CRITIQUE : Les Rois de Broadway, Théâtre du Palais ✭✭✭

Les Rois de Broadway

Palace Theatre

29/11/15

3 Étoiles

«Ce que l'éclairage apporte aux aspects visuels du théâtre, l'orchestration peut le faire pour les aspects auditifs.» Jonathan Tunick

Pour seulement deux représentations, une excellente distribution de chanteurs et un orchestre de trente musiciens dirigé (avec panache) par Alex Parker ont interprété une sélection délicieuse de morceaux des catalogues de Jule Styne, Stephen Sondheim et Jerry Herman – tous des « Rois de Broadway ».

Ce fut une soirée enrichissante, mais pas toujours de la manière la plus attendue ou évidente. Pour tous les nombreux moments incidentels de chant et de jeu individuels magnifiques, les véritables héros de l'événement étaient trois individus invisibles sur la soirée, dont les noms étaient relégués dans une sous-section éloignée du programme – Jonathan Tunick, Jason Carr et Martin Higgins – les auteurs des orchestrations magistrales, à la fois luxuriantes et habiles, qui ont fourni les plus grands plaisirs et surprises.

Les orchestrateurs reçoivent rarement beaucoup de couverture. Beaucoup d'entre nous supposent que les compositeurs de Broadway font et ont toujours fait leurs propres arrangements, mais ce n'est presque jamais le cas. De plus, beaucoup de choses reposent sur le travail de l'orchestrateur : ce n'est pas juste des paillettes et du chocolat râpé saupoudrés sur le gâteau. C'est sa palette créative qui ajoute la dernière touche dramatique aux intentions du compositeur. Il (et il semble toujours que ce soit il et non elle ?) ajoute les dernières couches de couleurs et de vernis qui façonnent nos réactions. Cependant, nous assistons très rarement à leur travail parce que, pour des raisons économiques, les accompagnements habituels sont un orchestre réduit ou moins.

C'était donc un régal particulier d'avoir un orchestre de trente musiciens sur scène dirigé avec élégance et panache par Alex Parker. Quand les cordes sont intervenues pour l'ouverture de « Gypsy », il y a eu une réaction visible dans le public, comme si nous avions tous soudainement réalisé ce qui nous manquait. Je me suis retrouvé à prendre des notes sur les glissandi de harpe, la percussion vive, le bavardage des bois et le soutien subtil des cordes qui ont enrichi des chansons familières de manière que je n'avais tout simplement pas remarquée ou appréciée auparavant. Il y avait quelques problèmes d'équilibre dans la première moitié mais après l'entracte, il y a eu un engagement fructueux et plus détendu entre les musiciens et les chanteurs opérant depuis le devant de la scène.

Ce n'était pas une soirée qui cherchait à trouver des liens thématiques profonds entre Styne, Sondheim et Herman : c'était simplement une célébration de leur immense contribution à l'histoire de Broadway qui mélangeait judicieusement beaucoup des chansons individuelles les plus célèbres avec du matériel moins familier. Ce sont certains de ces joyaux méconnus qui ont le plus attiré mon attention. Dans le cas d'Herman, c'était un rappel de combien de magnifiques numéros il y a dans « Mack and Mabel » que nous ne connaissons pas aussi bien que nous le devrions ; pour Styne, qu'il y a tant de magnifiques numéros de caractère autonomes qui n'ont pas voyagé aussi loin qu'ils le devraient parce que les spectacles dont ils proviennent n'ont pas eu une longue vie ; et, enfin, un rappel du miracle qu'est l'ingéniosité de Sondheim à évoquer de telles profondeurs d'émotion à partir de ce qui est à l'origine juste de petites bribes de mélodie et fragments d'harmonie.

