CRÍTICA: Bakersfield Mist, Teatro Duchess ✭✭✭

Bakersfield Mist

Duchess Theatre

25 de junho de 2014.

3 Estrelas

É, penso eu, relativamente pouco controverso dizer que qualquer obra de arte, em qualquer forma, pode suscitar reacções diferentes entre quem a contempla. As pessoas olham para as coisas de maneira diferente. De facto, o único exemplo de arte, em qualquer género — pintura, canto, interpretação, música instrumental, escrita, escultura, dança, performance, o que for — sobre o qual parece haver acordo universal é a requintada estátua de David, de Miguel Ângelo, uma obra que muda a nossa perspectiva do mundo, da própria vida.

Deixando David de lado, estas diferentes perspectivas mantêm viva a arte em todas as suas formas. Os detractores podem dar atenção a obras que, de outra forma, passariam despercebidas. Ou podem destruí-las.

Muitos artistas nunca alcançaram, em vida, o tipo de fama e adoração de que desfrutam depois de morrer. Em parte — talvez sobretudo — porque os especialistas, críticos ou figuras influentes do seu tempo não gostavam, não entendiam ou não apreciavam o seu trabalho — e diziam-no. E o público anuiu.

Esta ideia do poder, da relevância e da eficácia da opinião especializada em matéria artística — e das consequências dessa opinião para o que está em causa — está no centro de Bakersfield Mist, de Stephen Sachs, agora em cena no Duchess Theatre, na sua temporada de estreia no Reino Unido, com encenação de Polly Teale.

Kathleen Turner interpreta Maude, uma viúva desempregada e quase sem dinheiro, que vive num parque de caravanas algures na Califórnia e que pagou 3 dólares por um quadro numa loja de segunda mão. Ela acredita que o destino lhe enviou a pintura e que se trata de uma obra-prima de Jackson Pollock, perdida ou ainda por descobrir.

Ela paga a Lionel, o conhecedor de belas-artes de Ian McDiarmid, para inspeccionar a descoberta e reconhecer a sua proveniência. Lionel é uma criatura importantezinha, pedante, presunçosa e arrogante do mundo artístico de Nova Iorque, famosamente despedido por causa da aquisição de uma estátua grega que julgava ter arête, mas que o seu Conselho considerou falsa e cara — apesar de continuarem a exibir a estátua a clientes pagantes.

Lionel simplesmente não consegue conceber que um Pollock importante possa estar num parque de caravanas na Califórnia. Avalia o quadro no equivalente, em termos de exame, a um piscar de olhos e declara-o falso. Mas Maude insiste, apresentando alguma prova prima facie razoavelmente persuasiva que aponta para a mão de Pollock. Contudo, tendo feito a sua inspeção pericial superficial, Lionel não se deixa demover.

Após algum vai-e-vem entre os dois — incluindo uma luta com uma impressionante faca de trinchar, uma tentativa insossa de sedução e alguma introspecção — Lionel foge, e o quadro é condenado a uma vida como falsificação, ainda que uma para a qual um bilionário estrangeiro esteja disposto a pagar 2 milhões de dólares.

Mas Maude não vende — acredita no quadro e, no final da peça, quando o sol começa a pôr-se lá fora, vemos algo da luz em que ela vê a sua pintura.

As razões de Maude para achar que o quadro é um Pollock verdadeiro são mais ou menos persuasivas do que a certeza absoluta de Lionel de que a sua visão de connaisseur está correcta? E isso importa? O poder e a beleza estão na própria obra ou em quem quer que a tenha criado? O quadro torna-se uma obra à qual se atribui importância artística não por aquilo que é ou pelo modo como afecta quem a vê, mas por quem se diz que o pintou? Particularmente quando nenhum dos lados pode ter a certeza para lá de qualquer dúvida razoável.

Estas são questões importantes e fascinantes. Estão no centro do debate interminável sobre se William Shakespeare escreveu ou não todas as peças que lhe são atribuídas. Importam.

A peça de Sachs, porém, não. É longa demais, pesada demais e demasiado convencida. Há, talvez, 40 minutos de bom material aqui — material que, sem adornos de irrelevância, poderia ter resultado numa experiência teatral interessante.

Mas Sachs despeja baldes de história sentimental de fundo sobre Maude e Lionel por cima do verdadeiro cerne da peça, deixando o público com o equivalente teatral de uma travessa grande cheia de molho insípido, onde flutuam duas almôndegas saborosas. Os americanos têm, de facto, uma capacidade inesgotável para auto-análise e auto-justificação em voz alta, mas não é necessário nem produtivo que esse vício seja indulgido por Maude ou por Lionel — ou, pelo menos, de forma tão exponencial e absorvente como acontece aqui.

Como a primeira almôndega, a Maude de Kathleen Turner é uma bela dentada: deliciosa, picante, algo a saborear — áspera, mas feita à mão com ingredientes de primeira. Algo entre Beatrice Arthur (outra célebre Maude) e Roseanne Barr, com um soupçon de Bea Smith de Val Lehman, a Maude vital e sumarenta de Turner é um prazer de ver. Ataca o papel com molho e deleite, e a sua Maude é memorável e verdadeira. A sua voz áspera e grave é perfeita para os cuspes e palavrões à la Maude, e o seu sentido de fisicalidade quase feral é absolutamente perfeito. A mente inquisitiva está sempre lá, cansada do desespero e dos detritos da sua vida, mas capaz de surpresa — como no momento Poirot das impressões digitais e no desfecho de bravura da luta com a faca de trinchar.

Como a segunda almôndega, Ian McDiarmid não é prato da mesma qualidade ou consistência; está ligeiramente quebrado, mal montado (sabe-se que é uma almôndega porque não se cansa de o dizer) e porque há pequenos bocados de carne verdadeira na personagem. Mas o efeito global é demasiado cozinhado e sem sabor. McDiarmid pode ser surpreendentemente bom no papel certo, mas este não é. Ele “representa” demais e nunca há a sensação de que Lionel seja real ou consistente. Em parte é a escrita, mas sobretudo é a interpretação.

Há uma fotografia no programa de McDiarmid em ensaio e a expressão no seu rosto é de perplexidade divertida fundida com indignação sobressaltada. A legenda seria “WTF?”. E isso resume bastante bem o retrato que faz. Não é tudo mau; é apenas agridoce. O discurso de McDiarmid sobre a glória de Pollock e o modo como trabalhava é maravilhoso, tal como a sua notável evocação da descoberta da estátua grega e do conceito de arête. Mas outros discursos sobre a sua própria vida e insuficiências pertencem a uma novela e não encaixam no seu melhor trabalho.

Como chef principal, Polly Teale precisa de voltar à cozinha. Os ingredientes são bons, mas o menu precisa de ser aparado. Se se cortar a peça inflacionada de Sachs, pode ser que surja algo de verdadeiro valor.

Note-se, contudo, que a apresentação é excelente: o cenário de Tom Piper é preciso e sombrio, criando com firmeza a vida e as circunstâncias de Maude na sua caravana sem glamour. E as luzes de Oliver Fenwick são encantadoras na cena final crucial.

Mas é a vez de Turner — e só por isso já vale a pena.

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