RESEÑA: El Rufián en la Escalera, Hope Theatre ✭✭✭

Tim Hochstrasser reseña The Ruffian on the Stair, de Joe Orton, actualmente en cartel en el Hope Theatre.

The Ruffian on the Stair

Hope Theatre

2 de febrero de 2019

3 estrellas

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«Creen que porque eres un criminal pueden tratarte como si fueras basura. Viniendo aquí de esa manera. Diciéndoselo a un hombre a la cara. La moral de Nínive difícilmente era tan relajada.»

Solo puede tratarse del estilo paradójico y preciso de Joe Orton: las ofendidas proclamaciones de indignación moral y autoridad por parte de alguien ajeno a la moralidad convencional; las réplicas ingeniosas y aforísticas en boca de quien parece un matón inculto; y la inversión de las suposiciones habituales no solo sobre el bien y el mal, sino también sobre la víctima y el opresor.

La producción de Orton no es extensa, e incluso sus tres obras de larga duración no se representan con demasiada frecuencia. Por eso se agradece especialmente esta reposición de The Ruffian on the Stair. Aunque, aun así, sigue siendo una rareza. Nació como obra radiofónica, adaptada de la novela The Boy Hairdresser, escrita conjuntamente por Orton y su amante Kenneth Halliwell; después se reescribió como una pieza de una hora, dentro de un programa doble estrenado en el último año de la breve vida de Orton. De modo que, si bien formalmente es un producto de la madurez de su autor —con la sobriedad, exactitud y seguridad técnica de su mejor trabajo—, temáticamente anticipa muchas de las inquietudes que se abordarían con mayor sofisticación y profundidad en su obra posterior. No hay escritura sobrante, nada que se prolongue más de la cuenta; pero también buena parte de lo que se dice sobre la homosexualidad, el incesto, el catolicismo, el asesinato y la tiranía de las hipocresías convencionales está desarrollado de forma más completa y eficaz en otros textos.

En esencia es una obra para tres intérpretes. Mike (Gary Webster), un asesino a sueldo de poca monta y con poco trabajo, de instintos brutales y gustos bisexuales, y Joyce (Lucy Benjamin), una exprostituta desvaída y maltratada por la vida, se ven emparejados con incomodidad bajo el mismo techo. Él es un católico irlandés (aunque, curiosamente, no hay acento) y ella una protestante londinense, y durante los primeros veinte minutos más o menos se juega —con un punto de cansina— a sacar partido de sus creencias y de sus suposiciones burguesas. La acción y el ritmo se animan con la llegada de Wilson (Adam Buchanan), un soplo de aire fresco, juvenil y desafiante que irrumpe en esta situación asfixiante: la primera llegada del Sr. Sloane. Aterriza con el falso pretexto de alquilar una habitación; es el forastero disruptivo de manual en cualquier obra de Orton, que resulta tener vínculos más estrechos con uno o con ambos personajes de lo que podríamos haber imaginado. La calidad de la interacción entre los actores mejora de forma notable a medida que la acción avanza hacia su oscuro y violento clímax, y los tres destacan, aprovechando al máximo las frases que Orton les pone en la boca, ya sean sombrías, divertidas o abiertamente farsescas. Igual que la dentadura postiza en Loot, los peces de colores de Joyce aportan una contribución batética memorable al desenlace, pinchando el globo de la gravedad en el momento justo.

El equipo creativo ha hecho un buen trabajo recreando el ambiente de los años sesenta: el atrezzo, la decoración, el mobiliario y la música de fondo evocan con acierto el sórdido pero animado microcosmos de un piso en primera planta en Islington en 1967, y el diseño de escenografía de Rachael Ryan se beneficia claramente de tener que hacer que un espacio muy pequeño rinda al máximo. Vemos más allá de la dejadez —literalmente— cuando el tabique de pladur cede y deja a la vista la calle exterior. Pero, aunque la proximidad claustrofóbica del público a la acción tiene ventajas reales, en ocasiones los actores parecían algo limitados en sus movimientos, tanto por el mobiliario abarrotado de la habitación como por tener que abrirse paso entre el público. ¿Quizá habría que haber sacrificado algunas butacas para facilitarles un poco la vida a los intérpretes?

Este último punto enlaza con la crítica más importante que puede hacerse a una producción que, por lo demás, es muy sólida y más que meritoria. El ritmo a menudo era solo un poco demasiado lento y uniforme. Los textos de Orton son como una partitura musical: que la escritura sea tan ajustada no significa que no haya margen para la variedad y la velocidad en la dicción. Como demostró la encantadora producción reciente de Loot en el Park Theatre, hay momentos en los que se necesita la velocidad delirante y vertiginosa de una farsa desatada, tanto como momentos de pausa y deliberación. Aquí no tuvimos esa variedad por parte del director Paul Clayton, y fue una oportunidad perdida.

En conjunto, es una producción digna pero no sobresaliente, con muchas virtudes firmes. Funciona bien en el espacio reducido del Hope Theatre, pero si la pieza fuera más larga requeriría una dirección más incisiva para transmitir el material con el grado adecuado de intensidad cínica y de bravura.

Resumen: Aunque no es Orton en estado puro, esta obra merece verse con más frecuencia y recibe una producción más que respetable por parte de un equipo creativo en sintonía con su estética particular.

Hasta el 16 de febrero de 2019

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