RESENHA: 'Tis Pity She's A Whore, Teatro Sam Wanamaker ✭✭✭✭

Foto: Simon Kane 'Tis Pity She's A Whore

Sam Wanamaker Theatre

4 de novembro de 2014

4 estrelas

É preciso dizê-lo: não é nada agradável ser mulher na grande tragédia de John Ford, 'Tis Pity She's A Whore. Há quatro mulheres no elenco e todas acabam mal. Uma é enviada para um convento (até que tem “sorte”). Uma é envenenada e morre em agonia. A uma arrancam-lhe os olhos e depois é queimada viva. Uma comete incesto (admitidamente de livre vontade) com o irmão (admitidamente bonito), que depois a mata e lhe arranca o coração, que ele vai exibindo — como um kebab — espetado na adaga. Não há dúvida: esta não é uma peça que faça muito pela condição feminina.

O Cardinal, vil e anticristão, encerra a peça com estas linhas célebres:

Mas nunca antes o incesto e o assassínio se encontraram de forma tão estranha.

Numa só tão jovem, tão rica nos dons da natureza,

Quem não poderia dizer: "Que pena que ela seja uma prostituta?"

Nesta produção, é um discurso feito sobre o corpo do já morto Giovanni, o jovem dourado que amava a irmã, tanto carnalmente como no sentido familiar. E, no entanto, a mensagem final é que o problema era a mulher. O argumento habitual é que o Cardeal é a personificação da corrupção e que “claro, ele diria isso, não diria?”

E, claro, a peça foi escrita por volta de 1630, numa época em que as atitudes em relação às mulheres eram pouco esclarecidas. Mas, no mundo moderno do elenco sem barreiras de cor ou de género, há algo de abjeto nesta peça — pelo menos se for representada com adesão total ao texto original. Se Ford tivesse escrito 'Tis Pity She's a Nigger ou 'Tis Pity She's a Dyke, será que o mundo contemporâneo seria tão blasé em relação ao título?

Porque não mudar a frase — e o título — para 'Tis Pity He's A Whore? Afinal, é Giovanni quem dá o primeiro passo e, certamente, o mundo já avançou ao ponto de reconhecer que também existem prostitutos.

É testemunho da profundidade de pensamento e do cuidado investidos na reposição de Michael Longhurst da peça de Ford, agora em cena no Sam Wanamaker Theatre, que são estes os pensamentos que nos ocupam no final, em vez de um sentimento de repulsa e horror absolutos perante os acontecimentos.

Longhurst aborda a peça por secções. A parte inicial, em que Giovanni declara o seu amor à irmã, Annabella, procura a bênção do Frade para a união, é aconselhado a arrepender-se mas não consegue e confessa o amor à irmã — levando-a a admitir afectos recíprocos — tem muito do tom atormentado, desesperado, apaixonado de Romeu e Julieta. O primeiro beijo, hesitante mas terno e trémulo, é intensamente carregado. Depois, nus, a fazer amor sob lençóis brancos e impecáveis, enrolados de forma sedutora em torno dos corpos, o que se segue é tão erótico, tão sensual, tão eléctrico que fazem Romeu e Julieta parecerem meros “dadores de mão”.

Há também bastante diversão e intriga na perspectiva dos vários homens terríveis que poderiam vir a ser seu marido caso o pai, Florio, conseguisse o que quer. Isto tem um certo sabor a O Mercador de Veneza, mas chega a um fim arrepiante quando (muito eficazmente, na escuridão total desta sala) o pateta Bergetto é morto por engano.

A secção final da peça é uma orgia de derramamento de sangue, traição e fel, e Longhurst abraça isso de forma visceral, a todo o gás. Da morte agonizante de Hippolita por veneno, passando por Annabella a escrever uma carta com o próprio sangue, pelo esfaqueamento inesperado de Giovanni à irmã-amante grávida e pela vingança ensopada em sangue sobre os principais algozes dela (incluindo o marido violento e abusivo), Longhurst compõe um jogo de consequências verdadeiramente pesadelo. O sangue encharca o palco, acumulando-se em poças densas e viscosas, em sombras à volta dos corpos tombados.

Ao não fazer de Giovanni o sedutor malévolo da irmã virgem (ele praticamente deita fora a mentira de que a Igreja aprova a união que propõe), ao tornar irmão e irmã completamente loucos pelo corpo e pela alma um do outro, Longhurst faz com que a hipótese — e depois a realidade — da sua união incestuosa pareça, de algum modo, não monstruosa. Queremos que fiquem juntos, que sejam felizes. É um feito notável.

E torna-se ainda mais eficaz graças ao pano de fundo de intriga, corrupção e vingança que constitui a aristocracia italiana e a hierarquia religiosa. São eles, claramente, os agentes do mal aqui — não os jovens amantes. Se o incesto entre irmãos continua a ser um dos grandes tabus (embora o sucesso de Game of Thrones possa sugerir o contrário), nesta produção Longhurst segue a ideia de que Ford não procurou emitir juízos morais: Annabella e Giovanni são as figuras trágicas, consumidas pelos juízos de pessoas mais preocupadas com o interesse próprio e a riqueza pessoal do que com o que é certo ou verdadeiro.

Um núcleo talentoso de intérpretes oferece a Longhurst ferramentas elegantes para tornar viável a sua visão de 'Tis Pity She's A Whore.

Max Bennett está soberbo como o Giovanni obcecado pelo amor. O desejo pela irmã quase o enlouqueceu quando a peça começa, e Bennett dá à personagem uma ferocidade, uma energia frenética, uma qualidade de rapaz perdido que desabrocha em loucura total. As suas cenas, ensopadas no sangue da amante abatida, estão cheias de agonia incandescente e daquela quietude que vem quando a normalidade é abandonada.

