ANMELDELSE: 'Tis Pity She's A Whore, Sam Wanamaker Playhouse ✭✭✭✭

Foto: Simon Kane 'Tis Pity She's A Whore

Sam Wanamaker Theatre

4. november 2014

4 stjerner

Det må sies: Det er ikke mye moro å være kvinne i John Fords store tragedie 'Tis Pity She's A Whore. Det er fire kvinner i ensemblet, og det går dårlig med alle sammen. Én blir sendt i kloster (hun slipper billig unna). Én blir forgiftet og dør i store smerter. Én får øynene stukket ut og blir deretter brent levende. Én begår incest (riktignok frivillig) med broren sin (riktignok kjekk), som deretter dreper henne og skjærer ut hjertet hennes, som han bærer rundt på som en kebab, spiddet på dolken sin. Ingen tvil: Dette er ikke et stykke som gjør mye for kvinnesaken.

Den avskyelige, ukristne kardinalen avslutter stykket med disse berømte linjene:

Men aldri før har incest og drap møttes så merkelig.

Om en så ung, så rik på naturens gaver,

Hvem kunne vel ikke si: "Det er synd hun er en hore?"

I denne oppsetningen er det en tale over liket til Giovanni, den gyldne ynglingen som elsket søsteren sin, både kjødelig og familiært. Likevel er det endelige budskapet at kvinnen var problemet. Det vanlige argumentet er at kardinalen er personifiseringen av korrupsjon, og "vel, han ville vel si det, ville han ikke?"

Og selvfølgelig ble stykket skrevet rundt 1630, da holdningene til kvinner var uopplyste. Men i dagens verden med fargeblind og kjønnsblind casting, virker det noe avskyelig ved dette stykket, i hvert fall hvis det fremføres tro mot originalteksten. Hvis Ford hadde skrevet 'Tis Pity She's a Nigger eller 'Tis Pity She's a Dyke, ville den moderne verden vært like blasé overfor tittelen da?

Hvorfor ikke endre linjen, og gjøre den og tittelen til 'Tis Pity He's A Whore? Det er tross alt Giovanni som tar det første initiativet, og verden har sannelig gått videre til det punktet hvor man anerkjenner at det finnes mannlige horer.

Det er et bevis på dybden i tankegangen og omsorgen som ligger bak Michael Longhursts nyoppsetning av Fords stykke, som nå spilles ved Sam Wanamaker Theatre, at det er disse tankene som opptar en når stykket er slutt, snarere enn en følelse av total avsky og redsel over hendelsene som har utspilt seg.

Longhurst nærmer seg stykket i seksjoner. Den tidlige delen av stykket, der Giovanni erklærer sin kjærlighet til søsteren Annabella, søker munkens velsignelse for foreningen, blir rådet til å angre, men ikke klarer det, og tilstår sin kjærlighet til søsteren – noe som resulterer i hennes innrømmelse av gjengjeldte følelser – har i høyeste grad den torturerte, desperate og forelskede følelsen av Romeo og Julie. Det første forsiktige, men ømme og skjelvende kyssene de deler, er ladet med spenning. Senere, nakne mens de elsker under kritthvite laken som krøller seg forførende rundt kroppene deres, er etterspillet deres så erotisk, så sensuelt og så elektrisk at de får Romeo og Julie til å fremstå som om de bare leier hender.

Likeledes er det mye moro og intriger knyttet til utsiktene til de ulike grusomme mennene som kan bli hennes ektemann dersom faren hennes, Florio, får viljen sin. Dette har et preg av Kjøpmannen i Venedig over seg, men det får en brå slutt når (svært effektfullt i det beksvarte auditoriet) narrfiguen Bergetto blir drept ved en feiltakelse.

