RESEÑA: On The Twentieth Century, Teatro American Airlines ✭✭✭✭✭

On The Twentieth Century. Foto: Joan Marcus On The Twentieth Century

American Airlines Theatre

8 de abril de 2015

5 estrellas

No todos los grandes papeles de diva consiguen que la intérprete original “se lleve el premio” cuando se estrena un nuevo musical. Ethel Merman no ganó un Tony por Gypsy; Kelli O'Hara no ganó por The Bridges of Madison County y decenas de otras grandes intérpretes no han visto sus creaciones originales reconocidas con el máximo galardón de Broadway. Madeline Kahn no ganó un Tony por su interpretación de Lily Garland en la producción original, dirigida por Hal Prince, de On The Twentieth Century (y Julia Mackenzie tampoco ganó un Olivier cuando creó el papel en el estreno londinense).

A veces, sin embargo, los reestrenos permiten que los elementos más “divísticos” de un papel se revelen con claridad. Así, Angela Lansbury se llevó el Tony por el primer reestreno en Broadway de Gypsy, aportando al personaje un enfoque renovado. No podemos ver el futuro, pero Kristin Chenoweth parece una candidata bastante sólida (pese a la previsible competencia de, como mínimo, Chita Rivera, Kelli O'Hara y Lisa Howard) para llevarse este año el Tony por su incendiaria encarnación de Lily Garland en el reestreno de On The Twentieth Century dirigido por Scott Ellis, actualmente en cartel, dentro de la temporada de la Roundabout Theatre Company, en el American Airlines Theatre.

Sea cual sea tu opinión sobre Chenoweth hasta ahora, su trabajo en este musical es de esos giros estelares únicos, sencillamente imposibles de creer, que te dejan sin aliento y atónito ante la potencia, la ferocidad y el magnetismo de su entrega, tanto vocal como física; con unas ganas inmediatas de verla hacerlo otra vez desde el principio y con la certeza —total, absoluta— de que, vivas lo que vivas, no volverás a ver a nadie interpretar ese papel de esa manera.

Es una interpretación única, trascendente y completamente impecable por parte de Chenoweth. No hay un solo momento en escena en el que no esté trabajando a plena capacidad volcánica, en el que no esté aportando a la partitura y al libreto más de lo que creerías posible que una sola persona pueda dar. Es una actuación colosal, majestuosa en su comicidad y apabullantemente asombrosa: glamurosa, desternillante y deliciosamente desmesurada.

El libreto, de esos genios de la palabra que son Betty Comden y Adolph Green, es una farsa de golpes y enredos ambientada casi por completo —salvo por algunas gloriosas secuencias oníricas— en un tren, el Twentieth Century. Un productor teatral en horas bajas ha perdido mucho dinero con un espectáculo y huye de sus acreedores. Para despistarlos, necesita firmar a su antigua primera actriz (y amante) para un nuevo show. Sabe que ella va a ir en el tren y se propone reconquistarla, pese a que viaja con su actual galán y “estrella” de cine de papeles secundarios. Se desatan la locura y el caos, especialmente cuando una anciana de talante baptista, empeñada en que los pecadores se arrepientan, se ofrece a sacar la chequera para financiar un espectáculo sobre María Magdalena.

Como debe de quedar claro, el argumento es un disparate del tipo más disparatado, repleto de posibilidades para interpretaciones deliciosamente excéntricas y francamente chifladas. En términos generales, Ellis se asegura de que el reparto entregue justo eso, y a lo grande. Pero Chenoweth es aquí el corazón palpitante de la hilaridad, y no deja pasar ni una.

Desde su primera aparición, en un flashback al momento en que conoció al director teatral Oscar Jaffe, cuando era la corriente y trabajadora pianista acompañante Mildred Plotka, Chenoweth resulta hipnótica. Sus reacciones ante el canto desafinado del aspirante a la audición al que está acompañando son impagables. Jaffe la elige para el papel y, en un abrir y cerrar de ojos, de pronto es Lily Garland: estrella teatral plenamente formada, cantando a pleno pulmón en un desenfreno parisino descaradamente camp —Veronique—, girando pistolas y diminutas banderitas, respaldada por un magnífico ensemble con trajes delirantes y unas rutinas de baile pulidas y milimétricas. Tiene pinta del tipo de espectáculo que Max Bialystock habría preferido antes que Springtime for Hitler.

A partir de ahí, Chenoweth va de triunfo en triunfo. Tiene un juego deliciosamente subido de tono con el Bruce de Andy Karl, un aspirante a estrella de cine magníficamente narcisista y tontorrón: su role-play perruno, el flirteo sexual (incluyendo en un momento un hilarante pellizco de pezón —el de Karl, no el de Chenoweth—) y esa desconfianza amorosísima que se tienen el uno al otro resultan embriagadores y contagiosos. La comedia física es extraordinaria: caídas geniales, bofetadas violentas, entradas y salidas maravillosas con portazos y muchas fotos de Bruce, y un juego brillante con «¡Fuera!». Y fíjate en cómo “actúa” con el pecho cuando corre. Una estupidez excruciante en el mejor sentido.

Del mismo modo, Chenoweth exprime su relación con Jaffe para sacarle todo el oro cómico. Peter Gallagher está en gran forma, en clave de alta comedia, como Jaffe, y hace lo imposible por seguir el ritmo de las maniobras mercuriales y maníacas de Chenoweth. La secuencia en la que Jaffe intenta venderle a Lily la nueva aventura y ella se imagina cómo incorporar una crucifixión de María Magdalena a la trama es solo uno de tantos momentos triunfales de puro ingenio.

