RESEÑA: Mujeres al Borde de un Ataque de Nervios, Teatro Playhouse ✭✭✭

Mujeres al borde de un ataque de nervios

Teatro Playhouse

30 de diciembre de 2014

3 estrellas

En el programa de Mujeres al borde de un ataque de nervios, el compositor David Yazbek habla de las diferencias entre el estreno en Broadway y el estreno en Londres del espectáculo: "Ha cambiado muchísimo. Cuando se estrenó, sabíamos que estaba bien y también sabíamos que no era exactamente lo que queríamos... Hay algunas canciones nuevas y recorté algunas del original, no porque no me gustaran, sino porque no contaban bien la historia. Si Londres es nuestra producción, Nueva York fue una carísima prueba fuera de plaza. Esta es la mejor versión posible." Por más que uno pueda discrepar de ese punto de vista —y ya habrá lugar para ello más adelante—, esa convicción no parece ser compartida por el director, Bartlett Sher. En la función previa de anoche, salió al escenario justo antes de que comenzara la representación. Naturalmente, el público se temió lo peor: que Tamsin Greig estuviera indispuesta. Pero, tras tranquilizar rápidamente a la sala asegurando que el reparto, cuidadosamente seleccionado, iba a actuar tal y como estaba previsto, Sher hizo

algo que nunca he visto en un escenario británico ni en uno de Broadway. Le contó al público lo duro que habían trabajado todos, cuántos cambios se habían realizado ese mismo día, que todos estaban cansados pero haciendo lo posible, y exhortó a la gente a reír más fuerte, vitorear con más brillo y aplaudir con más entusiasmo. Habiendo visto el segundo pase previo de The Bridges Of Madison County en Broadway, en el que Sher no hizo ninguna aparición ni petición similar, la única conclusión es que estaba preocupado por la acogida que pudiera tener esta previa. Así que él y Yazbek parecen tener opiniones encontradas sobre que esta sea "la mejor versión posible". Sería interesante saber qué piensa el tercer miembro clave del equipo creativo, Jeffrey Lane, porque, se mire como se mire, el libreto y las letras son el material más pulido que se ve aquí, en la completa reinterpretación que Sher hace de Mujeres al borde de un ataque de nervios de Lane y Yazbek, ahora en previas en el Playhouse Theatre.

La versión de Broadway estaba repleta de ideas, imágenes, conceptos y estrellas del teatro musical. Esta versión es más pequeña en todos los sentidos, y se centra más específicamente en la esposa, Lucía, y la amante, Pepa, de un actor famoso, Iván, y en su adoración destructiva por él. Hay menos atención a la amiga de la amante, Candela, que antes, y casi ninguna a Marisa, la prometida a la fuerza del hijo de Iván y el abogado de Lucía, Paulina. Pero estas son las Mujeres del título y, aunque los motivos por los que se desmoronan varían, Lane se asegura de que sus situaciones, deseos y motivaciones se comuniquen con concisión y se salpiquen de una hilaridad y una humanidad auténticas.

Aun así, la cuestión es esta: esto es un MUSICAL. Lo cual significa que, casi siempre, los intérpretes tienen que saber cantar. No salir del paso con una melodía, sino cantar de verdad. Sobre todo cuando la música está compuesta para cantarse como es debido y no pensada para un Rex Harrison.

El hallazgo sorprendente aquí es que solo una persona sabe cantar de verdad —bueno, un intérprete principal. Quizá uno y medio. El conjunto... Sí, pueden cantar, pero se les exige tan poco. Es un desperdicio llamativo.

Tamsin Greig es la intérprete principal. Para las exigencias interpretativas es perfecta. Tiene estilo, un aire caprichoso y una capacidad cómica maravillosa. Remata todos los chistes y encuentra el auténtico sentido de la desesperación que define a su personaje. Abraza la indiferencia y la furia a partes iguales. Pero... Greig no puede cantar. Bueno, al menos en el sentido de que no puede dar la medida completa y la profundidad que requieren las melodías que se le pide cantar.

Es cierto que Greig puede salir del paso. Pero la música que ha compuesto Yazbek aquí tiene profundidad, rango y amplitud reales: necesita una voz potente, con metal, de las que proyectan, y con un agudo espectacular. Greig no es eso. Sostiene la línea vocal como si fuera una línea de un himno cantado por un coro improvisado. No basta para hacer justicia a esta partitura.

Anna Skellern interpreta a Candela, la mejor amiga de Pepa. Tiene una vida amorosa complicada que es el tema de una canción de patter que debería robarse el show, Model Behaviour. Aquí, en manos de Skellern, es un embrollo incomprensible, con poca conexión con la melodía o con la letra. Skellern no canta tan bien como exige el espectáculo. De hecho, toda su interpretación se queda corta: necesita más desenfreno, más frenesí, más corazón. Candela es un regalo de papel; Skellern aún no ha empezado a desenvolverlo.

Como Lucía, Haydn Gwynne está soberbia en las escenas de interpretación. Su sentido de la rabia maniaca es perfecto; luce el vestuario de maravilla y está totalmente presente en cada momento. No hay nada que reprochar a su interpretación, impecable, de una mujer enloquecida por el amor hacia un hombre que no lo merece. Es el placer más jugoso de esta producción. Pero... no canta con la excelencia necesaria para que el número de las once, Invisible, se eleve como debería. Más que cumple, pero, de nuevo, la música no queda debidamente servida.

