RESEÑA: Garine, Teatro Arcola ✭✭✭✭

Gariné

Arcola Studio 1

14/08/15

4 estrellas

El festival anual Grimeborn Opera Festival no solo pretende ofrecer un escaparate para la ópera contemporánea y nuevas versiones del repertorio establecido, sino también poner el foco en obras que fueron populares en su día y hoy han caído en el olvido. Gariné es una de ellas, y un rara avis por varios motivos. Es una opereta larga de cinco actos de la década de 1870 y, por tanto, contemporánea de Carmen (a la que se hace una ingeniosa alusión en un momento de la velada); pero ahí terminan las similitudes superficiales. El compositor era armenio, Dikran Tchouhadjian, hijo del relojero del sultán, y por ello formaba parte del mundo cosmopolita del Estambul de mediados del siglo XIX, protegido de la persecución creciente contra sus compatriotas. Recibió una excelente educación musical en Milán antes de escribir una serie de operetas exitosas y óperas históricas menos afortunadas que le valieron los apodos de «el Offenbach oriental» y «el Verdi armenio». Su mayor triunfo llegó con Gariné, entonces bajo su título original, más prosaico, El vendedor de garbanzos, que se representó ampliamente por Europa durante varias décadas.

Lo que escuchamos en el Arcola difería en aspectos importantes del original. Fue una representación semiescenificada y, por tanto, se recortó una buena parte del material original. En lugar de orquesta, hubo un piano de cola, tocado con admirable delicadeza y brío por Kelvin Thomson. Así que es imposible comentar directamente las grandes dotes que se atribuyen al compositor como orquestador. Gerald Papasian, director y motor de todo el proyecto, aportó un nuevo libreto y traducción. También interpoló resúmenes narrativos para dar continuidad a una trama muy enmendada.

En lo musical, la obra tiene mucho encanto, aunque, si la hubiera escuchado a ciegas, habría sospechado más la influencia de Rossini y de Gilbert y Sullivan que la de Offenbach y Verdi. Largas secuencias de coros en tempo de vals o cuadrilla se interrumpen con arias que lucen las voces de los protagonistas en una música exigente, pero no virtuosística por el mero hecho de serlo. Las melodías tienen una dulzura y un deje folclórico que apuntan a una fuente armenia, pero los acompañamientos generan un vigor saltarín, arpegiado, con ocasionales excursiones armónicas por terrenos más atrevidos que sugieren lo atractivo y sofisticado que sonaría un telón de fondo orquestal para esta música. Por lo demás, no se percibe como una obra específicamente orientalista, al menos en lo sonoro: más bien una opereta muy competente dentro del estilo europeo dominante de la época. Quizá solo esté registrando mi propio condicionamiento cultural, pero por momentos Los piratas de Penzance no parecían estar lejos (y desde luego eso no es algo malo).

En lo dramático, la historia no es ni mejor ni peor que muchos inverosímiles enredos románticos del mundo de la opereta. La trama gira en torno a una compañía teatral cuyo director, Armen (Edward Saklatvala), acaba de perder a su primera cantante a manos de una compañía rival. Gariné (Danae Eleni) es ideal para salvar la situación, pero por desgracia su padre Hor Hor, el acaudalado vendedor de garbanzos (Leon Berger), se opone a que se suba al escenario. Hay muchos obstáculos que superar antes de que tanto la obra como la relación puedan salir adelante, no menos por toda una complicada serie de subtramas que sería tedioso resumir, salvo decir que brindan abundantes oportunidades para números de lucimiento con coreografía sensual, cambios de vestuario a toda velocidad, caídas cómicas, amenazas melodramáticas y los comentarios del coro de actores y bailarines, que aportan el corazón de la pieza.

Sin embargo, en dos aspectos se trata de un planteamiento distintivo y personal. La cuestión de si las mujeres debían actuar en el escenario o no fue una auténtica controversia en el teatro de la época del compositor, con consecuencias reales para quienes estaban en el centro del debate. Aquí hay un filo en la escritura musical y en el texto que, con razón, eleva la acción por encima de la comedia puramente de golpes. Además, se plantea un debate interesante sobre la jerarquía del teatro: ¿el valor está en el arte elevado, en el teatro callejero cercano al gusto popular, o en ambos? Al final, los cómicos y malabaristas de la calle exigen la misma consideración y rango en el teatro de Estambul, junto a las compañías formales. De nuevo, era un asunto que importaba a intérpretes y público de entonces, y tiene inquietantes pre-ecos del debate que aparece en el Prólogo de Ariadna en Naxos de Strauss y Hofmannsthal. La música y el teatro pueden ser «artes sagradas», pero ¿no tenemos todos derecho a un respiro?

Con tanto contenido apretujado en lo que, aun así, seguía siendo una velada larga, era inevitable que hubiera concesiones, y no todas en beneficio de la obra. Las intervenciones narrativas de Papasian, aunque necesarias para la claridad, se alargaron demasiado y se adornaron con un exceso de acción escénica que frenaba el avance. Gran parte de la interpretación básica, al margen de los números de conjunto de bravura, fue rígida y poco ensayada; y hubo longueurs en la segunda mitad, a medida que la trama se precipitaba hacia su desenlace mientras la lista de números musicales aún tenía bastante recorrido. Dicho esto, hubo muchos puntos fuertes incuestionables en la compañía y en la producción que conviene destacar. Vocalmente, el nivel fue muy alto en todo el elenco principal y el coro; y todos los números corales y de ballet, junto con los muchos momentos de elaborada comedia física, estuvieron bien coreografiados y a veces resultaron de verdad divertidos. Fue estupendo ver a todos mostrar tanta alegría y seguridad con este material tan poco habitual.

Para mí destacaron cuatro interpretaciones. La versión de Eleni del papel protagonista fue muy empática y técnicamente mucho más sólida que su Musetta de la semana pasada, con pasajes de agilidad delicados, un registro agudo superior muy seguro y solo un leve indicio de presión en las notas altas sostenidas. Además, actuó bien, pasando de la torpeza a la confianza de forma verosímil a lo largo de la velada. Como partenaire, Saklatvala cantó con excelente claridad sonora y dicción, pero se quedó corto en lo actoral; mientras que Leon Berger se lo pasó en grande interpretando al patriarca indignado e indignante, condescendiente, Hor Hor. En cierto modo, incluso en esta nueva versión, Hor Hor es el papel central y más interesante, combinando algo de Rigoletto, Osmin y Falstaff en su personalidad, y Berger transmitió todos esos elementos con detalle musical y trabajo de personaje. Mención especial para Katie Grosset en el papel de soprano joven protagonista, Shoushan: abordó su aria principal en la segunda mitad con auténtico brío y bailó con una gracia contenida durante toda la noche.

La velada fue notable por rescatar una obra de auténtica elegancia melódica y potencial cómico. El compromiso y la pericia de la producción en su conjunto te dejan con ganas de ver a la misma compañía ofrecer una temporada totalmente escenificada en un espacio mayor, y cuanto antes.

Fotos: Robert Workman Descubre más sobre Grimeborn en el Arcola Theatre