CRITIQUE : Dommage qu'elle soit une putain, Théâtre Sam Wanamaker ✭✭✭✭

Photo : Simon Kane 'Tis Pity She's A Whore (Hélas, elle est une putain)

Théâtre Sam Wanamaker

4 novembre 2014

4 Étoiles

Il faut le dire : ce n'est pas très divertissant d'être une femme dans la grande tragédie de John Ford, 'Tis Pity She's A Whore. Il y a quatre femmes dans le casting et elles s'en sortent toutes mal. L'une est envoyée dans un couvent (elle s'en sort légèrement). Une autre est empoisonnée et meurt dans l'agonie. Une autre a les yeux arrachés puis est brûlée vive. Enfin, une commet l'inceste (volontairement, il faut l'admettre) avec son frère (admettons-le, séduisant) qui la tue ensuite et lui coupe le cœur qu'il porte partout, comme une brochette, empalé sur son poignard. Aucun doute : ce n'est pas une pièce qui fait beaucoup pour la cause des femmes.

Le vil cardinal non chrétien termine la pièce avec ces lignes célèbres :

Mais jamais encore l'inceste et le meurtre ne se sont rencontrés d'une façon si étrange.

D’un être si jeune, si riche en dons de la nature,

Qui pourrait ne pas dire, « hélas, elle est une putain ? »

Dans cette production, c'est un discours prononcé sur le corps du défunt Giovanni, le jeune homme doré qui aimait sa sœur, tant charnellement que familialement. Pourtant, le message final est que la femme était le problème. L'argument habituel est que le Cardinal est la personnification de la corruption et « bien sûr, il dirait cela, n’est-ce pas ? »

Et, bien sûr, la pièce a été écrite vers 1630 lorsque les attitudes envers les femmes n'étaient pas éclairées. Mais, dans le monde moderne du casting non discriminatoire en termes de couleur ou de sexe, il semble qu'il y ait quelque chose d'abhorrent à propos de cette pièce, du moins si elle est jouée selon le texte original. Si Ford avait écrit 'Tis Pity She's a Nigger ou 'Tis Pity She's a Dyke, le monde moderne serait-il si désinvolte à propos du titre ?

Pourquoi ne pas changer la ligne, en faire et le titre 'Tis Pity He's A Whore (Hélas, il est un putain) ? Après tout, c'est Giovanni qui fait le premier pas et le monde a certainement avancé à tel point que les hommes putains sont reconnus comme existants.

C'est un témoignage de la profondeur de pensée et de soin qui sous-tend la reprise de la pièce de Ford par Michael Longhurst, actuellement jouée au théâtre Sam Wanamaker, que ces réflexions occupent l'esprit à la conclusion de la pièce, plutôt qu'un sentiment de révulsion totale et d'horreur face aux événements qui se sont déroulés.

Longhurst aborde la pièce par sections. La première partie de la pièce, où Giovanni déclare son amour pour sa sœur, Annabella, cherche la bénédiction du Frère pour l’union, se confesse mais ne peut pas se repentir et avoue son amour à sa sœur, ce qui entraîne son admission d’affection réciproque, a véritablement le sentiment torturé, désespéré, éperdument amoureux de Roméo et Juliette. Le premier baiser hésitant mais tendre et tremblant qu'ils partagent est très chargé. Puis, nus, faisant l'amour sous des draps blancs immaculés, enroulés de manière séduisante autour de leurs corps, leur jeu après l'amour est si érotique, si sensuel, si électrique qu'ils font paraître Roméo et Juliette comme de simples tenanciers de main.

De même, il y a beaucoup de plaisir et d'intrigue à avoir avec la perspective des divers hommes affreux qui pourraient être son mari si son père, Florio, venait à avoir gain de cause. Cela a une sorte d'allure de Marchand de Venise, mais cela se termine de manière brusque lorsque (très efficacement, dans la pénombre de cet auditorium) le bouffon Bergetto est tué par erreur.