Stykkets siste del er et orgie av blodsutgytelse, svik og galle, og Longhurst omfavner dette visceralt og med full kraft. Fra Hippolitas pinefulle død ved gift, via Annabellas brevskriving i sitt eget blod, Giovannis uventede knivstikking av sin gravide søster-elsker og hans blodige hevn over hennes plageånder (inkludert hennes voldelige og trakasserende ektemann), legger Longhurst ut et marerittaktig spill om konsekvenser. Blodet natter scenen og samler seg i tykke, seige skygger rundt de falne skuespillerne.

Ved å ikke gjøre Giovanni til den onde forføreren av sin jomfruelige søster (han hopper nærmest bukk over løgnen om at kirken godkjenner den foreslåtte foreningen), og ved å gjøre både bror og søster helhjertet besatt av hverandres kjøtt og sjel, får Longhurst prospektet – og deretter realiteten – av deres incestuøse forhold til å virke på en eller annen måte ikke monsteraktig. Du vil at de skal være sammen, at de skal være lykkelige. Det er en bemerkelsesverdig prestasjon.

Og det gjøres enda mer effektivt av bakteppet av intriger, korrupsjon og hevn som utgjør det italienske aristokratiet og det religiøse hierarkiet. Det er tydeligvis de som er de onde her, ikke de unge elskende. Hvis incest mellom søsken forblir et av de store tabuene (selv om suksessen til Game of Thrones kan tyde på noe annet), så kjører Longhurst i denne oppsetningen på med synet om at Ford ikke ønsket å felle moralske dommer: Annabella og Giovanni er de tragiske figurene, fortært av dommene fra mennesker som er mer opptatt av egeninteresse og personlig rikdom enn hva som er rett eller sant.

En begavet kjerne av skuespillere gir Longhurst de stilfulle verktøyene som trengs for å gjøre hans visjon av 'Tis Pity She's A Whore levedyktig.

Max Bennett er suveren som den kjærlighetsbesatte Giovanni. Hans begjær etter søsteren har nesten gjort ham gal idet stykket åpner, og Bennett gir karakteren en villskap, en frenetisk og fortapt ung-gutt-kant som blomstrer ut i fullstendig galskap. Scenene hans, badet i blodet til hans slaktede elsker, er fulle av glødende smerte og den stillheten som oppstår når normaliteten er forlatt.

Men scenene mellom ham og Fiona Buttons forførende Annabella er skjøre, herlige og fylt med gleden og smerten ved en intim, desperat og ustoppelig kjærlighet som de begge vet ikke kan vare. Han håndterer språket med letthet og klarhet, og tar en rolle som ofte overspilles eller gjøres panisk umettelig, og gjør den helt forståelig og fullstendig. Det skremmende bildet av ham, smilende som en dement tulling mens han holder Annabellas spiddede hjerte, er skummelt; en perfekt realisering av ungdommelig skjønnhet og begjær som er totalt ødelagt.

Som Annabella er Fiona Button nydelig, eterisk og såret, helt fra starten av og frem til hennes plutselige, uventede død. Hun er like fortryllende i den nakne boltreingen med Bennett – karakterens lykkeligste øyeblikk – som hun er modig og fryktløs i den vanskelige scenen der hennes nye ektemann, Soranzo (Stefano Braschi), mishandler henne fysisk. Hun viser også en utmerket komisk teft i samtalene med Morag Sillers utmerkede Putana om frierne som står i kø for hennes hånd. Hun henfaller aldri til melodrama, og finner alltid sannheten i øyeblikket – scenen med brevet skrevet i hennes eget blod er hjemsøkende. Og scenen mellom henne og munken Bonaventure (en utmerket Michael Gould) er vakkert spilt idet han overbeviser henne om å gifte seg med Soranzo, til tross for at hun venter barn med broren sin. En rørende og komplett prestasjon.

