RECENSIONE: Sulla Ventesima Strada, American Airlines Theatre ✭✭✭✭✭

On The Twentieth Century. Foto: Joan Marcus On The Twentieth Century

American Airlines Theatre

8 aprile 2015

5 stelle

Non è sempre detto che un grande ruolo da diva faccia “portare a casa la pagnotta” all’interprete che lo crea, quando debutta un nuovo musical. Ethel Merman non vinse un Tony Award per Gypsy; Kelli O'Hara non vinse per The Bridges of Madison County e decine di altre grandi interpreti non hanno visto le loro performance originali premiate con il massimo riconoscimento di Broadway. Madeline Kahn non vinse un Tony per la sua Lily Garland nella produzione originale di On The Twentieth Century diretta da Hal Prince (e neppure Julia Mackenzie vinse un Olivier quando creò il ruolo al debutto londinese).

A volte, però, sono le riprese a permettere che gli aspetti più divistici di un ruolo emergano davvero. Così Angela Lansbury si aggiudicò un Tony per la prima ripresa di Broadway di Gypsy, portando al personaggio un taglio nuovo. Non si può prevedere il futuro, ma Kristin Chenoweth è una candidata parecchio credibile (nonostante la probabile concorrenza, almeno, di Chita Rivera, Kelli O'Hara e Lisa Howard) a portarsi a casa il Tony Award quest’anno per il suo incendiario ritratto di Lily Garland nella ripresa di On The Twentieth Century diretta da Scott Ellis, attualmente in scena — nell’ambito della stagione della Roundabout Theatre Company — all’American Airlines Theatre.

Qualunque cosa pensiate finora di Chenoweth, la sua prova in questo musical è uno di quei rari, pazzeschi, assolutamente straordinari “star turn” che vi lasciano senza fiato e storditi dalla potenza, dalla ferocia e dal magnetismo della resa, vocale e fisica; vi fanno desiderare di rivederla subito da capo e vi rendono certi — certissimi — che, per quanto possiate vivere a lungo, non vedrete mai più nessuno interpretare quel ruolo in quel modo.

Questa di Chenoweth è un’interpretazione unica, trascendente e completamente impeccabile. Non c’è un momento in cui sia in scena senza lavorare a piena, vulcanica capacità, senza dare alla partitura e al testo più di quanto avreste mai creduto potesse dare una sola persona. È una prova monumentale, maestosamente comica e travolgente, glamour, esilarante e sublimemente sopra le righe.

Il libretto, di quei geni della parola che sono Betty Comden e Adolph Green, è una farsa scatenata ambientata quasi interamente — a parte alcune splendide sequenze oniriche — su un treno, il Twentieth Century. Un produttore teatrale sull’orlo della bancarotta scappa dai creditori. Per seminarli deve mettere sotto contratto la sua ex primadonna (e amante) per un nuovo spettacolo. Sa che sarà sul treno e decide di riconquistarla, nonostante lei viaggi con l’attuale bello e “star” cinematografica da ruoli di contorno. Ne seguono follia e caos, soprattutto quando un’anziana battista, decisa a far pentire i peccatori, si offre di aprire il portafogli per finanziare uno spettacolo su Maria Maddalena.

Come è evidente, la trama è una sciocchezza della più frivola specie, piena di occasioni per interpretazioni riccamente eccentriche e francamente strampalate. In larga parte, Ellis fa sì che il cast offra esattamente questo — a profusione. Ma Chenoweth è il cuore pulsante dell’ilarità, e non sbaglia un colpo.