La section finale de la pièce est une orgie d'effusion de sang, de trahison et de fiel, et Longhurst l'embrasse viscéralement et à plein régime. De la mort agonisante d'Hippolita par empoisonnement, à l'écriture de lettres avec son propre sang par Annabella, en passant par le poignardement inattendu de sa sœur-amante enceinte par Giovanni et sa vengeance sanglante contre ses principaux bourreaux (y compris son mari violent et abusif), Longhurst déploie un cauchemardesque jeu de conséquences. Le sang imbibe la scène, se répandant en ombres épaisses et visqueuses autour des joueurs tombés.

En ne faisant pas de Giovanni le séducteur maléfique de sa sœur virginale (il jette presque le mensonge sur l'Église approuvant l'union qu'il propose), en faisant de frère et sœur des amants fous de chair et de l'âme de l'autre, Longhurst rend la perspective, puis la réalité, de leur union incestueuse semblent d'une certaine manière non monstrueuse. Vous voulez qu'ils soient ensemble, qu'ils soient heureux. C'est une réalisation remarquable.

Et rendue d'autant plus efficace par la toile de fond d'intrigue, de corruption et de vengeance qui constitue l'aristocratie italienne et la hiérarchie religieuse. Ils sont, clairement, les méchants ici, pas les jeunes amants. Si l'inceste entre frères et sœurs reste l'un des grands tabous (et le succès de Game of Thrones pourrait suggérer le contraire), alors, dans cette production, Longhurst adopte la vue que Ford n'a pas cherché à émettre de jugements moraux : Annabella et Giovanni sont les figures tragiques, consumées par les jugements de personnes plus concernées par l'intérêt personnel et la richesse que par ce qui est juste ou vrai.

Un noyau de performeurs talentueux fournit à Longhurst des outils élégants pour rendre sa vision de 'Tis Pity She's A Whore viable.

Max Bennett est superbe en Giovanni obsédé par l'amour. Son désir pour sa sœur l'a pratiquement rendu fou alors que la pièce commence, et Bennett imprègne le personnage d'une sauvagerie, d'une frénésie, d'un air de garçon perdu qui s'épanouit en une complète folie furieuse. Ses scènes, trempées dans le sang de sa sœur-amante égorgée, sont pleines d'une agonie incandescente et d'une immobilité née de la normalité abandonnée.

Mais les scènes entre lui et l'attrayante Annabella de Fiona Button sont fragiles, délicieuses et imprégnées du plaisir et de la douleur d'un amour intime, désespéré, irrésistible qu'ils savent tous deux ne peut durer. Il manipule le langage avec aisance et clarté et interprète un rôle souvent surjoué ou insatiablement fougueux et en fait quelque chose de parfaitement compréhensible, complet. L'image effrayante de lui, souriant comme un fou dément, tenant le cœur transpercé d'Annabella est effrayante ; une parfaite réalisation de la beauté et du désir juvéniles totalement détruits.

En tant qu'Annabella, Fiona Button est magnifique, éthérée et blessée, dès le tout début jusqu'à sa mort soudaine et inattendue. Elle est aussi envoûtante dans la scène de débauche avec Bennett, le moment le plus heureux de son personnage, qu'elle est courageuse et audacieuse dans la scène difficile où son nouveau mari, Soranzo (Stefano Braschi) l'abuse physiquement. Elle montre également une excellente flair comique, dans les échanges avec la remarquable Putana de Morag Siller, sur la question des prétendants alignés pour sa main en mariage. Elle ne tombe pas dans le mélodrame, trouvant toujours la vérité du moment – sa scène avec la lettre écrite dans son sang est poignante. Et la scène entre elle et le Frère Bonaventure (un excellent Michael Gould) est magnifiquement interprétée alors qu'il la convainc d'épouser Soranzo, malgré sa grossesse de son frère. Une performance touchante et complète.

