RECENSION: Garine, Arcola Theatre ✭✭✭✭

Gariné

Arcola Studio 1

14/08/15

4 stjärnor

Den årliga Grimeborn Opera Festival strävar inte bara efter att visa upp samtida opera och nya versioner av den etablerade repertoaren, utan vill också lyfta fram verk som en gång var populära men nu fallit i glömska. Gariné är ett sådant verk, och en sällsynt fågel på flera sätt. Det är en lång operett i fem akter från 1870-talet och därmed samtida med Carmen (som det görs en fyndig anspelning på under kvällen), men där upphör de ytliga likheterna. Kompositören var armenier, Dikran Tchouhadjian, son till sultanens urmakare och därmed en del av den kosmopolitiska världen i mitten av 1800-talets Istanbul, skyddad från den ökande förföljelsen av sina landsmän. Han fick en utmärkt musikalisk utbildning i Milano innan han skrev en serie framgångsrika operetter och mindre framgångsrika historiska operor som gav honom smeknamnen "Österns Offenbach" och "den armeniske Verdi". Hans största succé var Gariné, då under sin ursprungliga men mer sakliga titel Kikärtsförsäljaren, som framfördes flitigt runt om i Europa under flera decennier.

Det vi fick höra på Arcola skilde sig i viktiga avseenden från originalet. Detta var ett halvsceniskt framförande och därför hade en stor del av originalmaterialet strukits. Istället för orkester bjöds vi på en flygel som spelades med beundransvärd finess och schwung av Kelvin Thomson. Det är därför omöjligt att uttala sig direkt om kompositörens hyllade skicklighet som instrumentatör. Ett nytt libretto och översättning stod Gerald Papasian för, som även var regissör och drivkraft bakom hela projektet. Han vävde också in berättande sammanfattningar för att skapa kontinuitet i den kraftigt reviderade handlingen.

Musikaliskt har detta verk en stor charm, även om jag – ifall jag hade hört det utan förkunskap – snarare skulle ha gissat på influenser från Rossini samt Gilbert och Sullivan än Offenbach och Verdi! Långa sekvenser av körer i vals- eller kadriljtempo bryts av med arior som visar upp huvudrollsinnehavarnas röster i musik som är prövande men aldrig virtuos bara för sakens skull. Melodierna har en sötma och folklig klang som tyder på ett armeniskt ursprung, men ackompanjemangen genererar en studsig, arpeggio-driven kraft med enstaka harmoniska utflykter som antyder hur attraktivt och sofistikerat en orkesterbakgrund till denna musik skulle låta. I övrigt framstår det inte som ett specifikt "orientalistiskt" verk, åtminstone inte rent ljudmässigt: snarare som en mycket kompetent operett i den tidens europeiska huvudfåra. Kanske är det bara min egen kulturella prägling som talar, men emellanåt kändes The Pirates of Penzance inte långt borta (och det är verkligen inget dåligt betyg).

Dramatiskt sett är historien varken bättre eller sämre än de många osannolika romantiska förväxlingar som hör operettvärlden till. Handlingen kretsar kring ett teatersällskap vars ledare, Armen (Edward Saklatvala), just har förlorat sin huvudrollsinnehavare till ett rivaliserande kompani. Gariné (Danae Eleni) är som klippt och skuren för att rädda situationen, men tyvärr motsätter sig hennes far Hor Hor, den rike kikärtsförsäljaren (Leon Berger), att hon ställer sig på scenen. Många hinder måste övervinnas innan både pjäsen och relationen kan gå vidare, inte minst genom en hel rad komplicerade sidointriger som vore mödosamma att sammanfatta, förutom att de ger gott om utrymme för sensuell koreografi, snabba klädbyten, komiska fall, melodramatiska hot och kommentarer från kören av skådespelare och dansare som utgör verkets hjärta.

I två avseenden är detta dock ett särpräglat scenario. Frågan om kvinnor skulle få uppträda på scen eller inte var en verklig kontrovers på kompositörens tid, med faktiska konsekvenser för dem det berörde. Det finns en skärpa i den musikaliska gestaltningen och i texten här som lyfter handlingen över den rena farsen. Dessutom förs en intressant debatt om teaterns rangordning – ligger värdet i den finkulturella konsten eller i gatuteatern som ligger närmare folkets smak, eller kanske i båda? Vid slutet av handlingen kräver gatukomedianter och jonglörer samma erkännande i Istanbuls teaterliv som de formella ensemblerna. Återigen var detta en fråga som betydde mycket för dåtidens aktörer och publik, och det har kusliga föraningar om den debatt som äger rum i prologen till Strauss och Hofmannsthals Ariadne på Naxos. Musik och teater må vara "heliga konstarter", men har vi inte alla rätt till lite avkoppling?

Med så mycket intryckt i vad som ändå var en lång kväll, blev det oundvikligen kompromisser och alla var inte till styckets fördel. Papasians berättarinhopp var visserligen nödvändiga för tydlighetens skull, men blev för långrandiga och fyllda med för mycket scenerier som bromsade upp tempot. En hel del av det grundläggande skådespeleriet, bortsett från de bravurartade ensemblepartierna, kändes stelt och underrepeterat; och det uppstod vissa longueurs i andra akten när handlingen rusade mot sitt slut medan listan på musiknummer fortfarande var lång. Med det sagt fanns det många oklanderliga styrkor i ensemblen och produktionen som bör noteras. Sångmässigt var det mycket skickligt genomfört av såväl solister som kör, och alla kör- och balettnummer, tillsammans med de många ögonblicken av genomarbetad komik, var snyggt koreograferade och ibland genuint roliga. Det var härligt att se alla visa en sådan glädje och pondus i detta sällsynta material.

För mig stack fyra prestationer ut. Elenis tolkning av titelrollen var mycket sympatisk och tekniskt sett betydligt säkrare än hennes insats som Musetta förra veckan, med delikata löpningar, ett mycket stabilt högt register och endast en antydan till press i de utdragna höga tonerna. Hon agerade också bra och rörde sig trovärdigt från osäkerhet till självklarhet under kvällens gång. Som hennes motpart sjöng Saklatvala med utmärkt klang och tydlig artikulation, men var något blek i sitt skådespeleri; däremot stortrivdes Leon Berger i rollen som den kränkte och skandalöse patriarken Hor Hor. På vissa sätt är Hor Hor, även i denna nya version, den centrala och mest intressanta rollen – en karaktär som kombinerar drag av Rigoletto, Osmin och Falstaff – och Berger förmedlade alla dessa element genom musikaliska detaljer och karaktärsskådespeleri. Ett särskilt omnämnande går till Katie Grosset i rollen som den unga sopranen Shoushan: hon framförde sin stora aria i andra akten med rejäl pondus och dansade med lågmäld grace genom hela föreställningen.

Kvällen var anmärkningsvärd för att den väckte liv i ett verk med genuin melodisk elegans och komisk potential. Engagemanget och skickligheten i produktionen som helhet gör att man vill se samma ensemble sätta upp en fullskalig produktion på en större scen – och det snart.

Foton: Robert Workman Läs mer om Grimeborn på Arcola Theatre