CRITIQUE : Garine, Arcola Theatre ✭✭✭✭

Gariné

Arcola Studio 1

14/08/15

4 Étoiles

Le festival annuel Grimeborn Opera vise non seulement à offrir une vitrine pour l'opéra contemporain et de nouvelles versions du répertoire établi, mais aussi à mettre en avant des œuvres autrefois populaires et désormais oubliées. Gariné est l'une de ces œuvres, et un oiseau rare à bien des égards. C'est une longue opérette en cinq actes des années 1870, donc contemporaine de Carmen (à laquelle une allusion spirituelle est faite à un moment de la soirée); mais là s'arrêtent les similitudes superficielles. Le compositeur était un Arménien, Dikran Tchouhadjian, fils de l'horloger du sultan, et faisait donc partie du monde cosmopolite d'Istanbul au milieu du XIXe siècle, protégé des persécutions croissantes de ses compatriotes. Il reçut une excellente éducation musicale à Milan avant d'écrire une série d'opérettes à succès et des opéras historiques moins réussis qui lui valurent les surnoms de 'Offenbach Oriental' et 'Verdi Arménien'. Son plus grand succès fut avec Gariné alors sous son titre original mais plus prosaïque, Le Vendeur de Pois Chiches, qui fut beaucoup joué en Europe pendant plusieurs décennies.

Ce que nous avons entendu à l'Arcola était, à des égards importants, différent de l'original. Il s'agissait d'une représentation semi-mise en scène et donc une grande partie du matériel original avait été coupée. Au lieu d'un orchestre, nous avions un piano à queue joué avec une délicatesse et un panache admirables par Kelvin Thomson. Il est donc impossible de commenter directement les grandes compétences attribuées au compositeur en tant qu'orchestrateur. Un nouveau livret et une traduction ont été fournis par Gerald Papasian, le metteur en scène et moteur de l'ensemble de l'entreprise. Il a également interpolé des résumés narratifs pour assurer la continuité à travers le scénario très amendé.

Musicalement, cette œuvre a beaucoup de charme, bien que si je l'avais entendue à l'aveugle, j'aurais suspecté l'influence de Rossini et Gilbert et Sullivan plutôt que d'Offenbach et Verdi! De longues séquences de chœurs en tempo de valse ou quadrille sont interrompues par des airs qui mettent en valeur les voix des principaux personnages dans une musique éprouvante mais pas virtuose pour elle-même. Les mélodies ont une douceur et une inflexion folklorique qui indiquent une source arménienne, mais les accompagnements génèrent une vigueur bondissante, arpeggiée avec des promenades harmoniques occasionnelles du côté sauvage qui suggèrent à quel point un fond-orchestral attrayant et sophistiqué à cette musique sonnerait. Sinon, cela n'atteint pas le statut d'œuvre spécifiquement orientaliste, du moins dans ses propriétés sonores: plus une opérette très compétente dans le style maison européen dominant de l'époque. Peut-être que je ne fais que donner mon propre conditionnement culturel, mais parfois Les Pirates de Penzance ne semblaient pas loin (ce qui n'est certainement pas une mauvaise chose).

D'un point de vue dramatique, l'histoire n'est ni meilleure ni pire que nombre d'ensembles improbables de mésaventures romantiques du monde de l'opérette. L'intrigue tourne autour d'une compagnie de théâtre dont le directeur, Armen (Edward Saklatvala), vient de perdre son chanteur principal au profit d'une compagnie rivale. Gariné (Danae Eleni) est idéale pour sauver la situation, mais malheureusement son père Hor Hor, le riche vendeur de pois chiches (Leon Berger), s'oppose à son entrée en scène. De nombreux obstacles doivent être surmontés avant que la pièce et la relation puissent aller de l'avant, notamment dans toute une série de sous-intrigues compliquées qu'il serait fastidieux de résumer, sauf pour dire qu'elles offrent de nombreuses opportunités de chorégraphie sensuelle, de changement rapide de costumes, de chutes comiques, de menaces mélodramatiques et de commentaires par le chœur d'acteurs et de danseurs qui constituent le cœur de l'œuvre.

Cependant, à deux égards, ceci est un scénario distinctif et individuel. La question de savoir si les femmes doivent se produire sur scène ou non était une véritable controverse dans le théâtre de l'époque du compositeur qui avait de réelles conséquences pour ceux qui étaient au centre de celle-ci. Il y a une intensité dans l'écriture musicale et dans le texte ici qui, à juste titre, soulève l'action hors de la comédie de farce. De plus, il y a un débat intéressant sur l'ordre de préséance du théâtre - la valeur réside-t-elle dans l'art élevé ou dans le théâtre de rue qui est proche du goût populaire, ou dans les deux? À la fin de l'action, les comédiens de rue et les jongleurs exigent une considération et un classement égaux dans le théâtre d'Istanbul, aux côtés des troupes formelles. Encore une fois, cette question importait aux acteurs et spectateurs de l'époque, et elle a des pré-échos étranges du débat qui a lieu dans le Prologue de Ariadne auf Naxos de Strauss et Hofmannsthal. La musique et le théâtre peuvent être des 'arts sacrés', mais ne sommes-nous pas tous en droit de prendre un peu de temps libre?

Avec tellement de choses entassées dans ce qui était encore une longue soirée, inévitablement il y avait des compromis et tous n'étaient pas à l'avantage de la pièce. Les interventions narratives de Papasian, bien que nécessaires pour la clarté, étaient trop longues et agrémentées de trop de mises en scène qui ralentissaient l'action. Une partie du jeu de base, mis à part les pièces de concert brillantes, était raide et mal préparée; et il y avait des longueurs dans la deuxième moitié alors que l'intrigue se précipitait vers sa conclusion tandis que la liste des numéros musicaux était encore longue. Cela dit, il y avait de nombreuses forces irreprochables dans la compagnie et dans la production qui doivent être notées. Vocalement, c'était très accompli à travers la gamme de protagonistes et de chœurs, et tous les numéros du chœur et du ballet, ainsi que les nombreux moments de business comique élaboré, étaient joliment chorégraphiés et parfois vraiment drôles. C'était merveilleux de voir tout le monde afficher une telle joie et confiance dans ce matériel rare.

Pour moi, quatre performances se sont distinguées. L'interprétation d'Eleni dans le rôle-titre était très sympathique et techniquement beaucoup plus sécurisée que sa performance en tant que Musetta la semaine dernière, avec des courses délicates, un très bon registre aigu et seulement une pression légère sur les notes aiguës soutenues. Elle a également bien joué, passant de manière plausible de la maladresse à la confiance au cours de la soirée. En tant que son partenaire, Saklatvala a chanté avec une excellente clarté de son et définition verbale, mais était sous-dimensionné dans son jeu d'acteur; tandis que Leon Berger s'est bien amusé à jouer le patriarche outré et outrageusement condescendant, Hor Hor. D'une certaine manière, même dans cette nouvelle version, Hor Hor est le rôle central et le plus intéressant, combinant quelque chose de Rigoletto, Osmin et Falstaff dans son personnage, et Berger a bien rendu tous ces éléments en détail musical et jeu de caractère. Une mention spéciale reviendrait à Katie Grosset dans le rôle de second lead soprano de Shoushan: elle a interprété son air principal dans la deuxième moitié avec un véritable panache et a dansé avec une grâce retenue tout au long de la soirée.

La soirée s'est distinguée par la résurgence d'une œuvre d'élégance m