RESEÑA: 'Lástima que sea una Puta', Teatro Sam Wannamaker ✭✭✭✭

Foto: Simon Kane Lástima que sea una prostituta

Sam Wanamaker Theatre

4 de noviembre de 2014

4 estrellas

Hay que decirlo: no es nada agradable ser mujer en la gran tragedia de John Ford, 'Tis Pity She's A Whore. Hay cuatro mujeres en el reparto y a todas les va fatal. A una la mandan a un convento (dentro de lo que cabe, sale bien parada). A otra la envenenan y muere entre agonía. A una le arrancan los ojos y después la queman viva. Y otra comete incesto (eso sí, voluntariamente) con su hermano (eso sí, guapo), quien luego la mata y le arranca el corazón, que se pasea por ahí llevando, a modo de pincho, ensartado en su daga. No hay duda: esta no es una obra que haga mucho por el género femenino.

El repugnante y poco cristiano Cardenal cierra la obra con estos célebres versos:

Pero nunca antes incesto y asesinato se han encontrado de forma tan extraña.

En alguien tan joven, tan rica en los dones de la naturaleza,

¿quién no podría decir: «¡Lástima que sea una prostituta!»?

En esta producción, es un parlamento pronunciado sobre el cuerpo del Giovanni muerto, el joven dorado que amaba a su hermana, tanto carnalmente como en el sentido familiar. Y, sin embargo, el mensaje final es que el problema era la mujer. El argumento habitual es que el Cardenal es la personificación de la corrupción y que «claro, eso diría él, ¿no?».

Y, por supuesto, la obra se escribió hacia 1630, cuando las actitudes hacia las mujeres distaban de ser ilustradas. Pero, en el mundo moderno del reparto “ciego” al color y al género, hay algo aborrecible en esta obra, al menos si se representa ciñéndose al texto original. Si Ford hubiese escrito 'Tis Pity She's a Nigger o 'Tis Pity She's a Dyke, ¿sería hoy el mundo tan displicente con el título?

¿Por qué no cambiar la frase, y hacer que tanto ella como el título sean 'Tis Pity He's A Whore? Al fin y al cabo, es Giovanni quien da el primer paso, y desde luego el mundo ha avanzado lo suficiente como para reconocer que también existen los prostitutos.

Es un testimonio de la profundidad de pensamiento y el cuidado que han ido a parar a la reposición de la obra de Ford firmada por Michael Longhurst —ahora en el Sam Wanamaker Theatre— que, al caer el telón, lo que ocupa la mente no es un sentimiento de absoluta repulsión y horror ante lo ocurrido, sino precisamente este tipo de reflexiones.

Longhurst aborda la obra por secciones. El comienzo —cuando Giovanni declara su amor por su hermana, Annabella, busca la bendición del fraile para la unión, recibe consejo para arrepentirse pero no puede, y termina confesándole su amor a ella, lo que desemboca en su admisión de sentimientos recíprocos— tiene muy claramente ese aire torturado, desesperado, de amor total, propio de Romeo y Julieta. El primer beso, tímido pero tierno y tembloroso, está cargadísimo. Luego, desnudos, haciendo el amor bajo unas sábanas blancas y nítidas que se enroscan seductoramente en sus cuerpos, el después es tan erótico, tan sensual, tan eléctrico, que hacen que Romeo y Julieta parezcan simples cogidos de la mano.

Del mismo modo, hay mucha diversión e intriga en la perspectiva de los distintos hombres horribles que podrían convertirse en su marido si su padre, Florio, se sale con la suya. Esto tiene un aire a El mercader de Venecia, pero se interrumpe con un frenazo cuando (muy eficazmente, en la negrura absoluta de este auditorio) el bufón Bergetto es asesinado por error.

La sección final de la obra es una orgía de derramamiento de sangre, traición y bilis, y Longhurst la abraza de manera visceral y a todo gas. Desde la muerte agónica de Hippolita por veneno, pasando por la carta que Annabella escribe con su propia sangre, hasta el apuñalamiento inesperado de Giovanni a su hermana-amante embarazada y su venganza empapada en sangre contra los principales atormentadores de ella (incluido su marido, violento y abusivo), Longhurst despliega un juego de consecuencias de pesadilla. La sangre empapa el escenario, formando charcos en sombras espesas y viscosas alrededor de los intérpretes caídos.

Al no convertir a Giovanni en el seductor malvado de su hermana virginal (casi tira por la borda la mentira de que la Iglesia aprueba la unión que propone), al hacer que tanto hermano como hermana ardan por completo de deseo por el cuerpo y el alma del otro, Longhurst consigue que la posibilidad —y luego la realidad— de su unión incestuosa no parezca, de algún modo, monstruosa. Quieres que estén juntos, que sean felices. Es un logro extraordinario.

Y aún más eficaz gracias al telón de fondo de intriga, corrupción y venganza que componen la aristocracia italiana y la jerarquía religiosa. Está claro: aquí los malvados son ellos, no los jóvenes amantes. Si el incesto entre hermanos sigue siendo uno de los grandes tabúes (aunque el éxito de Juego de Tronos quizá sugiera lo contrario), en esta producción Longhurst se alinea con la idea de que Ford no pretendía emitir juicios morales: Annabella y Giovanni son las figuras trágicas, consumidas por los juicios de personas más preocupadas por el interés propio y la riqueza personal que por lo que es correcto o verdadero.

Un núcleo de intérpretes con mucho talento le proporciona a Longhurst herramientas elegantes para hacer viable su visión de 'Tis Pity She's A Whore.

