qui est aussi innocent de sa masculinité, et aussi insouciamment acceptant de celle-ci, que les autres gars sont empêtrés dans des nœuds d'anxiétés et de tensions. Son numéro, 'Pass the Football', est - en fait - le point tournant méconnu du spectacle, à partir duquel les choses commencent à tourner en faveur des filles. C'est l'esprit de 'batailler à travers' toutes les difficultés qui leur permet en réalité d'aller de l'avant et de surmonter les problèmes que la vie en ville leur jette. Astucieusement, la fonction de Wreck est symbolique, plutôt que directement influente : Ruth et Eileen font leurs propres découvertes, mais les changements à venir sont signalés par cet homme proto-nouveau, qui traîne imperturbablement dans un appartement habité par une paire de femmes célibataires, portant seulement un maillot et un short, repassant tranquillement les plis de leurs robes. Un autre de ce type surgit dans le deuxième acte, avec l'assemblage merveilleux de chauffeurs de taxi irlandais, dont le Lonigan de Jack Keane s'avère être un représentant particulièrement attractif.

Nous avons déjà noté combien le complot est léger et apparemment sans importance, et nous avons observé à quel point il s'agit simplement d'une façon de passer d'une idée intéressante à la suivante, et ce sont les idées elles-mêmes qui élèvent ce divertissement dans une nouvelle dimension inhabituelle. Par exemple, au centre de l'acte 1, l'approvisionnement en chansons s'assèche pendant un certain temps, et nous passons un long moment à bien connaître les personnages. Nous reconnaissons à quel point ils nous ressemblent, malgré leur éloignement dans le temps et l'espace; nous découvrons par nous-mêmes combien nous avons en commun avec leurs psychés, leurs motivations, leurs sentiments et espoirs. Peu à peu, les sœurs de l'Ohio prennent leur indépendance, acceptant tout avec une grâce et un esprit intelligents. Lorsque Ruth parvient enfin à quelque chose de positif, elle ne peut s'empêcher de libérer ses émotions : Baker, qui lui a fait une bonne action, et qui à nos yeux a été renforcé et a grandi, demande, 'Y a-t-il un problème ?' Ruth répond, 'Non. J'ai juste une allergie... aux bonnes nouvelles.'

Cette même légèreté imprègne le script vif et joyeux et nous maintient totalement aux côtés des Mid-Westerners, les soutenant jusqu'au succès ultime. Le script est très urbain, cultivé et de haute comédie : cela présente également des défis, en termes de livraison, de timing, de phrasé, de l'utilisation du geste et du mouvement, et ainsi de suite. Le théâtre de répertoire de Ye Olde Rose and Crowne, cependant, s'est donné pour merveilleuse tâche d'être un lieu où les talents plus jeunes ou moins expérimentés peuvent peaufiner leurs compétences et leur art dans un répertoire exigeant. Et donner une expression physique à toute cette vivacité est la merveilleuse chorégraphie d'une nouvelle arrivée en ville elle-même, Ian Pyle. Ayant appris son métier à Durham, Pyle rend chaque numéro fortement caractérisé, avec son propre style et manière : entre ses mains, les grands morceaux de bravoure, en particulier, n'ont jamais été aussi beaux : 'Swing' (qui inclut une forme de proto-performance artistique parlée) et l'effusion 'The Wrong-Note Rag', en particulier, dans la seconde moitié resteront avec vous longtemps après que vous ayez quitté le théâtre avec leur excitation à vous donner des frissons.

Et tout cela peut être obtenu simplement avec un trajet en métro vers Walthamstow et un billet à prix modeste. Donc, il faut le dire, dans ces jours parfois plutôt sombres, nous devons nous rappeler que Londres, tout comme à New York dans cette histoire de gens de la campagne dans la grande ville, est une ville merveilleuse.

Jusqu'au 22 octobre

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