Es cierto que, a veces, la zona media de la voz de Chenoweth suena algo áspera, pero cuando ataca el belting o deja que su soprano agudo impecable se eleve y florezca con todo su esplendor, es sencillamente insuperable. Las acrobacias vocales y la dinámica que exhibe aquí son de otro mundo. La resistencia y la energía inagotable que muestra ya son notables, pero en alguien tan menuda parece, sinceramente, inhumano. De verdad: lo que Chenoweth consigue aquí hay que verlo para creerlo. Y no debería perdérselo nadie.

Gallagher y Karl comparten un dúo maravilloso, Mine, en el que cada uno se mira a su propio reflejo, pero al público le parece que se miran el uno al otro. Es otro instante mágico de alegría refinada, con la arrogancia masculina y el pavoneo en su punto más alto. De hecho, Karl no da un paso en falso en toda la función, salvo cuando ejecuta un deslizamiento absolutamente fenomenal desde un sofá; y ahí el tropiezo es totalmente deliberado. Su interpretación es todo lo madura, vigorosa y descaradamente cómica que debe ser. Es un imbécil perfecto, en plena forma física, totalmente bajo el hechizo de Lily y dependiente de su benevolencia para su carrera. Oro puro.

Peter Gallagher es con frecuencia excelente. Demuestra un timing cómico soberbio y un sentido fogoso y entusiasta de lo improbable y lo absurdo, que ayuda a avivar los elementos farsescos de la trama. Pero no es tan constante como Chenoweth o Karl y, a diferencia de ellos, no siempre aprovecha al máximo las oportunidades que ofrece el papel. Su canto es consistentemente bueno; de nuevo, podría arriesgar más con la manera de decirlo y quizá le saldría a cuenta.

Sin embargo, se ve algo lastrado por las interpretaciones bastante sosas de Mark Linn Baker y Michael McGrath como Oliver y Owen, sus ayudantes de producción. Curiosamente, ambos optan por una insipidez de andar por casa como rasgo de carácter, cuando los papeles están escritos de un modo que permitiría mucha más virtuosidad cómica. Estos dos personajes necesitan cuajar mejor como dúo cómico, y también como parte de un trío junto a Jaffe. Ese fallo reduce las opciones de Gallagher para brillar.

Mary Louise Wilson es un triunfo de falsa gentileza como la baptista Letitia Peabody Primrose, que ofrece la salvación en múltiples formas a quienes viajan en el tren. Ella también es una creación cómica magistral y, especialmente en el gran número de producción She's A Nut, Wilson está disparatada, excéntrica y con un punto irónico. Es casi como el ojo del huracán de comedia que gira a su alrededor, aunque su calma y su timidez aportan sus propios chispazos cómicos.

Los cuatro mozos, que bailan, cantan y comentan la acción durante toda la obra —como un coro griego brillante y reluciente— son especialmente fabulosos: Rick Faugno, Richard Riaz Yoder, Phillip Attmore y Drew King. Por separado están estupendos (Faugno tiene una voz de tenor asombrosamente pura), pero juntos son una delicia total. Su número Life Is Like A Train es un comienzo glorioso para el segundo acto.

El ensemble es estupendo: afinado y a golpe de claqué. Cantan la extraordinaria partitura de Cy Coleman con brío, dicción clara y un auténtico sentido del estilo. La coreografía de Warren Carlyle es incesantemente inventiva y alegra el corazón de principio a fin. La sensación de diversión disparatada que se logra en todo momento es eléctrica; el movimiento o la rutina inesperados aparecen por todas partes.

William Ivey Young se ha superado a sí mismo con unos vestuarios de época impecables y absolutamente preciosos. Todo el mundo —hombres y mujeres por igual— va vestido con una perfección de sastrería espectacular. Chenoweth luce unos vestidos imposiblemente bellos y, justo cuando crees que no puede salir con otro conjunto, aparece con otro más; y todos son elegantes, favorecedores y deslumbrantes. Gallagher y Karl también tienen suerte: sus trajes son divinos y contribuyen enormemente al tono de sus interpretaciones. Los mozos también llevan una librea excelente, lo que suma todavía más a la sensación de encanto.

La escenografía de David Rockwell es una fantasía Art Déco centrada en tres compartimentos del tren que da título al musical. Hay muchos detalles ingeniosos que potencian la naturaleza farsesca de la pieza: el juego de Wilson con las distintas versiones del tren es de primera; la primera aparición de Gallagher, colgado en el lateral del tren en marcha, está resuelta con gran astucia; incluso hay un avión para contrastar. El mobiliario y los acabados son divinos y suntuosos, subrayando el nivel de viaje que ofrece el tren. Siempre hay algo visualmente estimulante en el escenario, y el uso de puertas para golpes de cabeza y preparaciones cómicas es muy inteligente. La iluminación de Donald Holder da a cada escena su resplandor apropiado, hermosamente eficaz.

Si hay una pequeña pega, es con las orquestaciones (Larry Hochman). No hay suficientes cuerdas para hacer crecer el sonido como podría crecer, y la sección de metales tampoco tiene la potencia de fuego de la que se beneficiaría la partitura. Por desgracia, la interpretación suena un poco apagada para una música tan vivaz. No resta demasiado en la inmediatez del momento, pero queda una sensación persistente de que un mayor apoyo orquestal elevaría lo que, por lo demás, es una producción ligera y emocionante.

Ellis ha logrado que una nueva vida palpite en el espectáculo igual que el propio Twentieth Century retumba por sus vías. Todo el show se ve y se siente vibrante y estimulante. Es una producción enorme de una obra maestra injustamente olvidada.

Y, con el estrellato de Kristin Chenoweth, tiene algo que ningún otro espectáculo de Broadway posee: una diva haciendo lo imposible… sin esfuerzo. Nadie con el menor interés por el teatro musical debería perderse el placer de saborear este trabajo generacional de Chenoweth.

La definición de un tour de force.

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