Ricardo Afonso está magnífico como el taxista. Tiene una voz excelente, puede cantar cada nota con todo su valor y no le cuesta nada ser a la vez sexy y divertido. Cada vez que toma el centro del escenario, triunfa.

No puede decirse lo mismo ni de Jérôme Pradon (que interpreta a Iván, el marido de Lucía y amante de Pepa) ni de Haydn Oakley (que interpreta al inútil hijo de Lucía e Iván). Ambos están completamente, totalmente e incomprensiblemente mal elegidos. Pradon no canta lo suficientemente bien, no es ni de lejos lo bastante atractivo y tiene el carisma de una boca de riego. Oakley tiene una gran voz, pero no se ajusta bien al papel, y es demasiado soso para lo que exige el personaje.

Se supone que el personaje de Pradon mantiene a tres mujeres al borde de precipicios que cambian la vida, la definen y la afirman. Pero cuesta creer que a alguna mujer le importara lo más mínimo. En absoluto. Oakley solo empieza a resultar interesante en el segundo acto, y aun así, vagamente. Puede armonizar lo suficiente, pero hay poca vida en su personaje y ninguna sensación de que sea el hijo de Lucía. Ambas interpretaciones desconciertan. Personajes bellamente escritos se materializan solo a medias, si es que llegan a hacerlo.

Sarah Moyle está encantadora como la conserje del edificio de Pepa, pero eché mucho de menos los momentos musicales que tenía ese personaje en la versión de Broadway.

De hecho, musicalmente se echó mucho de menos de la versión de Broadway. El material nuevo es bueno, pero la partitura anterior tenía una atmósfera general, una coherencia que la nueva no tiene. En esta encarnación, cuesta saber por qué esto es un musical y no una obra de teatro.

La exitosa película de Pedro Almodóvar es, por supuesto, la inspiración de esta producción. Está empapada de sensibilidades españolas, del aire de Madrid: caliente, sexy, jugoso y omnipresente. La producción de Broadway intentó replicar esas sensibilidades y en gran medida lo consiguió. La producción londinense, inexplicablemente, no.

Quizá una razón sea que la mayor parte del reparto no hace ningún intento de usar ningún tipo de acento español. Es curioso, porque la música y los ritmos (tanto de las canciones como del texto) tienen un pulso claramente español. Y algunos personajes aquí sí tienen acento español, lo que solo confunde la cuestión. En este espectáculo, realmente debería ser todo español y resulta incomprensible que no lo sea.

Pero entonces muchas de las decisiones de Sher en la producción son incomprensibles. El decorado del apartamento blanco a dos niveles de Anthony Ward encierra la acción en lugar de liberarla. Se sugiere una alegoría, quizá accidentalmente, quizá no, de un espacio clínico, quizá un hospital o una sala psiquiátrica, quizá el interior de una mente; esto se acentúa cuando, en las escenas iniciales, el conjunto se sienta en sillas negras observando cómo la vida de Pepa se desmorona. Tiene un auténtico aire de "en el diván del psiquiatra".

Pero luego el concepto se abandona de repente en favor de un interior de apartamento más realista, sin observadores. Esto fractura el texto en lugar de iluminarlo.

Pero, por encima de todo, lo que falla aquí es el reparto. Holly James, Michael Matus, Marianne Benedict y Nuno Queimado hacen un gran trabajo en sus pequeños papeles del ensemble, pero cada uno estaría mejor —mucho mejor, porque realmente saben cantar— en los papeles principales que cubren, que quienes los interpretan. Esto no es, en todos los casos, porque los protagonistas no sean buenos actores, sino porque no son intérpretes de teatro musical con voces capaces de dar una vida rica y plena a la partitura de Yazbek. Sus sustitutos sí lo son.

El supervisor musical Matthew Brind y el director musical Greg Arrowsmith aportan un buen apoyo musical, pero la orquesta reducida da como resultado un sonido más pobre. Se echan mucho de menos los metales, las maderas y las cuerdas.

Se comenta ampliamente, también en el programa de esta producción, que Tamsin Greig se mostraba reticente a aceptar el papel de Pepa. Fue persuadida para asumirlo, a pesar de sus reservas sobre su falta de destreza vocal, por su agente y los productores y, presumiblemente, Sher. Greig debería haber seguido su instinto. Es una actriz cómica maravillosa, que puede estar excepcionalmente bien en obras de texto. Es injusto, tanto para ella como para el teatro musical como forma artística, elegir a Greig para un papel como Pepa. Es exactamente lo mismo que elegir a alguien que no canta como Mama Rose en Gypsy o a Todd en Sweeney Todd. Es sencillamente incorrecto.

¿De verdad tienen que fallar musical tras musical, o no funcionar como podrían, antes de que los productores comprendan que las "estrellas" no garantizan —y nunca han garantizado— el éxito de nuevas obras musicales? Destreza, talento y capacidad: esos son los atributos que las nuevas obras musicales necesitan para prosperar. La musicalidad de cada partitura requiere siempre la mejor y más plena atención. Siempre, cada vez. Sin excepciones.

Hay muchísimo que admirar en la partitura de Yazbek y en las letras de Lane. Por eso y por la muy buena interpretación de Greig y Gwynne, esta producción merece mucho la pena.

La producción de Broadway tenía estilo, energía, enfoque y brío: era emocionante y de un tono muy europeo; quizá era demasiado lista para su público. Pero aquí, la dirección de Sher y el reparto desacertado hacen que parezca que es la propia producción la que está al borde de un ataque de nervios.

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