Mas as cenas entre ele e a sedutora Annabella de Fiona Button são frágeis, deliciosas e impregnadas do prazer e da dor de um amor íntimo, desesperado e imparável — que ambos sabem não poder durar. Ele trata a linguagem com facilidade e clareza e pega num papel muitas vezes exagerado ou vorazmente zeloso e torna-o totalmente compreensível, completo. A imagem assustadora dele, a sorrir como um lunático demente, a segurar o coração trespassado de Annabella, é aterradora: uma realização perfeita da beleza e do desejo juvenis completamente destruídos.

Como Annabella, Fiona Button é deslumbrante, etérea e ferida, desde o primeiro momento até à sua morte súbita e inesperada. É tão encantadora na brincadeira nua com Bennett — o momento mais feliz da sua personagem — como é corajosa e destemida na cena difícil em que o novo marido, Soranzo (Stefano Braschi), a agride fisicamente. Mostra também um excelente sentido cómico, nas trocas com a excelente Putana de Morag Siller, sobre os pretendentes que se perfilam para lhe pedir a mão. Não resvala para o melodrama, encontrando sempre a verdade do momento — a cena da carta escrita com o seu sangue é assombrosa. E a cena entre ela e o Frade Bonaventure (um excelente Michael Gould) é belissimamente interpretada, quando ele a convence a casar com Soranzo, apesar de estar grávida do irmão. Uma interpretação tocante e completa.

Em forma extraordinária nesta produção está James Garnon. O seu pateta Bergetto é pura delícia, uma joia cómica. Lida com o humor do texto com grande à-vontade e há também momentos brilhantes de comédia física. Cabelo parvo, traje parvo, personagem parva — tudo funciona deliciosamente — de tal modo que, quando ele é morto acidentalmente, o choque é profundo. No segundo acto, Garnon muda completamente de registo e oferece um Cardeal de repugnância manifesta. Oleoso e untuoso, impossivelmente importante, este Cardeal de vermelho encarna o ódio, a intolerância e a maldade pura do mundo que destrói Giovanni e Annabella. É um excelente trabalho — e, numa noite cheia de momentos horríveis, o facto de a sua apropriação, para a Igreja, das terras dos mortos e despojados se sentir como o mais horrível de todos diz muito sobre a intensidade e a justeza da sua interpretação.

Como o pavão másculo Soranzo, Stefano Braschi está exemplar. Frágil e combativo, um enxame de testosterona, dá vida real a esta personagem dúbia. A cena em que tenta arrancar à força a identidade do amante secreto de Annabella é brutal e chocante; totalmente convincente. Hippolita, um trabalho maravilhoso, elegante e apaixonado da talentosa Noma Dumezweni, é outra mulher destruída pelas suas ligações a Soranzo, e a arrogância e o desprezo de Braschi por ela são interpretados de forma palpável. A sua morte prolongada e dolorosa foi executada com mestria, tal como as trocas rápidas e cortantes de condenação que selaram o seu destino.

Hippolita e Putana sofrem bastante às mãos do vil Vasquez, aqui interpretado por Philip Cumbus. Embora tivesse o ar “magro e faminto” de um assassino e não mostrasse dificuldade com os aspectos físicos do papel, Cumbus gritou vezes demais e alto demais. Uma presença autoritária não exige uma granada vocal. Se Cumbus conseguisse controlar melhor a voz, teria sido uma prestação impressionante.

Houve excelente trabalho de Alice Haig (uma Philotis doce e apaziguadora), Edward Peel (o primeiro Florio que vi morrer de forma convincente de choque ao confrontar-se com a realidade do filho ensopado em sangue, a carregar o coração trespassado da sua amada filha) e o Poggio pateta de Dean Nolan.

O desenho de Alex Lowde adequa-se na perfeição ao belíssimo espaço do Sam Wanamaker Theatre. O uso de adereços de casamento no início do segundo acto é perfeito e sublinha o horror do que se segue. Os curiosos figurinos em pastiche também funcionam bem. O movimento de Imogen Knight e as cenas de luta de Bret Young resultam eficazmente; de facto, algumas das lutas são assustadoramente reais. O momento em que uma adaga fica cravada, a sobressair do torso nu de Max Bennett, é tão impressionante como as poças de sangue que escorrem dos corpos abatidos. Por outro lado, pareceu no mínimo incongruente ver passos de dança de Single Ladies, de Beyoncé, incorporados na rotina final do conjunto; talvez a intenção fosse ironia.

A música metálica e trémula de Simon Slater é estranha, por vezes bastante desconcertante, mas é tocada com consumada mestria pela pequena banda. As canções e danças mais tradicionais funcionam bem. Não há crédito para a iluminação, mas o uso das velas — marca distintiva deste teatro — foi excepcionalmente bom, reforçando a atmosfera e sugerindo, de forma luminosa, tanto a sensualidade como as maquinações sinistras.

É uma produção extremamente eficaz de uma peça difícil. Agarra-nos a atenção desde o início e raramente a larga, mas nunca toma uma posição sobre a questão central do incesto. Como todo o grande teatro, pinta imagens, conta histórias, sublinha ideias — e, na questão do incesto entre irmãos, deixa ao público a tarefa de debater consigo próprio o que é o bem e o que é o mal.

E afinal quem é a “prostituta” que deve ser lamentada. A que é assim chamada ou a que chama?