Les vingt-deux chanteurs couvraient de nombreuses générations et niveaux d'expérience et la plupart ont bien saisi leurs opportunités, mais particulièrement ceux qui étaient habiles à faire du microphone à main leur ami plutôt que leur ennemi. Il y avait beaucoup de solos remarquables, de duos rythmés, et de numéros de groupe, mais là où ce format a vraiment pris tout son sens était dans les plusieurs medleys choisis soit d'un seul spectacle soit pour illustrer un seul genre de chanson (par exemple et d'une manière des plus perspicaces - « Parades »). Vous n'entendez jamais les chansons dans ces regroupements en dehors des événements de célébration, et il y a ainsi de nombreux points de comparaison perspicaces à faire.

Avec une telle variété de matériel présenté, toute sélection de points forts est encore plus subjective que d'habitude dans une critique. Cela dit, j'ai été particulièrement impressionné par les versions de Caroline O’Connor de « Broadway Baby » et « Time Heals Everything », qui ont vraiment développé le personnage autant que la ligne mélodique. Parmi les artistes moins connus, Richard Fleeshman a fait un excellent travail avec « Buddy’s Blues », une de ces chansons difficiles à réussir sans le contexte de la scène (de « Follies ») pour travailler avec, et Bradley Jaden a donné une lecture intrigante et originale de « Maria » de « West Side Story ». Anna O’Byrne et Jack North ont livré une version délicieuse de « Let’s See What Happens » de l’« Inconnue Darling of the Day », et North a de nouveau mené la danse avec un « Put on your Sunday Clothes » superbement chic, qui a servi de finale à l'ensemble.

Peut-être que le cœur émotionnel du spectacle se trouvait dans une séquence de numéros de caractère pour femmes principales, qui montraient tous les trois compositeurs à leur sommet incontesté. J'ai déjà mentionné Caroline O’Connor, mais Caroline Sheen, Anne Reid, Laura Pitt-Pulford et Janie Dee ont toutes creusé profondément dans ces chansons, qui semblent capables de se réinventer indéfiniment entre les mains de générations différentes de performeurs. Peut-être est-ce le meilleur marqueur de la qualité intemporelle de ces compositeurs, et le meilleur témoignage de leur pertinence dramatique continue et de leur importance émotionnelle aujourd'hui.

Mais, pour revenir un instant au thème de mes commentaires d'ouverture, malheur au chanteur qui ne prête pas attention aux détails orchestraux! Je ne veux pas en faire tout un plat mais c'était une erreur pour Janie Dee, dans une interprétation par ailleurs fine de « The Ladies who Lunch », de s'écarter de la parole et de faire un deuxième toast à Pinter plutôt qu'à Mahler, car un gazouillis spirituel des bois d'une citation de la « Quatrième Symphonie » de ce dernier est inséré avec finesse dans la partition à ce moment-là.

C'était une soirée délicieuse, pleine de talents à tous niveaux, et constamment agréable. Il est bon de pouvoir parfois prendre du recul et réfléchir aux joies musicales détaillées de ces compositeurs en l'absence de dispositifs scéniques. Cependant, même si l'on tient compte du manque de temps de répétition, il y avait des bouts lâches et des aspects de production négligés qui auraient pu et auraient dû être rectifiés à temps. Certains chanteurs ont introduit leurs numéros, d'autres non, et si nous ne pouvons pas toujours avoir un maître de cérémonie avec les qualités que le regretté impeccable Ned Sherrin montrait dans « Side by Side by Sondheim », c'était une soirée qui réclamait une telle figure pour présider et rassembler les événements. Le Palace et le Palladium sont de magnifiques vitrines riches en bling pour des spectacles comme celui-ci, mais comme de grands navires, ils nécessitent une manipulation attentive et ne peuvent pas être pris pour acquis. L'éclairage, la chorégraphie, la continuité et la conception sonore auraient tous eu besoin de plus de travail dans ces paramètres et espérons que la prochaine fois ils l'obtiendront. Si tel est le cas, alors il y aura certainement une autre étoile accrochée à la tête de mât par mes soins.