CRÍTICA: On The Twentieth Century, Teatro American Airlines ✭✭✭✭✭

On The Twentieth Century. Foto: Joan Marcus On The Twentieth Century

American Airlines Theatre

8 de abril de 2015

5 estrelas

Nem todos os grandes papéis de diva garantem que a intérprete original “leve o prémio para casa” quando um novo musical estreia. Ethel Merman não ganhou um Tony por Gypsy; Kelli O'Hara não venceu por The Bridges of Madison County e dezenas de outras grandes intérpretes não viram as suas criações originais reconhecidas com a maior distinção da Broadway. Madeline Kahn também não ganhou um Tony pela sua Lily Garland na produção original, dirigida por Hal Prince, de On The Twentieth Century (tal como Julia Mackenzie não ganhou um Olivier quando estreou o papel na estreia londrina).

Por vezes, porém, os revivals permitem que os elementos mais diváticos de um papel se revelem com toda a clareza. Assim, Angela Lansbury conquistou um Tony pelo primeiro revival da Broadway de Gypsy, ao trazer ao papel uma abordagem renovada. Não dá para prever o futuro, mas Kristin Chenoweth parece ter boas hipóteses (apesar da provável concorrência de, pelo menos, Chita Rivera, Kelli O'Hara e Lisa Howard) de levar para casa o Tony este ano pela sua interpretação incendiária de Lily Garland no revival de On The Twentieth Century, encenado por Scott Ellis, agora em cena — como parte da temporada da Roundabout Theatre Company — no American Airlines Theatre.

Seja qual for a sua opinião sobre Chenoweth até aqui, a sua prestação neste musical é daquelas aparições de estrela absolutamente únicas, inacreditavelmente extraordinárias, que nos deixam sem fôlego e atónitos com o poder, a ferocidade e o magnetismo da entrega — vocal e física —, a querer ver tudo de novo de imediato e com a certeza, a absoluta certeza, de que, por muitos anos que viva, nunca mais verá alguém fazer este papel assim.

É uma interpretação única, transcendente e completamente irrepreensível de Chenoweth. Não há um momento em que esteja em palco sem trabalhar a plena capacidade vulcânica, sem trazer à partitura e ao texto mais do que alguma vez imaginaria que uma só pessoa pudesse oferecer. É uma criação imensa, majestosamente cómica e esmagadoramente espantosa — glamorosa, hilariante e deliciosamente exagerada.

O libreto, daqueles génios das palavras, Betty Comden e Adolph Green, é uma farsa desenfreada, passada quase inteiramente — com exceção de algumas sequências oníricas gloriosas — num comboio, o Twentieth Century. Um produtor teatral em má fase perdeu muito dinheiro num espetáculo e foge dos credores. Para os despistar, precisa de contratar a sua antiga primeira-dama (e amante) para um novo espetáculo. Sabe que ela vai estar no comboio e decide reconquistá-la, apesar de ela viajar com o atual namorado, uma suposta “estrela” de cinema de papéis secundários. Seguem-se loucura e confusão, sobretudo quando uma idosa de perfil batista, decidida a fazer os pecadores arrependerem-se, se oferece para abrir o talão de cheques e financiar um espetáculo sobre Maria Madalena.

Como é evidente, a trama é um disparate do mais absurdo — cheia de oportunidades para interpretações ricamente excêntricas e completamente disparatadas. Em grande medida, Ellis garante que o elenco entrega exatamente isso — e em força. Mas Chenoweth é o coração pulsante da comédia aqui, e não falha um único tempo.

Desde a primeira aparição, num flashback à altura em que conheceu o encenador Oscar Jaffe, quando era a acompanhadora comum e trabalhadora, Mildred Plotka, Chenoweth é hipnotizante. As suas reações ao canto desafinado da candidata para quem está a tocar não têm preço. Jaffe dá-lhe o papel e, num piscar de olhos, ela transforma-se em Lily Garland — estrela de teatro plena — a soltar um belt total num delirante número parisiense campíssimo, Veronique, a rodopiar com pistolas e bandeirinhas minúsculas, apoiada por um excelente ensemble, todo em figurinos escandalosos, a executar rotinas de dança elegantes e de uma precisão notável. Parece o tipo de espetáculo que Max Bialystock teria preferido a Springtime for Hitler.

A partir daí, Chenoweth só cresce. Tem um jogo deliciosamente atrevido com o Bruce de Andy Karl — um aspirante a estrela de cinema magnificamente narcisista e pateta —: o role-play “canino”, a provocação sexual (incluindo, a certa altura, uns hilariante beliscões nos mamilos — os de Karl, não os de Chenoweth) e a desconfiança profundamente amorosa que existe entre ambos são intoxicantes e contagiosos. A comédia física é extraordinária — quedas geniais, estalos violentos, entradas e saídas maravilhosas com portas a bater e muitas fotografias de Bruce, uma brincadeira genial com o “Shoo!”. E repare na “atuação” dos seios quando ela corre! Uma parvoíce excruciante no melhor sentido possível.

Do mesmo modo, Chenoweth explora a relação com Jaffe em busca de todo o ouro cómico que ela contém. Peter Gallagher está em grande forma de comédia “alta” como Jaffe, e faz o possível para acompanhar as manobras mercuriais e maníacas de Chenoweth. A sequência em que Jaffe tenta vender a Lily a nova aventura e ela imagina como incorporar uma imagem de crucificação de Maria Madalena na história é apenas um momento triunfal entre muitos.