En grande forme dans cette production est James Garnon. Son bouffon Bergetto est un pur délice, un joyau comique. Il traite de l'esprit du langage avec aisance et il y a quelques moments physiques de grande comédie également. Cheveux ridicules, tenue ridicule, personnage ridicule – tout fonctionne à merveille – si bien que lorsqu'il est accidentellement assassiné, c'est profondément choquant. Dans le deuxième acte, Garnon change complètement de registre et produit un Cardinal de répulsion manifeste. Huilé et onctueux, d'une importance personnelle impossible, ce Cardinal vêtu de rouge incarne la haine, l'intolérance et la pure méchanceté du monde qui font pour Giovanni et Annabella. C'est un excellent tour – et dans une soirée remplie de moments horrifiques, que sa revendication des terres des morts et des dépossédés pour l'Église soit le moment le plus horrifique en dit long sur l'intensité et l'exactitude de sa performance.

Dans le rôle du paon masculin Soranzo, Stefano Braschi est en forme exemplaire. Cassant et pugiliste, un essaim de testostérone, il insuffle une véritable vie à ce personnage duplicité. La scène où il tente d'extorquer à Annabella l'identité de son amoureux secret est brutale et choquante ; totalement convaincante. Hippolita, une magnifique, gracieuse et passionnée performance de la talentueuse Noma Dumezweni, est une autre femme détruite par ses relations avec Soranzo, et l'arrogance et le mépris de Braschi pour elle sont palpables. Sa mort prolongée et douloureuse a été magistralement exécutée, tout comme les échanges rapides et cassants de condamnation qui ont scellé son sort.

Hippolita et Putana souffrent toutes deux gravement des mains du vil Vasquez, ici joué par Philip Cumbus. Bien qu'il ait le look « maigre et affamé » d'un assassin et n'ait eu aucune difficulté avec les aspects physiques du rôle, Cumbus a crié beaucoup trop souvent et beaucoup trop fort. Une présence imposante ne nécessite pas une grenade vocale. Si Cumbus pouvait contrôler sa voix correctement, sa performance aurait été impressionnante.

Il y a eu un excellent travail de la part d'Alice Haig (une douce et apaisante Philotis), Edward Peel (le premier Florio que j'ai vu mourir de choc de manière convaincante lorsque confronté à la réalité de son fils couvert de sang portant le cœur empalé de sa fille bien-aimée) et Dean Nolan’s maladroit Poggio.

Le design d'Alex Lowde s'adapte parfaitement à l'espace magnifique du théâtre Sam Wanamaker. L'utilisation des accessoires de mariage au début du deuxième acte est parfaite et souligne l'horreur de ce qui suit. Les costumes pastiches curieux fonctionnent bien aussi. Le mouvement d'Imogen Knight et les scènes de combat de Bret Young fonctionnent tous efficacement ; en effet, certains des combats sont alarmants de réalisme. Le moment où un poignard est laissé dépasser du torse nu de Max Bennett est aussi impressionnant que les flaques de sang qui coulent des corps abattus. D'un autre côté, il semblait incongru, pour le moins, de voir des pas de danse tirés du Single Ladies de Beyoncé incorporés à la routine finale de l'ensemble ; peut-être était-ce censé être ironique.

La musique métallique de Simon Slater est étrange, assez discordante par moments, mais elle est jouée avec une habileté consommée par le petit orchestre. Les chansons et danses plus traditionnelles fonctionnent bien. Personne n'est crédité de l'éclairage, mais l'utilisation des bougies, la marque de fabrique de ce théâtre, était exceptionnellement bonne, rehaussant l'atmosphère et suggérant avec éclat à la fois la sensualité et les manigances sinistres.

C'est une production extrêmement efficace d'une pièce difficile. Elle capte votre attention dès le départ et ne la lâche que rarement, mais elle ne prend jamais position sur la question centrale de l'inceste. Comme tout grand théâtre, elle peint des tableaux, raconte des histoires, soulève des points – et sur la question de l'inceste entre frères et sœurs, elle laisse à l'audience le soin de lutter en eux-mêmes avec ce qui est bon et ce qui est mauvais.

Et finalement, qui est la putain qu'il faudrait plaindre. Celle qui est nommée ou celle qui nomme ?