REZENSION: Das Testament der Maria ✭

Das Testament der Maria

Barbican Theatre

20. Mai 2014

1 Stern

Eines der großen Rätsel, einer der drängendsten Imperative unserer Zeit, eines der meistdiskutierten und kontroversesten Themen des modernen Lebens wird in Deborah Warners Inszenierung von Das Testament der Maria, derzeit im Barbican Theatre zu sehen, gelöst, offengelegt und erhellt.

Fiona Shaw rasiert sich sämtliche Schamhaare.

Nun ja, zumindest tut sie das für diese Produktion – eine „One-Woman-Show“, entstanden aus der Zusammenarbeit von Shaw und Warner, mit einem Text von Colm Tóibín.

Ich erwähne das, weil diese Enthüllung – erstaunlicherweise – tatsächlich die einzige ist, die diese Inszenierung zu bieten hat.

Tóibín schrieb das Stück zunächst als Monolog, dann als Novelle (nominiert für den Booker Prize), und anschließend brachten Warner und Shaw ihre Zusammenarbeit an den Broadway – und von dort ins Barbican.

Tóibín schreibt mit Können und Fingerspitzengefühl; manche Passagen sind wunderbar eindringlich, beinahe magisch in ihrer Spannweite und Schönheit.

Der einfache Kniff: zentrale Stationen aus Christi Leben aus der Perspektive seiner Mutter zu erzählen – einer Frau, die wie so viele andere ihr Leben und ihr Glück für ihr Kind opferte. Natürlich ist es keine einfache Version; Tóibín durchzieht die Erzählung mit unerwarteten Ereignissen, Gedanken und Gefühlen und kommentiert so Glauben, Feminismus und moderne Obsessionen, während er zugleich Lazarus, die Kreuzigung, die Auferstehung und andere Grundpfeiler des Christentums verhandelt.

Als Hörspiel wäre das zweifellos wirkungsvoll. Tatsächlich liefert Warners Inszenierung das bestmögliche Argument dafür, Tóibíns Worte zu lesen oder schlicht zu hören; die Fantasie von Lesenden oder Zuhörenden kann relevantere, treffendere Möglichkeiten heraufbeschwören, als Warner es hier gelingt.

Der Abend beginnt damit, dass das Publikum auf die Bühne gebeten wird, wo man zwischen Requisiten und Möbelstücken umherschlendern kann. Dann betritt Ms Shaw die Bühne – mit einem riesigen Geier auf der Hand – und bewegt sich durch die Zuschauerinnen und Zuschauer. Das alles scheint die Idee des „Knochenauflesens“ anzudeuten; ein Gedanke, der dadurch verstärkt wird, dass der Geier verschwindet, sobald der Text einsetzt, und das erste Bild, wenn das Licht aufgeht, Ms Shaw zeigt, wie sie zwei trockene Knochen aus ihrem Gewand hervorzieht.

Ja, es ist wirklich so plump und unbeholfen, wie es klingt.

Im Programmheft sagt Warner:

"Wenn man Fiona fragt, wie es ist, allein auf der Bühne zu sein, antwortet sie, dass sie im Testament nicht wirklich allein ist. Abgesehen von ihrem gefiederten Freund vor der Vorstellung – dem Geier – wird sie von einer außergewöhnlichen Landschaft und Klanglandschaft getragen, die dem Traumraum, in dem sie spielt, Schichten von Präsenz und Leben verleihen. Aber ich glaube, wir würden beide sagen, dass es noch eine weitere Dynamik für dieses Gefühl von Gemeinschaft gibt."

Falls es Sie interessiert: Diese überraschende weitere Dynamik ist – das Publikum. Wer hätte gedacht, dass in einer Live-Theaterproduktion die Reaktion des Publikums eine bedeutende Rolle spielt?

Ja.

Ganz genau.

Jeder, der jemals in einem Stück gespielt oder eines inszeniert hat.

Doch zurück zu Warners „außergewöhnlicher Landschaft und Traumlandschaft“. Das ist das Durcheinander aus Requisiten und Möbeln, liebevoll von Tom Pye arrangiert – nichts davon trägt wirklich zur Erhellung des Textes bei, aber alles steht Shaws Spiel im Weg.

Was Warner tut, ist, das Publikum mit Tricks beeindrucken zu wollen – Kostümwechsel, ein Baum, der zugleich als Kreuz der Kreuzigung dient (und tatsächlich recht schön ist, wie er über dem Boden schwebt, verführerisch außerhalb der Reichweite dessen, was man erwartet), Leinwände, die hoch- und runterfahren, hin und her gleiten und von denen Licht reflektiert oder strahlt oder die Farbe wechselt, Stühle, ein Wasserbecken, in das die plötzlich nackte Shaw sich à la Taufe versenkt, ein Käfig für den abwesenden Geier, eine Leiter, ein Tisch und weiterer Krempel.

Das ist alles Ablenkung – als reiche die rohe Kraft des Werks nicht aus, um die Aufmerksamkeit des Publikums zu halten; als sei Shaw nicht in der Lage, einen ausverkauften Saal 80 Minuten lang zu fesseln. Warners überladenes, sinnloses Aufrüsten des Wortes lenkt nur davon ab, begrenzt es, schmälert es.

Shaw ist stellenweise magisch. Die Abschnitte über die Kreuzigung und die Auferstehung zeigen sie von ihrer besten Seite. Aber ohne den Warner-Unsinn wäre sie besser; daran gibt es keinen Zweifel.

In gewisser Weise ist ihre eindrucksvollste „Performance“ der Moment, wenn der Text vorbei ist, das Licht fällt und dann für den Applaus wieder angeht. Dort, in diesem Augenblick, vermittelt Shaw ein Gefühl völliger Erschöpfung; sie lässt einen glauben (nun ja, fast), dass noch nie jemand irgendwo auf einer Bühne so hart gearbeitet hat. Doch ihre Augen erzählen eine andere Geschichte – sie sind wach, suchend, verlangen nach Anerkennung. Faszinierend. So gezielte Manipulation.

Das ist ein gnadenloser und sinnloser Versuch, Größe zu konstruieren. Er scheitert auf jede nur denkbare und messbare Weise. Selbst diejenigen, die am Ende aufsprangen, waren während der Aufführung in einem Nebel aus kopfschüttelnder Unsicherheit verloren. Lustlose Unverständigkeit wurde zu pflichtschuldigem Beifall – schließlich hat der Guardian fünf Sterne vergeben. Und Shaw ist eine großartige Schauspielerin.

Es stimmt: Fiona Shaw kann Wunderbares leisten. Nur diesmal nicht.

Diesmal hat Deborah Warner den Kern erneut verfehlt und so gut wie alles zerstört, was an diesem Theaterabend von Wert war.

Ein fabelhaftes Mittel gegen Schlaflosigkeit.