RESEÑA: Bakersfield Mist, Teatro Duchess ✭✭✭

Bakersfield Mist

Duchess Theatre

25 de junio de 2014.

3 estrellas

Es, creo, relativamente poco controvertido que cualquier obra de arte, en cualquier forma, puede provocar reacciones distintas entre quienes la contemplan. La gente ve las cosas de manera diferente. De hecho, el único ejemplo de arte, en cualquier género —pintura, canto, interpretación, música instrumental, escritura, escultura, danza, performance, lo que sea— sobre el que parece haber acuerdo universal es la exquisita estatua de David de Miguel Ángel, una obra que te cambia la perspectiva del mundo, de la vida misma.

Dejando a David aparte, estas perspectivas distintas mantienen vivo el arte en todas sus formas. Los detractores pueden dar visibilidad a obras que, de otro modo, pasarían desapercibidas. O pueden destruirlas.

Muchos artistas nunca alcanzaron en vida el tipo de fama y adoración que disfrutan a título póstumo. En parte, quizá sobre todo, porque los expertos o críticos o líderes de su época no les gustaba, no entendía o no apreciaba su trabajo —y lo decía—. Y el público asentía.

Esta idea del poder, la relevancia y la eficacia de la opinión experta en asuntos artísticos, y las consecuencias de esa opinión para lo que está en juego, está en el corazón de Bakersfield Mist, de Stephen Sachs, que ahora se presenta en el Duchess Theatre, en su temporada de estreno en el Reino Unido, dirigida por Polly Teale.

Kathleen Turner interpreta a una viuda desempleada y casi sin un duro, Maude, que vive en un parque de caravanas en algún lugar de California y que ha pagado 3 dólares por un cuadro en una tienda de segunda mano. Cree que el destino le envió ese cuadro y que se trata de una obra maestra de Jackson Pollock, perdida o aún por descubrir.

Paga para que el entendido en arte fino de Ian McDiarmid, Lionel, inspeccione su hallazgo y reconozca su procedencia. Lionel es una criatura engreída, mojigata, altiva y arrogante del mundo del arte neoyorquino, famoso por haber sido despedido a raíz de la adquisición de una estatua griega que él consideraba arête, pero que su Junta creyó falsa y cara, pese a que siguen exhibiéndola a los visitantes de pago.

Lionel sencillamente no puede aceptar que un Pollock importante esté en un parque de caravanas de California. Evalúa el cuadro en lo que equivale a un parpadeo y dictamina que es falso. Pero Maude insiste y aporta pruebas iniciales bastante convincentes que apuntan a la mano de Pollock. Sin embargo, tras su examen experto y superficial, Lionel no se deja convencer.

Después de un tira y afloja entre ambos —incluida una pelea con un cuchillo de trinchar impresionante, un intento de seducción desangelado y algo de introspección—, Lionel huye, y el cuadro queda condenado a vivir como una falsificación, aunque sea una por la que un multimillonario extranjero está dispuesto a pagar 2 millones de dólares.

Pero Maude no vende: cree en el cuadro y, al cierre de la obra, cuando el sol empieza a ponerse fuera, vemos algo de la luz con la que ella ve su pintura.

¿Son los motivos de Maude para pensar que el cuadro es un Pollock auténtico más o menos persuasivos que la certeza absoluta de Lionel de que su juicio de experto es correcto? ¿Y importa? ¿Residen el poder y la belleza en la obra en sí o en quien la creó? ¿Se convierte el cuadro en uno al que se le atribuye importancia artística no por lo que es o por cómo afecta a quien lo contempla, sino por quién se dice que lo pintó? Sobre todo cuando ninguna de las dos partes puede estar segura más allá de toda duda razonable.

Son cuestiones importantes y fascinantes. Están en el núcleo del debate interminable sobre si William Shakespeare escribió o no todas las obras que se le atribuyen. Importan.

La obra de Sachs, sin embargo, no. Es demasiado larga, demasiado pesada y demasiado engreída. Hay, quizá, 40 minutos de buen material aquí; material que, sin el adorno de lo irrelevante, podría haber dado una experiencia teatral interesante.

Pero Sachs vuelca cubos de trasfondo sentimental sobre Maude y Lionel encima de la verdadera sustancia de la pieza, de modo que al público le queda el equivalente teatral de una gran fuente de pastel llena de salsa insípida en la que flotan dos albóndigas sabrosas. Los estadounidenses tienen una capacidad inagotable para el autoanálisis y la autojustificación verbales, pero no es ni necesario ni productivo que esa inclinación se consienta ni en Maude ni en Lionel; al menos no de forma tan exponencial y absorbente como ocurre aquí.

Como primera albóndiga, la Maude de Kathleen Turner es un bocado: deliciosa, picante, algo que saborear; áspera, pero hecha a mano con ingredientes de primera. Como un cruce entre Beatrice Arthur (otra Maude famosa) y Roseanne Barr, con un toque de Bea Smith de Val Lehman, la Maude vital y sabrosa de Turner es un placer de ver. Se lanza al papel con desparpajo y gusto, y su Maude es memorable y auténtica. Su voz ronca y áspera es perfecta para escupir y soltar tacos al estilo Maude, y su sentido de una fisicidad salvaje es absolutamente perfecto. La mente inquisitiva está siempre ahí, fatigada por la desesperación y los restos de su vida, pero capaz de sorprender —como en el momento Poirot de la huella dactilar y en el final de bravura del forcejeo con el cuchillo de trinchar.

Como segunda albóndiga, Ian McDiarmid no es de la misma calidad ni consistencia; está algo deshecho, mal montado (sabes que es una albóndiga porque no deja de decirte que lo es) y porque hay pequeños bocados de carne real en el personaje. Pero el efecto global está pasado e insípido. McDiarmid puede ser sorprendentemente bueno en el papel adecuado, pero este no lo es. “Actúa” demasiado y nunca hay sensación de que Lionel sea real o coherente. En parte es el texto, pero sobre todo es la interpretación.

En el programa hay una fotografía de McDiarmid en un ensayo y la expresión de su cara es una incomprensión desconcertada mezclada con indignación sobresaltada. El pie de foto sería: “¿Pero qué…?”. Y eso resume bastante bien su retrato. No está todo mal; es simplemente agridulce. El parlamento de McDiarmid sobre la gloria de Pollock y su manera de trabajar es maravilloso, al igual que su notable relato del descubrimiento de la estatua griega y el concepto de arête. Pero otros parlamentos sobre su propia vida y sus carencias pertenecen al culebrón y no encajan con su mejor trabajo.

Como chef principal, Polly Teale necesita volver a la cocina. Los ingredientes son buenos, pero el menú pide un recorte. Recorta la hinchada obra de Sachs y quizá emerja algo de verdadero valor.

Eso sí, la puesta en escena es sobresaliente: el diseño de Tom Piper es preciso y sombrío, creando con firmeza la vida y las circunstancias cutres de la caravana de Maude. Y la iluminación de Oliver Fenwick es una delicia en la escena final crucial.

Pero es el turno de Turner, y solo por eso ya merece la pena.

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