É verdade que, por vezes, o médio da voz de Chenoweth parece um pouco áspero, mas quando faz belt ou deixa o seu soprano agudo impecável elevar-se e desabrochar em pleno, espantosamente, ela é simplesmente imbatível. A ginástica vocal e a dinâmica que exibe aqui são de outro mundo. A resistência e a energia inesgotável que demonstra já seriam notáveis — mas, sendo ela tão pequena, parecem, francamente, desumanas. O que Chenoweth consegue aqui tem mesmo de ser visto para se acreditar. E não deve ser perdido.

Gallagher e Karl têm um dueto maravilhoso, Mine, em que cada um olha para o próprio reflexo, mas ao público parece que estão a olhar um para o outro. É mais um momento mágico de alegria refinada, com a arrogância masculina e o pavoneio no seu auge. Aliás, Karl não dá um passo em falso em momento algum — exceto quando executa um deslizamento verdadeiramente fenomenal de cima de um sofá; aí o tropeço é totalmente deliberado. A sua interpretação é tão madura, vigorosa e deliciosamente farsola quanto precisa de ser. Ele é um imbecil perfeito, no auge físico, totalmente sob o feitiço de Lily e dependente da boa vontade dela para a sua carreira. Ouro.

Peter Gallagher é frequentemente excelente. Demonstra um timing cómico soberbo e um sentido exuberante e zeloso do improvável e do absurdo, o que ajuda a alimentar os elementos farsescos da trama. Mas não é tão consistente como Chenoweth ou Karl e, ao contrário deles, nem sempre aproveita ao máximo as oportunidades que o papel oferece. O seu canto é consistentemente bom; mais uma vez, poderia arriscar mais na entrega — e isso talvez compensasse.

Ainda assim, é um pouco prejudicado pelas interpretações bastante apagadas de Mark Linn Baker e Michael McGrath como Oliver e Owen, os seus assistentes de produção. Estranhamente, ambos optam por uma banalidade sem brilho como traço de personagem, quando as partes estão escritas de modo a permitir uma grande virtuosidade cómica. As duas personagens precisam de se entrosar mais como dupla de comédia, e também como parte de um trio com Jaffe. Essa falha reduz as hipóteses de Gallagher brilhar.

Mary Louise Wilson é um triunfo de gentileza enganadora como a batista Letitia Peabody Primrose, que oferece salvação sob várias formas aos passageiros do comboio. Ela também é uma criação cómica magistral e, sobretudo no grande número de produção, She's A Nut, Wilson é deliciosamente excêntrica e irónica. É quase como o olho do furacão de comédia à sua volta, embora a sua calma e reserva gerem os seus próprios arrepios cómicos.

Os quatro carregadores, que dançam, cantam e comentam a ação ao longo do espetáculo, como um coro grego cintilante e glamoroso, são particularmente fabulosos: Rick Faugno, Richard Riaz Yoder, Phillip Attmore e Drew King — individualmente são excelentes (Faugno tem uma voz de tenor de uma pureza espantosa), mas juntos são pura alegria. O número Life Is Like A Train é um arranque glorioso para o segundo ato.

O ensemble é fantástico, melodioso e a sapatear. Cantam a extraordinária partitura de Cy Coleman com garra, dicção clara e um verdadeiro sentido de estilo. A coreografia de Warren Carlyle é incessantemente inventiva e alegra o coração do princípio ao fim. O espírito de diversão tresloucada conseguido ao longo de todo o espetáculo é eletrizante; há sempre um passo ou uma rotina inesperada em cada canto.

William Ivey Young superou-se com os figurinos de época impecáveis, absolutamente deslumbrantes. Toda a gente, homens e mulheres, surge com uma perfeição de alfaiataria irrepreensível. Chenoweth usa alguns vestidos absurdamente lindos — e, quando pensa que ela já não pode ter mais um, lá vem outro, e todos são elegantes, favorecedores e impressionantes. Gallagher e Karl têm a mesma sorte: os seus fatos são divinais e contribuem imensamente para o tom das suas interpretações. Os carregadores também têm excelentes librés, o que só aumenta o fator de encantamento.

O cenário de David Rockwell é uma fantasia Art Déco centrada em três compartimentos do comboio homónimo. Há muitos detalhes engenhosos que reforçam a natureza farsesca da peça — a brincadeira de Wilson com as várias versões do comboio é de primeira; a primeira entrada de Gallagher, pendurado na lateral do comboio em andamento, está muito bem conseguida; e há até um avião, para contraste. O mobiliário e os interiores são divinais e resplandecentes, sublinhando o padrão de viagem oferecido no comboio. Há sempre algo visualmente estimulante no cenário, e o uso das portas para pancadas na cabeça e para montar gags é muito inteligente. A luz de Donald Holder dá a cada cena o seu brilho próprio, lindamente eficaz.

Se há uma pequena queixa, é quanto às orquestrações (Larry Hochman). Não há cordas suficientes para fazer o som crescer como poderia — e a secção de metais também não tem o poder de fogo de que a partitura beneficiaria. Infelizmente, a execução parece um pouco baça para uma partitura tão viva. Não prejudica verdadeiramente no calor do momento, mas fica a sensação de que mais apoio orquestral daria um impulso extra ao que, de resto, é uma produção leve e empolgante.

Ellis garantiu que uma nova energia percorre o espetáculo tal como o próprio Twentieth Century troveja pelos carris. O conjunto tem um aspeto e uma sensação vibrantes e excitantes. É uma produção tremenda de uma obra-prima injustamente esquecida.

E, no número de estrela de Kristin Chenoweth, há algo que nenhum outro espetáculo da Broadway tem: uma diva a fazer o impossível — sem esforço. Ninguém com interesse em teatro musical deveria perder a oportunidade de saborear esta interpretação geracional de Chenoweth.

A definição de tour de force.

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