Dalla sua prima apparizione, in un flashback al momento in cui incontrò per la prima volta il regista teatrale Oscar Jaffe, quando era la semplice e laboriosa accompagnatrice Mildred Plotka, Chenoweth è ipnotica. Le sue reazioni al canto stonato dell’aspirante attore che accompagna sono impagabili. Jaffe la scrittura per il ruolo e, in un batter d’occhio, eccola diventare Lily Garland: star del teatro già pienamente formata, che sfodera un belt a tutto volume in una sfrontata, campissima scorribanda parigina — Véronique — tra pistole roteanti e bandierine minuscole, sostenuta da un ensemble formidabile in costumi oltraggiosi e con numeri di danza lucidissimi e precisissimi. Sembra il tipo di spettacolo che Max Bialystock avrebbe preferito a Springtime for Hitler.

Da lì Chenoweth cresce ancora. Ha un’interazione deliziosamente piccante con il magnificamente vanesio e svampito aspirante divo del cinema Bruce, interpretato da Andy Karl: il loro role-play “da cagnolini”, il botta e risposta sessuale (incluso, a un certo punto, un esilarante pizzicotto al capezzolo — di Karl, non di Chenoweth) e la fiduciosa diffidenza reciproca sono inebrianti e contagiosi. La comicità fisica è straordinaria: cadute geniali, schiaffi violenti, entrate e uscite meravigliose tra porte sbattute e mille foto di Bruce, e un gioco spassosissimo su “Shoo!”. E guardate come “recita” con il seno quando corre! Una stupidità dolorosa, ma perfetta.

Allo stesso modo, Chenoweth scava nel rapporto con Jaffe estraendone tutto l’oro comico possibile. Peter Gallagher è in gran forma, ad alta densità comica, nei panni di Jaffe, e fa del suo meglio per tenere il passo con le manovre mercuriali e maniacali di Chenoweth. La sequenza in cui Jaffe tenta di vendere a Lily la nuova impresa e lei immagina come inserire nell’intreccio un’immagine di crocifissione di Maria Maddalena è solo uno dei tanti momenti trionfali.

È vero che a tratti la parte centrale della voce di Chenoweth sembra un po’ ruvida, ma quando “spara” il belt o lascia che il suo soprano acuto, impeccabile, si apra in una fioritura piena e stupefacente, è semplicemente insuperabile. Le acrobazie vocali e le dinamiche che sfoggia qui sono fuori scala. La resistenza e l’energia inesauribile che dimostra sono già di per sé notevoli, ma per una persona così minuta sembrano, francamente, disumane. Davvero, ciò che Chenoweth realizza qui va visto per crederci. E non va assolutamente perso.

Gallagher e Karl hanno un duetto meraviglioso, Mine, in cui ognuno guarda il proprio riflesso, ma al pubblico sembra che si guardino l’un l’altro. Un altro momento magico di gioia raffinata, con l’arroganza maschile e l’auto-compiacimento al loro apice. Anzi, per tutta la serata Karl non mette un piede in fallo, se non quando esegue una scivolata davvero fenomenale giù da un divano — e allora l’“inciampo” è del tutto voluto. La sua prova è tanto matura, fisica e completamente farsesca quanto serve. È un imbecille perfetto, nel pieno della forma, totalmente soggiogato da Lily e dipendente dalla sua benevolenza per la carriera. Oro colato.

Peter Gallagher è spesso eccellente. Dimostra un timing comico superbo e un senso robusto e appassionato dell’improbabile e dell’assurdo, che alimenta gli elementi farseschi della trama. Ma non è costante come Chenoweth o Karl e, a differenza loro, non sempre sfrutta al massimo le opportunità che il ruolo offre. Il canto è sempre valido; anche qui potrebbe rischiare di più nell’interpretazione, e potrebbe essere ripagato.

È, però, un po’ penalizzato dalle interpretazioni piuttosto spente di Mark Linn Baker e Michael McGrath nei panni di Oliver e Owen, i suoi assistenti di produzione. Stranamente, entrambi scelgono una banalissima neutralità come tratto distintivo, quando i ruoli sono scritti in modo da consentire una grande virtuosità comica. I due personaggi dovrebbero amalgamarsi meglio come duo comico, oltre che come parte di un trio con Jaffe. Questa mancanza riduce le possibilità di Gallagher di brillare.