Max Bennett está soberbio como el Giovanni obsesionado por el amor. Su deseo por su hermana casi lo ha llevado a la locura cuando se abre la función, y Bennett impregna al personaje de una fiereza, un nervio frenético, un aire de chico perdido que florece hasta una locura en toda regla. Sus escenas, bañadas en la sangre de su amante asesinada, están llenas de una agonía incandescente y de esa quietud que llega cuando se ha abandonado toda normalidad.

Pero las escenas entre él y la seductora Annabella de Fiona Button son frágiles, deliciosas y están empapadas del placer y el dolor de un amor íntimo, desesperado e imparable que ambos saben que no puede durar. Maneja el verso con facilidad y claridad, y toma un papel que a menudo se sobreactúa o se vuelve vorazmente zeloso, para hacerlo completamente comprensible, redondo. La imagen aterradora de él, sonriendo como un loco demente, sosteniendo el corazón ensartado de Annabella, da miedo; una realización perfecta de belleza juvenil y deseo totalmente destruidos.

Como Annabella, Fiona Button está preciosa, etérea y herida, desde el primer instante hasta su muerte repentina e inesperada. Está tan encantadora en el revolcón desnudo con Bennett —el momento más feliz de su personaje— como valiente y sin miedo en la difícil escena en la que su nuevo marido, Soranzo (Stefano Braschi), la maltrata físicamente. También muestra un excelente instinto cómico en los intercambios con la estupenda Putana de Morag Siller, a propósito de los pretendientes que hacen cola para pedir su mano. No cae en el melodrama, encontrando siempre la verdad del instante; su escena con la carta escrita con su sangre es sobrecogedora. Y la escena entre ella y el fraile Bonaventure (un excelente Michael Gould) está bellamente interpretada cuando él la convence de casarse con Soranzo, pese a estar embarazada de su hermano. Una interpretación conmovedora y completa.

Quien está en un estado de gracia en esta producción es James Garnon. Su bufón Bergetto es puro deleite, una joya cómica. Maneja con soltura el ingenio del lenguaje y hay también momentos estupendos de humor físico. Pelo tonto, atuendo tonto, personaje tonto: todo funciona con encanto, de modo que cuando lo asesinan por accidente resulta profundamente impactante. En el segundo acto, Garnon cambia por completo de registro y construye un Cardenal de una repulsión evidente. Grasiento y untuoso, imposiblemente pagado de sí mismo, este Cardenal de rojo encarna el odio, la intolerancia y la pura maldad del mundo que acaba con Giovanni y Annabella. Es un giro excelente —y que, en una velada repleta de momentos horribles, el hecho de que se apropie para la Iglesia de las tierras de los muertos y desposeídos se sienta como lo más espantoso dice mucho sobre la intensidad y el acierto de su interpretación.

Como el pavo real masculino que es Soranzo, Stefano Braschi está ejemplar. Quebradizo y pendenciero, un enjambre de testosterona, insufla vida real a este personaje taimado. La escena en la que intenta sacarle a golpes a Annabella la identidad de su amante secreto es brutal e impactante; totalmente convincente. Hippolita, una magnífica, elegante y apasionada creación de la talentosa Noma Dumezweni, es otra mujer destruida por sus tratos con Soranzo, y la arrogancia y el desprecio de Braschi hacia ella se muestran con una fuerza palpable. Su muerte prolongada y dolorosa está resuelta con pericia, igual que los intercambios rápidos y cortantes de condena que sellan su destino.

Tanto Hippolita como Putana sufren de lo lindo a manos del vil Vasquez, aquí interpretado por Philip Cumbus. Aunque tenía el aspecto “delgado y hambriento” de un asesino y no tuvo dificultades con la parte física del papel, Cumbus gritó demasiado a menudo y demasiado fuerte. Una presencia imponente no requiere una granada de mano vocal. Si Cumbus lograra controlar bien la voz, lo suyo habría sido una interpretación impresionante.

Hubo un trabajo excelente de Alice Haig (una Philotis suave y apaciguadora), Edward Peel (el primer Florio que he visto morir de manera convincente de shock al enfrentarse a la realidad de su hijo empapado en sangre portando el corazón ensartado de su adorada hija) y el Poggio bobalicón de Dean Nolan.

El diseño de Alex Lowde encaja a la perfección con el precioso espacio del Sam Wanamaker Theatre. El uso de atrezzo nupcial al inicio del segundo acto es perfecto y subraya el horror de lo que viene después. El curioso pastiche de vestuario también funciona muy bien. El movimiento de Imogen Knight y las escenas de lucha de Bret Young resultan eficaces; de hecho, algunos combates son inquietantemente reales. El momento en que una daga queda clavada, sobresaliendo del torso desnudo de Max Bennett, impresiona tanto como los charcos de sangre que brotan de los cuerpos abatidos. Por otra parte, como mínimo resultó desconcertante ver pasos de baile de Single Ladies de Beyoncé incorporados a la rutina final del conjunto; quizá pretendía ser irónico.

La música metálica y vibrante de Simon Slater es extraña, a ratos bastante estridente, pero la interpreta con maestría la pequeña banda. Las canciones y danzas más tradicionales funcionan bien. No se atribuye la iluminación a nadie, pero el uso de las velas —seña de identidad de este teatro— fue excepcional, potenciando la atmósfera y sugiriendo con brillo tanto la sensualidad como las intrigas siniestras.

Es una producción extremadamente eficaz de una obra difícil. Atrapa la atención desde el primer momento y rara vez la suelta, pero nunca toma partido respecto a la cuestión central del incesto. Como todo gran teatro, pinta imágenes, cuenta historias, plantea ideas… y, ante el incesto entre hermanos, deja que sea el público quien tenga que lidiar consigo mismo para decidir qué es bueno y qué es malvado.

Y quién, exactamente, es la prostituta a la que habría que compadecer. ¿La que recibe el nombre o quien lo impone?