I enestående form i denne oppsetningen er James Garnon. Hans klovneaktige Bergetto er en ren fryd, en komisk perle. Han mestrer språkets vidd med letthet, og det er noen fantastiske øyeblikk med fysisk humor også. Teit hår, teit antrekk, teit karakter – alt fungerer strålende – slik at når han blir myrdet ved et uhell, er det dypt sjokkerende. I andre akt skifter Garnon fullstendig gir og skaper en kardinal som er åpenbart frastøtende. Oljete og innsmigrende, umulig selvhøytidelig; denne kardinalen i sin røde kappe legemliggjør hatet, intoleransen og den rene ondskapen i verden som tar knekken på Giovanni og Annabella. Det er en utmerket rolltolkning – og i en kveld fylt med grusomme øyeblikk, sier det sitt om intensiteten og korrektheten i hans prestasjon at det føles mest rystende når han krever de dødes og fordrevnes landområder for kirken.

Som den maskuline påfuglen Soranzo er Stefano Braschi i eksemplarisk form. Sprø og kamplysten, en sverm av testosteron; han blåser ekte liv i denne svikefulle karakteren. Scenen der han prøver å banke identiteten til Annabellas hemmelige elsker ut av henne, er brutal og sjokkerende; helt overbevisende. Hippolita, en fantastisk, grasiøs og lidenskapelig tolkning fra den begavede Noma Dumezweni, er en annen kvinne som blir ødelagt av sitt forhold til Soranzo, og Braschis arroganse og forakt for henne er følbart spilt. Hennes langvarige, smertefulle død var mesterlig utført, det samme var de raske, bitre utvekslingene av fordømmelse som beseglet hennes skjebne.

Både Hippolita og Putana lider hardt i hendene på den avskyelige Vasquez, her spilt av Philip Cumbus. Selv om han hadde det magesugne blikket til en snikmorder og ikke hadde problemer med de fysiske aspektene ved rollen, ropte Cumbus altfor ofte og altfor høyt. En autoritær tilstedeværelse krever ikke en vokal håndgranat. Hvis Cumbus kunne få stemmen under skikkelig kontroll, ville hans prestasjon vært meget imponerende.

Det var utmerket arbeid fra Alice Haig (en mild, beroligende Philotis), Edward Peel (den første Florio jeg har sett som dør overbevisende av sjokk når han blir presentert for synet av sin blodstenkte sønn som bærer det spiddede hjertet til sin elskede datter) og Dean Nolans klossete Poggio.

Alex Lowdes scenografi passer perfekt til det nydelige lokalet i Sam Wanamaker Theatre. Bruken av bryllupseffekter i starten av andre akt er perfekt og understreker grusomheten i det som følger. De pussige pastisj-kostymene fungerer også fint. Imogen Knights bevegelser og Bret Youngs kampscener fungerer alle effektivt; faktisk er noen av kampene urovekkende realistiske. Øyeblikket der en dolk blir stående ut av Max Bennetts bare overkropp er like imponerende som blodpølene som flyter fra de drepte kroppene. På den annen side virket det mildt sagt malplassert å se dansetrinn fra Beyoncés 'Single Ladies' inkorporert i den siste fellesrutinen; kanskje det var ment å være ironisk.

Simon Slaters klingende, metalliske musikk er sær, ganske skjærende til tider, men den spilles med stor dyktighet av det lille bandet. De mer tradisjonelle sangene og dansene fungerer godt. Ingen er kreditert for lysdesign, men bruken av stearinlysene som er dette teatrets varemerke var eksepsjonelt god, noe som forsterket atmosfæren og strålte frem både sensualitet og mørke renkespill.

Dette er en ekstremt effektiv oppsetning av et vanskelig stykke. Den fanger oppmerksomheten din fra start og slipper sjelden taket, men den tar aldri side i det sentrale spørsmålet om incest. Som alt godt teater maler det bilder, forteller historier og poengterer ting – og når det gjelder spørsmålet om søskenincest, overlater det til publikum å kjempe med seg selv om hva som er godt og hva som er ondt.

Og nøyaktig hvem som er horen man bør synes synd på. Den navngitte, eller den som gir navnet?