Mary Louise Wilson è un trionfo di finta gentilezza nei panni della battista Letitia Peabody Primrose, che offre salvezza in molte forme a chi è a bordo del treno. Anche lei è una creazione comica magistrale e, soprattutto nel grande numero She's A Nut, Wilson è irresistibilmente eccentrica e ironica. È quasi l’occhio del ciclone della comicità che le ruota intorno, anche se la sua calma e la sua ritrosia producono un umorismo tutto loro.

I quattro facchini, che danzano, cantano e commentano l’azione per tutta la serata come un coro greco luccicante e scintillante, sono particolarmente favolosi: Rick Faugno, Richard Riaz Yoder, Phillip Attmore e Drew King. Singolarmente sono splendidi (Faugno ha un tenore puro sbalorditivo), ma insieme sono pura gioia. Il loro numero Life Is Like A Train è un inizio glorioso del secondo atto.

L’ensemble è formidabile, intonato e a colpi di tip-tap. Cantano la straordinaria partitura di Cy Coleman con verve, dizione chiara e un autentico senso dello stile. Le coreografie di Warren Carlyle sono incessantemente inventive e rallegrano il cuore dall’inizio alla fine. Il divertimento folle che si sprigiona è elettrico; la mossa o la routine inaspettata sono ovunque.

William Ivey Young ha superato se stesso con costumi d’epoca impeccabili, di una bellezza assoluta. Tutti, uomini e donne, sono vestiti con una perfezione sartoriale splendida. Chenoweth indossa abiti da sogno e, proprio quando pensate che non possa averne un altro, eccone uno nuovo: tutti di buon gusto, valorizzanti e mozzafiato. Anche Gallagher e Karl sono fortunati: i loro completi sono divini e aggiungono enormemente al tono delle loro interpretazioni. Ottima anche la livrea dei facchini, che aumenta ulteriormente l’effetto incantamento.

La scena di David Rockwell è una fantasia Art Déco centrata su tre scompartimenti del treno eponimo. Ci sono molti tocchi intelligenti che esaltano la natura farsesca del pezzo: il gioco di Wilson con le varie versioni del treno è di prim’ordine; la prima apparizione di Gallagher, appeso al fianco del treno in movimento, è realizzata con astuzia; c’è perfino un aeroplano, per contrasto. Arredi e suppellettili sono divini e sfolgoranti, a sottolineare lo standard di viaggio offerto sul treno. C’è sempre qualcosa di visivamente stimolante e l’uso delle porte per testate e “setup” comici è davvero ingegnoso. Le luci di Donald Holder regalano a ogni scena il suo bagliore appropriato, splendidamente efficace.

Se c’è una piccola riserva, riguarda le orchestrazioni (Larry Hochman). Non ci sono abbastanza archi per far gonfiare il suono come potrebbe, e neppure la sezione fiati ha la potenza di fuoco di cui la partitura beneficerebbe. Purtroppo l’esecuzione sembra un po’ spenta per una musica così vivace. Nell’immediatezza del momento non rovina davvero l’esperienza, ma resta la sensazione che un maggiore sostegno orchestrale darebbe un’ulteriore spinta a una produzione per il resto frizzante ed emozionante.

Ellis ha fatto in modo che nuova linfa scorra nello spettacolo proprio come il Twentieth Century romba lungo i binari. L’intero show appare e si percepisce vibrante ed entusiasmante. È una produzione straordinaria di un capolavoro troppo trascurato.

E, nel “numero da star” di Kristin Chenoweth, c’è qualcosa che nessun altro spettacolo a Broadway possiede: una diva che fa l’impossibile — con apparente facilità. Chiunque abbia anche solo un minimo interesse per il teatro musicale non dovrebbe perdersi l’occasione di assaporare questa prova, irripetibile, di Chenoweth: una volta in una generazione.

La definizione stessa di tour de force.

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